by Redazione 06/11/2026
Catégories: Expositions / Avis de non-responsabilité
Le Met a annoncé « extraORDINARY : Fashion and the Poetics of the Everyday », l'exposition qui accompagnera le Met Gala de 2027. Elle mettra à l'honneur des vêtements de tous les jours, des jeans, des doudounes, du papier et du plastique, abordés à travers le prisme du travail des créateurs. Parmi les pièces annoncées figurent notamment les célèbres jeans Calvin Klein portés par Broo
Un jean, une chemise blanche, un sweat-shirt. Ce sont des vêtements que presque tout le monde a dans son armoire et auxquels on ne prête généralement pas attention. Pour Andrew Bolton, conservateur en chef du Costume Institute du Metropolitan Museum of Art de New York, ce sont en revanche des objets chargés de sens. « L’ordinaire n’est jamais aussi simple qu’il n’y paraît », explique-t-il. « Un jean, une chemise blanche ou un sweat-shirt peuvent receler les traces d’une vie : les habitudes, les souvenirs et les attachements qui font qu’un objet nous appartient. » C’est de cette idée qu’est née « extraORDINARY : Fashion and the Poetics of the Everyday », l’exposition que le Met a annoncée le 5 novembre comme rendez-vous du printemps 2027 du Costume Institute. Elle sera ouverte au Met Fifth Avenue du 9 mai 2027 au 9 janvier 2028, tandis que les avant-premières des 4, 6, 7 et 8 mai seront réservées aux membres du musée. Comme chaque année, l’ouverture sera précédée du Met Gala, la soirée de collecte de fonds du Costume Institute, prévue le lundi 3 mai 2027. Les détails de l’événement seront communiqués ultérieurement.
L’exposition, parrainée par Instagram et Moncler, avec le soutien supplémentaire de Condé Nast, réunira des œuvres issues de la collection du Costume Institute, des prêts prestigieux et de nouvelles acquisitions, afin de montrer comment les créateurs réinterprètent des vêtements familiers, des objets du quotidien et des matériaux courants à travers l’artisanat, la construction vestimentaire, l’expérimentation des matières etl’ironie conceptuelle. Selon le musée, l’idée est que ces objets ne perdent pas leur histoire lorsqu’ils sont transformés : les fonctions qu’ils avaient auparavant, les usages et les associations qu’ils véhiculent continuent de faire partie de la signification des nouvelles pièces. Des jeans aux t-shirts en passant par les doudounes, du papier au plastique en passant par le métal, ce parcours vise à mettre en lumière les possibilités insoupçonnées que recèlent les objets du quotidien, mais aussi à montrer comment la façon dont nous les portons, les assortissons et en prenons soin modifie leur valeur au fil du temps.
« La mode offre une façon immédiate et captivante de regarder le monde », a commenté Max Hollein, directeur et PDG du Met. En réunissant des œuvres inspirées de vêtements, d’objets et de matériaux de la vie quotidienne, a-t-il ajouté, l’exposition invite à découvrir la créativité et l’ingéniosité présentes dans ce que nous rencontrons chaque jour, ainsi que la relation entre la mode, l’art et l’expérience quotidienne.
« extraORDINARY » s’inscrit dans la continuité d’un débat déjà lancé par l’exposition actuelle du Costume Institute, « Costume Art », qui place le corps habillé au cœur de l’expérience esthétique. Pour le musée, le lien intime qui unit la mode au corps est ce qui en fait un art : les vêtements se portent et se vivent, ils contribuent à définir l’identité et la manière dont nous rencontrons les autres. Dans cette nouvelle exposition, cette réflexion s’étend à la vie quotidienne, en s’interrogeant sur la manière dont le design peut raviver l’attention portée aux objets familiers et sur la façon dont leur signification s’enrichit avec l’usage et l’entretien.
Le parcours s’ouvrira sur une salle consacrée à une sélection de pièces de la collection automne/hiver 2024-25 de Jun Takahashi pour Undercover. La collection s’inspirait en partie de *Perfect Days*, le film de Wim Wenders sorti en 2023, et le défilé était accompagné d’un poème écrit et lu par Wim Wenders lui-même sur la vie quotidienne d’une mère qui travaille. Takahashi assemble et superpose des vêtements familiers de manière à les rendre difficilement reconnaissables, donnant ainsi une forme matérielle aux identités et aux responsabilités qui s’accumulent au cours de la vie d’une personne. L’objectif de cette salle est de relier la création à l’expérience concrète de s’habiller chaque matin.
