por Redazione 13/11/2026
Categorías: Exposiciones / Descargo de responsabilidad
A partir del 13 de noviembre de 2026, el MAXXI de Roma presenta tres nuevos proyectos expositivos dedicados a Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark y Nanda Lanfranco. Tres exposiciones que abarcan la fotografía, el cine, la experimentación arquitectónica y la memoria del arte contemporáneo.
El MAXXI de Roma inaugura el 13 de noviembre de 2026 tres nuevas exposiciones que abordan algunas de las cuestiones más significativas del arte contemporáneo: desde la identidad y el control social hasta la transformación de los espacios urbanos, pasando por la memoria visual de las experiencias artísticas de la segunda mitad del siglo XX. Los protagonistas son Shirin Neshat, con «Do U Dare!», Gordon Matta-Clark, protagonista de una amplia retrospectiva, y la fotógrafa Nanda Lanfranco, a quien se dedica el ciclo «Ordinare il mondo. L’Archivio di Nanda Lanfranco».
Shirin Neshat. Do U Dare!: identidad, soledad y poder en la era digital
Del 13 de noviembre de 2026 al 10 de enero de 2027, el MAXXI acoge «Shirin Neshat. Do U Dare!», una exposición que adentra al público en el universo visual y psicológico de la artista iraní, una de las figuras más reconocidas del panorama internacional. El proyecto, comisariado por Bartolomeo Pietromarchi con Anne Palopoli como comisaria asociada, reúne una trilogía cinematográfica y una serie de fotografías realizadas entre 2025 y 2026.
En el centro de la investigación vuelven a aparecer algunos temas fundamentales de la obra de Neshat: el exilio, la condición femenina, la relación entre el individuo y el poder, la construcción de la identidad y las tensiones entre Oriente y Occidente. La inspiración de «Do U Dare!» es la historia de Nasim Najafi Aghdam, una mujer iraní perteneciente a la comunidad bahá’í, que emigró a Estados Unidos para escapar de la persecución religiosa. En su país de acogida, Nasim había encontrado en la creación de vídeos para YouTube un medio para expresarse, alcanzar la autonomía económica y obtener reconocimiento. A través de performances, música, danza y contenidos dedicados también a los derechos de los animales, había desarrollado una presencia digital personal y distintiva. Sin embargo, su relación con la plataforma se fue deteriorando progresivamente, hasta el trágico episodio de 2018: la mujer abrió fuego en la sede californiana de YouTube, hiriendo a tres personas, antes de quitarse la vida.
Neshat no se limita a relatar el suceso, sino que a partir de él reflexiona sobre las formas de soledad y marginación, sobre el deseo de pertenencia y sobre los sistemas de control de la sociedad contemporánea, deteniéndose también en la creciente difusión del autoritarismo en Estados Unidos. La historia individual se convierte así en el punto de partida para cuestionar una condición colectiva, a través de un lenguaje que entrelaza el realismo y las visiones oníricas.
La trilogía se articula en tres capítulos ambientados en el área metropolitana de Nueva York, cada uno vinculado a una dimensión diferente de la relación entre el individuo y la sociedad. En Wall Street, la protagonista se mueve en el corazón del poder económico estadounidense, entre los rascacielos y la arquitectura monumental de Manhattan. Allí se enfrenta a un sistema que parece no reconocerla, hasta verse envuelta en una representación teatral y surrealista, en la que asume simultáneamente el papel de espectadora y protagonista. La imagen se convierte en un instrumento para reclamar visibilidad y cuestionar las dinámicas del poder.
La segunda película, Brooklyn, se desarrolla en un barrio marcado por la precariedad y la marginación, acentuadas por la elección del blanco y negro. La protagonista observa una realidad que le resulta ajena, manteniendo inicialmente una postura distante. Posteriormente, la narración se traslada a un contexto en el que un político estadounidense pronuncia consignas que contrastan claramente con lo que le rodea. El punto de inflexión llega con la entrada de la mujer en una peluquería: el paso al color y el disfraz, que la transforman en una especie de Mujer Maravilla, sugieren el surgimiento de una nueva conciencia y la superación de una condición de aparente pasividad.
