Del 13 de octubre de 2026 al 30 de enero de 2027, la Galería Federica Schiavo de Roma presenta «On Leaning», una exposición de nuevas obras de la pintora Svenja Deininger, centrada en una práctica pictórica que rechaza un punto de partida preestablecido y avanza a través de pruebas, desplazamientos, superposiciones y revisiones sucesivas. En los cuadros, la imagen no surge de la traslación de un dibujo preexistente, sino que se construye progresivamente, dejando huellas de las decisiones que la han precedido.
De hecho, el proceso de trabajo constituye uno de los elementos centrales de las obras. Las formas se colocan, se modifican, se cubren parcialmente, se dejan aflorar y se replantean de nuevo. La acumulación se convierte así en un método de observación: no solo cuenta lo que aparece en la superficie final, sino también la presión ejercida por lo que estaba presente anteriormente. Esta historia rara vez queda explícita y sobrevive en forma de residuo, visible en los cambios de densidad, en los colores que parecen deslizarse bajo otros colores o en los bordes cuya precisión viene condicionada por los elementos circundantes.
Las superficies de Deininger no son abiertamente estratificadas ni materialistas. El lino en bruto, los trazos opacos y las zonas caracterizadas por una mayor concentración de pintura determinan un equilibrio variable entre lo que se muestra y lo que permanece oculto. La calma de las composiciones no coincide, por tanto, con una condición estática: su quietud deriva de un proceso de calibración, en el que la imagen parece haber sido medida y modificada progresivamente, más que simplemente compuesta.
También se deja deliberadamente abierta la cuestión relativa a lo que el espectador está observando. Una curva puede sugerir un cuerpo, una línea vertical puede evocar un elemento arquitectónico, mientras que un plano horizontal puede evocar un fragmento de paisaje. Ninguna de estas posibilidades, sin embargo, se consolida en una representación reconocible. Las pinturas ocupan así un terreno inestable, en el que la abstracción se acerca a la figuración sin transformarse en imagen figurativa. El reconocimiento se sugiere y se sustrae de inmediato, lo que induce al ojo a formular hipótesis que posteriormente se remiten a la superficie pictórica.
Esta condición de la mirada se hace patente ya desde la entrada de la exposición. De hecho, uno de los lienzos está instalado perpendicularmente a la pared y, observado de frente, parece casi reducido a una línea. La obra no puede, por tanto, percibirse desde un único punto de vista, sino que exige que el espectador la rodee y la atraviese físicamente. De este modo, la distinción entre imagen y objeto se vuelve menos nítida, mientras que elementos que normalmente se consideran neutros, como la pared, la posición del visitante y la frontalidad del cuadro, entran a formar parte de la construcción perceptiva de la obra. Mirar se convierte también en una experiencia corporal.
Además, se concede un papel específico a la escala. Un cuadro monumental, compuesto por matices sutiles y una gran cantidad de detalles, trasciende la posibilidad de una lectura inmediata. Las dimensiones no se limitan a ampliar la imagen, sino que modifican el tiempo necesario para su percepción. Lo que a una escala más reducida podría percibirse como un fragmento adquiere una dimensión ambiental, compuesta por una sucesión de decisiones mínimas. La textura, la profundidad y el ritmo emergen gradualmente, convirtiendo la duración de la contemplación en un componente más de la pintura. La permanencia frente a la obra modifica así progresivamente la primera impresión.
Las obras dialogan, además, de manera indirecta. Una línea puede reaparecer con un énfasis diferente, una forma puede cambiar de registro, mientras que un color o un intervalo pueden encontrar en otro cuadro un contrapunto inesperado. Estas correspondencias no constituyen un sistema unitario y la exposición no se reduce a una única gramática visual. El ritmo surge más bien de recurrencias y desplazamientos. Cada cuadro mantiene su autonomía, pero al mismo tiempo se redefine a partir de la relación con las demás obras.
También el título*On Leaning* introduce una condición de este tipo. La expresión evoca el acto de apoyarse y, por tanto, una relación basada en el apoyo, la presión y la dependencia, pero permanece deliberadamente incompleta: no se indica ningún objeto en el que apoyarse y la acción queda en suspenso. La incompletitud del título refleja el funcionamiento de las obras, en las que las formas se sostienen recíprocamente sin fijarse en una configuración definitiva y las capas permanecen presentes sin llegar a ser completamente accesibles.
La posición del espectador resulta, a su vez, inestable y se mueve continuamente entre la distancia y la proximidad, así como entre la percepción del cuadro como imagen y la del cuadro como presencia física en el espacio. Sin embargo, la ambigüedad no constituye el fin de la experiencia. Las obras están acabadas, pero no cerradas: sus superficies conservan las decisiones que las han determinado sin hacerlas completamente explícitas, al igual que mantienen recuerdos cuyos orígenes no se revelan.
On Leaning propone, por tanto, una pintura que requiere una visión no inmediata y no exclusivamente analítica, dejando que algunos elementos permanezcan parcialmente ocultos. El significado no se presenta como un punto de llegada definitivo, sino como una relación móvil entre superficie y profundidad, imagen y objeto, memoria y percepción, entre lo que es visible y lo que sigue existiendo justo más allá de la superficie.
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| Svenja Deininger: formas a caballo entre la abstracción y la figuración en la Federica Schiavo Gallery de Roma |
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