Le cœur de l’exposition est divisé en deux sections, « Familiar Forms » et « Common Matter », construites autour de comparaisons ciblées entre des types de vêtements, des matières et des objets trouvés. Un thème reviendra dans les deux : le recyclage, le surcyclage et la réutilisation. Ces pratiques, selon l’intention des commissaires, servent à réfléchir à la manière dont les utilisations antérieures restent visibles dans les nouvelles créations, à la façon dont la valeur des objets évolue et aux responsabilités qui accompagnent la production, l’utilisation et l’élimination des vêtements.
« Familiar Forms » s’intéresse à la manière dont les créateurs réinventent les vêtements archétypaux : jeans, t-shirts, sweats à capuche, blousons de motard, trenchs et doudounes. Conçus pour le travail, les loisirs ou la protection, ces vêtements constituent un vocabulaire commun de l’habillement quotidien. Regroupés par type, ils montreront comment les changements d’échelle, de proportions, de matière, de construction et de contexte peuvent remettre en question les conventions qui les rendent reconnaissables. La comparaison entre ces groupes mettra également en lumière la manière dont des vêtements pratiques deviennent l’expression d’une identité, d’un sentiment d’appartenance ou d’une contestation, et comment les créateurs s’approprient les significations déjà construites par ceux qui les portent. Parmi les exemples annoncés figurent un jean de la collection 2022-23 de Matthieu Blazy pour Bottega Veneta, une chemise de 2006 de Gianfranco Ferré, une chemise en flanelle de 1993 de Marc Jacobs pour Perry Ellis, une veste de motard de 2011-2012 signée Junya Watanabe, un ensemble de 2022 signé Jonathan Anderson pour Loewe et un ensemble de 2019-2020 signé Moncler 1 Pierpaolo Piccioli.
« Common Matter » se concentre quant à elle sur les matériaux courants et les objets reconnaissables utilisés pour confectionner des vêtements. Trois groupes centraux, consacrés au papier, au plastique et au métal, montreront comment les propriétés physiques et les usages habituels de ces matériaux deviennent des ressources créatives grâce à des pliages, des découpes, des assemblages et des raccords. Tout autour de l’espace d’exposition, trois sections consacrées aux objets du quotidien, aux ornements de tous les jours et aux vêtements de tous les jours présenteront des œuvres intégrant des couverts, de la porcelaine cassée et des boutons. Parmi les pièces de cette section figurent une robe de 1992 signée Rei Kawakubo pour Comme des Garçons, un ensemble de 1992-1993 signé Martin Margiela, une veste de 2003 signée Helmut Lang, un ensemble de 1998-1999 signé Issey Miyake et une robe de 2027 signée Glenn Martens pour Maison Margiela.
La conclusion est assurée par Kunihiko Morinaga et sa marque Anrealage, avec des pièces issues des collections printemps/été 2009, automne/hiver 2009-10, automne/hiver 2020-21 et printemps/été 2021. Ici, chemises, manteaux et autres formes familières sont conçus non pas pour un corps humain, mais pour des cubes, des sphères et des pyramides, et prennent ainsi des proportions et des volumes inattendus. Cette expérience vise à remettre en question ce que nous tenons pour acquis concernant les corps pour lesquels les vêtements sont conçus : ces pièces montrent que la coupe dépend de la relation entre une construction et la forme qu’elle doit accueillir. Les visiteurs seront invités à s’interroger sur la manière dont les vêtements s’adaptent aux différences entre les corps et, à l’inverse, dans quelle mesure ce sont les corps qui sont appelés à s’adapter aux vêtements. Si la salle d’ouverture consacrée à Undercover montre comment les vêtements répondent aux besoins de la vie quotidienne, la salle finale consacrée à Anrealage s’interroge sur la manière dont ils répondent au corps.
La mise en scène, signée 1009, va également dans ce sens : elle est conçue pour créer un dialogue visuel entre les vêtements des visiteurs et les œuvres exposées, en reconnaissant la créativité que chacun exprime à travers sa façon de s’habiller. Les visiteurs seront invités à reconsidérer les vêtements qu’ils portent, en se demandant ce qu’ils signifient déjà pour eux et comment un regard plus attentif pourrait les amener à leur attribuer une valeur différente et à en prendre soin d’une autre manière.
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| Pourquoi le Met de New York souhaite transformer les jeans, les doudounes et les vêtements de tous les jours en œuvres de musée |
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