Con *Suburb*, el relato llega a las afueras residenciales estadounidenses, entre viviendas bien cuidadas, jardines y símbolos de un bienestar que esconde contradicciones. En una casa llena de pelucas, maniquíes, ropa y atrezo, la protagonista experimenta continuas transformaciones. El entorno doméstico se convierte en un plató y en un laboratorio de la imagen, donde la frontera entre la identidad auténtica y la representación se vuelve cada vez más difusa.
Los tres episodios conforman una única historia, en la que el cuerpo femenino se afirma como espacio de transformación y resistencia, pero también de confrontación con las estructuras de poder. El paso del blanco y negro al color acompaña esta evolución, introduciendo una dimensión emocional y simbólica.
Junto a las películas, la exposición presenta una serie de fotografías en las que las figuras humanas adquieren el aspecto de frágiles muñecas de porcelana. Rostros, manos y bustos se transforman en presencias casi espectrales, invitando a reflexionar sobre la influencia de las redes sociales en la construcción de las identidades. A través de referencias a la fotografía surrealista, Neshat convierte en extraño lo que parece familiar y plantea una pregunta: ¿cuánto espacio queda para la autonomía individual en una sociedad que tiende a uniformar a las personas y a marginar a quienes no se ajustan a la norma? Los fragmentos poéticos de Forugh Farrokhzad que acompañan a las imágenes añaden al recorrido una dimensión adicional, intensamente lírica.
Con motivo de la inauguración, el viernes 13 de noviembre de 2026 a las 18:00 horas, Shirin Neshat se reunirá con el público del MAXXI en el marco del ciclo «Conversaciones de autor». En diálogo con la historiadora del arte Maria Alicata, la artista profundizará en el tema de la fragilidad humana en la era de la soledad hiperconectada, centrándose en las relaciones entre identidad, apariencia digital y alienación. El encuentro se desarrollará en inglés, con traducción simultánea, y la entrada será gratuita hasta completar el aforo.
Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker: la arquitectura se convierte en arte y espacio colectivo
Del 13 de noviembre de 2026 al 28 de febrero de 2027, el MAXXI dedica una amplia exposición a Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978), artista estadounidense que en los años setenta revolucionó la forma de concebir la arquitectura, transformándola en un instrumento de experimentación artística, política y social. Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker, comisariada por Jessamyn Fiore y Francesco Stocchi, reúne esculturas, fotografías, películas, dibujos e intervenciones espaciales, prestando especial atención a las experiencias italianas que desempeñaron un papel decisivo en el desarrollo de su investigación.
Formado como arquitecto, Matta-Clark optó por utilizar el arte para cuestionar las convenciones de la construcción y, en general, la forma en que las personas habitan y comparten los espacios. En sus famosos «building cuts», el artista intervenía en edificios destinados a la demolición, realizando cortes y aberturas capaces de introducir nuevas perspectivas, dejar entrar la luz y modificar la percepción de los espacios. Su objetivo no era simplemente destruir, sino replantear la relación entre la arquitectura y la vida colectiva.
La exposición surge también del diálogo con un comité científico internacional compuesto por artistas, arquitectos e investigadores: Laurie Anderson, Martien De Vletter, Elizabeth Diller, Julien Fronsacq, Lorenzo Fusi, Francesco Garutti, Alfredo Jaar, Joan Jonas, Noah Khoshbin, Sylvia Lavin, Camila Mancilla Vera, Azikiwe Mohammed y Sokio.
El recorrido de la exposición repasa las etapas de la investigación del artista, desde los primeros experimentos realizados entre 1970 y 1974 hasta las intervenciones arquitectónicas de mayor envergadura. Entre las obras más importantes destaca Open House (1972), presentada por primera vez en Italia. Partiendo de un contenedor industrial para la recogida de residuos, Matta-Clark lo transforma en un espacio transitable, introduciendo puertas, paredes y materiales de recuperación. El interior se subdivide en pequeños espacios y pasillos, dando vida a una arquitectura alternativa que cuestiona los modelos tradicionales de habitabilidad. En el MAXXI, la obra entra en diálogo con las formas fluidas del edificio diseñado por Zaha Hadid e invita a los visitantes a experimentar directamente la transformación del espacio.
