S'en prendre aux personnes, pas aux appareils photo. Sur les photos de la National Gallery de Londres

Ces derniers mois, la politique d’autorisation des photos à l’intérieur des musées a fait couler beaucoup d’encre. Dans cet article écrit par Nina Simon et publié sur son blog Museum 2.0, elle réfléchit à cette politique et à ses effets à la National Gallery de Londres.Voicile lien vers l’original et ci-dessous ma traduction !

J’avais tort.

Il y a cinq ans, j’ai écrit un billet sur le fait de prendre des photos à l’intérieur des musées aussi librement que possible. Je pensais que prendre des photos (sans flash) dans un musée développait considérablement la capacité à personnaliser, mémoriser et apprécier l’expérience. Et c’est toujours le cas. La plupart du temps. Mais la semaine dernière, une série d’articles écrits depuis Londres m’a fait changer d’avis.

Certains d’entre eux proviennent d’un blog au nom très approprié: Grumpy Art Historian (nda: “L’historien de l’art grincheux”). Le blogueur Michael Savage et moi nous voyons rarement, c’est pourquoi j’aime lire ses articles. La semaine dernière, il a écrit une série d’articles sur les nouveautés en matière de photos à l’intérieur de la National Gallery de Londres: pour la première fois, la National Gallery a autorisé la prise de photos sans flash.

Lerésultat semble être un chaos total. Beaucoup de flashs. Une masse d’ipads. Des gens qui se penchent et touchent dangereusement les œuvres. Une nuée d’appareils photo partout. Les œuvres sont comme des célébrités assiégées, poursuivies par une horde de paparazzis novices.

En lisant attentivement les messages de Michael, il semble que les caméras ne soient pas les plus grands coupables. Elles deviennent les armes d’une masse de personnes déjà encombrante. Elles sont les armes de personnes regroupées en quête de nouveauté. Une scène comme celle que vous voyez ci-dessus ne représente pas seulement un chaos causé par un groupe dense de téléphones portables et d’appareils photo. C’est une confusion causée par les gens.

Dans un musée, une masse de personnes pressées les unes contre les autres ne permet pas de voir les œuvres librement, mais en fait un événement planifié. Vous vous retrouvez coincé: des gens autour de vous, devant vous et vous poussant par derrière. Soudain, une caméra, qui serait inoffensive dans un environnement peu fréquenté, devient aussi gênante que quelqu’un qui parle pendant la projection d’un film au cinéma. Vous êtes tous dans le même espace et vous ne pouvez même pas distinguer les caméras qui vous entourent les unes des autres.

Pourquoi ce musée est-il toujours aussi bondé? Parce qu’il est célèbre. Michael fait remarquer que certaines parties de la National Gallery sont encore relativement calmes et tranquilles ; tout le monde se presse autour des stars de la galerie, comme les Tournesols de Van Gogh et les Madones de Botticelli.

Le culte de la célébrité est beaucoup plus fort dans les domaines où le public n’est pas très informé. Vous souvenez-vous du nom d’un chanteur d’opéra? D’un peintre? Et de n’importe quel musée? Les plus grands musées sont ceux qui sont surpeuplés et où les gens se concentrent principalement devant les œuvres les plus célèbres de la collection. Au Louvre, il y a tant de salles où il n’y a pratiquement jamais personne, mais cela n’arrivera jamais dans la salle qui abrite la Joconde.

Les musées ont exacerbé ce culte de la célébrité en mettant l’accent sur les expositions à succès et les spectacles itinérants ; ils créent des “paquets” avec les plus grands succès auxquels on ne peut renoncer. Ils créent une expérience qui ne se répétera pas une autre fois dans une vie et les foules affluent. On vous dit qu’il ne faut pas rater cette occasion et vous voulez donc saisir ce moment du mieux que vous pouvez ! L’art est capturé comme un animal boiteux dans une cour de récréation... mais l’art n’est pas quelque chose que l’on peut apprivoiser.

En pensant à tout cela, je me souviens de cette belle scène dans la grange la plus photographiée d’Amérique, décrite par Don Delillo dans White Noise. Deux personnages vont voir cette grange et constatent que tous les gens la photographient. L’un d’eux, Murray, dit :

"Personne ne voit la grange.... Être ici est une sorte d’abandon spirituel. Nous ne voyons que ce que les autres voient. Les milliers de personnes qui sont venues ici dans le passé, celles qui viendront dans le futur. Nous avons accepté de faire partie d’une perception collective. Cela colore littéralement notre vision. D’une certaine manière, c’estune expérience religieuse, comme toute forme de tourisme".

La grange, comme les Tournesols de Van Gogh, est discrète. À chaque plan, elle s’éloigne de la grange et se rapproche de plus en plus de l’image de la grange. Il est sacrifié à la capture continue de son image.

Je suis d’accord si cela arrive à la grange dans un roman. Je ne suis pas sûr que ce soit suffisant pour l’art et les artefacts culturels. Existe-t-il une alternative? Michael Savage pourrait dire: revenez à l’époque où il était interdit de prendre des photos à l’intérieur des musées. Débarrassez-vous de l’appareil photo. Je pense que les appareils photo sont, certes, une distraction, mais en réalité, il faut se débarrasser de la foule.

La semaine prochaine, je pars en vacances: je vais camper dans les High Sierras. Pour pouvoir le faire, je dois obtenir l’autorisation du parc. Je devais donc soit m’y prendre à l’avance (ce que je n’ai pas fait), soit me lever à cinq heures du matin et faire la queue pendant trois heures pour obtenir un permis (ce que je ferai). Les permis sont nécessaires dans le parc naturel pour la même raison que les restrictions imposées aux visiteurs des musées: pour protéger les œuvres d’art ou la nature et pour garantir aux participants des expériences positives et sûres.

Les permis ne couvrent pas l’ensemble du parc, mais seulement les parties les plus dommageables, et la nécessité de ce système de permis n’est pas due à un fait purement économique: n’importe qui peut obtenir un permis pour un prix raisonnable. Le système repose sur l’idée qu’il faut assurer une sécurité maximale et garantir une expérience positive dans la nature ; des règles et des systèmes sont donc nécessaires pour veiller à ce que certaines limites ne soient pas dépassées.

Il en va de même pour les musées. La diversité des modes d’apprentissage est éliminée si certaines règles sont respectées. Certaines personnes aiment dessiner, d’autres aiment prendre des photos, d’autres encore aiment parler ou regarder. Chacune de ces actions peut être un stimulus pour un engagement et une implication significatifs et tout le monde peut faire ces choses pacifiquement s’il y a assez d’espace entre eux.

Je considère les meilleurs musées comme des lieux généreux. Ils accueillent des personnes différentes qui passent un temps différent à faire des choses différentes afin d’être en phase avec les œuvres exposées. S’il s’agit de musées célèbres, ils accueillent les gens plusieurs heures par jour et leur offrent une bonne expérience, malgré la forte demande.

Les lieux bondés deviennent des lieux économes. Ils gèrent l’argent par nécessité. Chaque écart par rapport à notre ligne de conduite devient plus visible et plus frustrant. La diversité engendre l’accusation au lieu de la compréhension.

Trouvons un moyen d’introduire la générosité dans les plus grands musées du monde. Laissons Van Gogh être Van Gogh. Laissons les gens voir les Tournesols de la manière qu’ils préfèrent, dans leur propre petit morceau d’espace et de temps. Nous devons mettre en place des systèmes qui permettent aux visiteurs et à l’art de s’épanouir.

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