Pouvez-vous le réparer? Bien sûr ! Les musées et la mentalité "Bob le réparateur".

Bien sûr que nous le pouvons ! C’est l’état d’esprit que j’ai partagé avec mes collègues dans les musées, sur les médias sociaux et au-delà. Il y a certainement des choses à réparer dans les musées, aujourd’hui plus que jamais. Et les outils sont là, prêts, disponibles et à portée de main. Équipés des connaissances nécessaires pour comprendre quels sont les défis, et conscients que les bons outils, à choisir pour relever efficacement ces défis, feront certainement une différence. La principale priorité est sans aucun doute d’avoir un état d’esprit positif, mais il est également nécessaire de laisser derrière soi les anciennes méthodes et habitudes qui étaient considérées comme essentielles à l’éthique institutionnelle. Une nouvelle muséologie en gestation? Peut-être.

L’état d’esprit positif et l’attitude positive dont nous avons besoin en cette ère de changement me rappellent “Bob the Builder”, un dessin animé britannique pour enfants de la fin des années 1990, qui est devenu international par la suite, notamment grâce à des adaptations (livres et produits alimentaires). Les protagonistes de l’histoire sont un entrepreneur en bâtiment et son monde, qui comprend un groupe pittoresque de véhicules de travail anthropomorphes, qui arrivent toujours pour résoudre un nouveau défi. Les compétences de Bob en matière de résolution de problèmes reposent sur la résolution de conflits, la collaboration, la socialisation et d’autres compétences. C’est l’état d’esprit avec lequel Bob a abordé les exigences du problème qui a fait toute la différence.

Bob le réparateur

Si l’on se place du point de vue de Bob le Bâtisseur, le renouveau numérique et l’ambition de créer les synergies justes et nécessaires entre le physique et le virtuel dépendront avant tout de la volonté d’y parvenir. Au-delà des outils et des talents, c’est l’attitude “nous pouvons le faire” qui changera la donne.

Réussir avec le bon état d’esprit

En juin dernier, Seb Chan, Chief Experience Officer (CXO) de l’Australian Centre for the Moving Image, a publié sur Twitter un article très intéressant qui, dans une certaine mesure, m’a incité à écrire cet article. L’une des personnes interrogées, un éminent responsable de l’industrie artistique australienne, parlait très franchement du renouveau numérique initié par la pandémie de Covid-19: “si nous rendons l’expérience numérique de mieux en mieux, surtout à un moment où les gens sont nerveux à l’idée de retourner voir des spectacles en direct, nous créons, pour nous-mêmes, un problème de plus en plus grand”. Il n’y a rien de pire que de s’asseoir dans une salle avec deux mille inconnus qui ont tous des expériences émotionnelles différentes, et très personnelles de surcroît. Je suis très inquiet: si nous rendons l’expérience numérique si immersive et merveilleuse, qu’adviendra-t-il des spectacles en direct?

Le fait que ce soit le directeur général d’Opera Australia qui se soit exprimé ainsi n’a que peu d’importance, pour la simple raison que cet état d’esprit est bien plus répandu qu’on ne le pense, même à notre époque. J’ai commenté ce type de préoccupations dans un certain nombre d’articles traitant de la pensée transmédia et de l’univers de Harry Potter. Je pense que le moment est peut-être venu de comprendre pourquoi ces inquiétudes refont surface.

Prenons l’exemple des conservateurs. La formation académique et la pratique d’un conservateur sont fondées sur la nécessité de reconnaître la valeur des œuvres dont il s’occupe, et cette valeur est souvent liée à leur valeur économique. Il y a une sorte de paradoxe dans le fait que cette dialectique entre valeur économique et valeur culturelle est une nécessité pour les musées (les collections sont en fait évaluées à des fins d’assurance, et la culture matérielle est achetée sur le marché de l’art et des antiquités contre le paiement d’un certain prix). Dans le monde de l’art, la dialectique entre le marché et le musée est profondément ancrée dans l’essence et le développement historique de la discipline. L’essai d’Ivan Gaskell intitulé Tradesmen as scholars. Interdependencies in the study and exchange of artis résume bien ce sujet: l’original est une acquisition convoitée, l’authentique prend de la valeur lorsqu’il est reconnu comme tel, et la copie est souvent reléguée dans un oubli relatif.

Telle est l’éthique d’une institution muséale centrée sur l’objet (et nous ne parlons pas seulement des musées d’art). Pour de nombreux musées, et pas seulement pour ceux qui collectionnent des œuvres d’art, le numérique n’est qu’une simple copie de l’original. Nous pensons rarement aux musées comme à des expériences sans collection matérielle, mais l’argument selon lequel rien ne ressemble à l’original est désormais de plus en plus perçu comme si nous comparions le jour à la nuit, ou les livres aux films ou aux sites web.

Photo par Vanessa Bucceri sur Unsplash

Mais perdons-nous vraiment quelque chose de l’expérience muséale en optant pour le numérique plutôt que pour le physique? La réponse vient d’une étude menée pendant dix mois par le Massachusetts Institute of Technology (MIT) et Cuseum, la plateforme d’engagement muséal, sur la réaction émotionnelle de certains sujets à qui l’on a montré des œuvres d’art originales par rapport à leurs équivalents numériques. Et au lieu de nous faire perdre l’aura de l’original en regardant le numérique (pour citer l’essai de Walter Benjamin de 1935, L’œuvre d’art à l’ère de sa reproductibilité technique), l’expérience numérique augmente en fait l’étendue de notre activité cérébrale. Un article de Noah Charney paru dans l’Observer résume très bien ce phénomène: “en bref, nos cerveaux semblent être plus stimulés lorsqu’ils regardent la réalité augmentée et les reproductions numériques d’œuvres d’art dans la réalité virtuelle que lorsqu’ils regardent l’œuvre elle-même”.

Noah Charney appelle toutefois à la prudence, soulignant à juste titre que ces affirmations doivent être “évaluées de plusieurs points de vue, car il y a plusieurs considérations à faire autour d’elles”. Il y a cependant un aspect qui ressort très clairement: ce serait une erreur de continuer à considérer le numérique comme secondaire par rapport à l’expérience physique. Peak Experience Lab a souligné cette nécessité il y a quelques années, en 2017. Et j’aimerais citer un article bien connu de 2011, écrit par la consultante en muséologie Rainey Tisdale, où il est dit que “les musées d’aujourd’hui peuvent compter sur toutes sortes d’outils d’interprétation pour raconter leurs histoires: et pour bien faire notre travail, nous avons besoin de tous les outils que nous pouvons obtenir”.

Cela ne faisait aucun doute il y a dix ans, et continue de le faire aujourd’hui ; en fait, ce besoin est maintenant reconnu comme étant encore plus pressant qu’auparavant, en réponse aux défis posés par la pandémie de Covid-19.

Accepter le fait que les objets contrôlent le récit muséal et ne pas reconnaître le musée comme une pluralité de formes qui peuvent être réalisées par un large éventail de moyens, signifie que les musées risquent de perdre leur pertinence aujourd’hui plus que jamais.

Aujourd’hui, l’original, l’authentique et l’unique peuvent avoir beaucoup plus à voir avec la qualité, la pertinence et l’authenticité de l’expérience muséale. L’approche des collections peut certainement être ajustée, sans pour autant renoncer à la valeur unique de l’original. L’expérience muséale peut également être reconnue pour sa valeur, et cette valeur inclut le numérique. Oui, nous pouvons le faire !

Photo par Vanessa Bucceri sur Unsplash

Version de l’article original publié dans The Humanist Museum et ensuite publié sur MuseoPro - le site web du réseau des musées finlandais.

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