Además, la zona de la Galería 4 que rodea Open House se concebirá como un espacio de encuentro y participación, destinado a acoger actuaciones, música, eventos, talleres y ocasiones para el debate sobre los vínculos entre el arte, la arquitectura, la ciudad y la comunidad.
Otro núcleo significativo lo constituyen los Graffiti Photoglyphs (1973), fruto de una amplia campaña fotográfica llevada a cabo entre el South Bronx y Harlem para documentar la difusión del graffiti como nueva forma de expresión artística. Matta-Clark realizó más de dos mil fotografías de vagones de metro cubiertos de inscripciones y dibujos, que posteriormente reelaboró en composiciones fotográficas de gran formato y enriqueció con intervenciones de pintura de colores.
A la misma época pertenecen Bronx Floors y Walls Papers (ambos de 1972), realizados en el interior de edificios residenciales abandonados del Sur del Bronx. Mediante la eliminación de partes de suelos y paredes, el artista crea conexiones entre espacios antes separados y llama la atención sobre las consecuencias del abandono urbano, cuestionando la función social de la arquitectura.
Se presta especial atención a sus estancias en Italia, fundamentales para la evolución de su lenguaje artístico. En Milán, en 1973, Matta-Clark realiza Infraform, interviniendo en un edificio industrial en desuso con incisiones geométricas practicadas en las paredes y en las esquinas. Los cortes abren nuevas perspectivas y modifican la percepción del espacio. El MAXXI propone una reconstrucción de la obra, ofreciendo al público la posibilidad de experimentar el principio en el que se basa la intervención.
También en 1973, en Génova, el artista realiza *A W-Hole House*, obra que supone la primera intervención en un edificio entero destinado a la demolición. A la investigación sobre los cortes arquitectónicos se suman también los Cut Drawings, obras tridimensionales obtenidas al grabar varias capas de papel y cartulina, en las que las geometrías de las intervenciones en los edificios se traducen en formas plásticas.
El enfrentamiento con el contexto italiano continúa en 1975 con *Arc de Triomphe for Workers*, un proyecto concebido para un complejo industrial de Sesto San Giovanni ocupado por un grupo de jóvenes comunistas. La experiencia impresiona a Matta-Clark por la capacidad de los trabajadores para involucrar a la comunidad y le lleva a profundizar aún más en el valor colectivo y político de la arquitectura. De esta reflexión surge también *A Resource Center and Environmental Youth Program for Loisaida*, un proyecto que nunca se llevó a cabo y que habría contado con la participación de artistas y ciudadanos en la recuperación de edificios abandonados de Nueva York.
La investigación del artista alcanza luego una escala monumental con algunas de sus intervenciones más célebres. En *Splitting* (1974), una casa de Nueva Jersey queda atravesada por un profundo corte vertical; con *Day’s End* (1975), un muelle abandonado de Nueva York se transforma en un espacio abierto a la luz y a la comunidad. Le siguen *Conical Intersect* (1975), caracterizado por una gran abertura cónica realizada en dos edificios destinados a la demolición, junto al futuro Centro Pompidou de París, y *Circus (Caribbean Orange) (1978), la última gran intervención del artista, en la que un edificio de Chicago se transforma mediante una serie de cortes circulares y esféricos.
El cine experimental, parte integrante de la práctica de Matta-Clark, ocupa un amplio espacio en la exposición. Además de las proyecciones repartidas a lo largo del recorrido, una sala dedicada a ello permite profundizar en la relación entre las imágenes en movimiento, la arquitectura y la performance.
La exposición va acompañada de un catálogo de Skira, editado por Jessamyn Fiore y Francesco Stocchi, que recoge entrevistas a los miembros del comité científico, imágenes de las obras expuestas y fotografías de archivo de las intervenciones del artista. De ello surge una lectura detallada de su producción, enriquecida con las aportaciones de estudiosos y amigos que han conocido de cerca su obra.
Ordenar el mundo. El Archivo de Nanda Lanfranco: la fotografía narra el arte contemporáneo
Del 13 de noviembre de 2026 al 28 de febrero de 2027, el MAXXI presenta también «Ordinare il mondo. El Archivo de Nanda Lanfranco», un proyecto comisariado por Lara Conte que devuelve la visibilidad a la obra de la fotógrafa ligure y a su importante patrimonio documental. En 2024, por voluntad de los herederos, todo el archivo fue cedido en préstamo al Museo, que hoy pone en valor su riqueza a través de un recorrido temático y cronológico. La iniciativa cuenta también con la participación del MLAC —el Museo Laboratorio de Arte Contemporáneo de la Universidad La Sapienza de Roma—, donde, del 4 de marzo al 8 de abril de 2027, se ofrecerá una exposición dedicada al cuerpo y al arte de la performance, dos ámbitos fundamentales en la investigación de Lanfranco, tanto en la documentación fotográfica como en su producción artística.
Aunque siempre se ha mantenido alejada de los focos, la fotógrafa ha seguido y documentado algunas de las etapas más importantes del arte contemporáneo italiano e internacional, creando un archivo que hoy constituye un valioso testimonio de las transformaciones culturales y artísticas de la segunda mitad del siglo XX.
El recorrido comienza en la Génova de los años setenta, una ciudad especialmente dinámica en el ámbito de la experimentación. El encuentro con Germano Celant y la colaboración, iniciada en 1977, con la Samangallery de Ida Gianelli marcan su entrada en el mundo del arte contemporáneo. A través de fotografías y documentos resurgen las experiencias de artistas como André Cadere, Rebecca Horn, Daniel Buren, Maria Nordman y Giuseppe Penone, junto con las colaboraciones posteriores con la galería Locus Solus.
Entre los intereses más significativos de Lanfranco destacan la performance, el cuerpo y la investigación artística femenina. En 1975 fotografió en Génova Duets on Ice, la primera performance italiana de Laurie Anderson; al año siguiente documentó en la Bienal de Venecia Relation in Space, de Marina Abramović y Ulay. Sus imágenes no se limitan a registrar las obras, sino que reproducen gestos, relaciones y procesos creativos, ofreciendo una visión cercana de la experiencia artística.
A partir de los años ochenta, también gracias a su larga colaboración con *Il Giornale dell’Arte*, Lanfranco sigue los principales eventos internacionales, desde la Bienal de Venecia hasta la Documenta de Kassel. Además, documenta las investigaciones del Arte Povero, las actividades del Castello di Rivoli e importantes proyectos curatoriales de Germano Celant, entre ellos «Identité Italienne», presentado en el Centre Pompidou de París en 1981.
Paralelamente a su labor de documentación, la fotógrafa desarrolla una investigación personal caracterizada por el uso del blanco y negro, el formato cuadrado y el uso preferente de la Hasselblad. En el centro de sus imágenes se encuentran el cuerpo de la escultura, la naturaleza muerta y el retrato.
Entre los núcleos más interesantes presentados en el MAXXI destaca el ciclo dedicado al Tarot, en el que Lanfranco reinterpreta los Arcanos Mayores y Menores a través de composiciones ricas en símbolos, duplicaciones y correspondencias visuales. Las fotografías construyen un universo suspendido entre la realidad y la imaginación, abierto a múltiples interpretaciones. Esta misma concepción impregna todo el archivo, cuyo orden no se presenta como una estructura rígida, lineal o jerárquica. Por el contrario, se convierte en un espacio dinámico y generativo, en el que las imágenes pueden relacionarse entre sí, sugerir nuevas conexiones y dar lugar a posibilidades de lectura siempre diferentes.
«Los proyectos que inauguramos hoy reflejan muy bien la visión del MAXXI: un museo abierto al diálogo entre los lenguajes, capaz de acoger en sus espacios perspectivas y experiencias artísticas diferentes», declaró Maria Emanuela Bruni, presidenta de la Fundación MAXXI. «Hoy, el MAXXI no solo inaugura tres exposiciones, sino que abre sus puertas a tres formas de habitar el mundo: a través de la mirada crítica sobre la arquitectura y el trabajo; a través de la fuerza de las imágenes y la responsabilidad de la memoria; a través del cuidado paciente con el que un archivo puede devolver orden, sentido y futuro al pasado».
|
| Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark y Nanda Lanfranco: las tres nuevas exposiciones del MAXXI de Roma |
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.