por Emanuela Zanon 23/10/2026
Categorías: Reseñas de exposiciones / Descargo de responsabilidad
Piel negra, moqueta blanca y chimeneas convertidas en patas: el dúo Cuoghi Corsello transforma el MAMbo de Bolonia en un animal, y la exposición «Entre las nubes» invita a percibir el espacio con el cuerpo, con una obra que renueva la investigación de dos artistas que se formaron en la contracultura boloñesa. Reseña de Emanuela Zanon.
Quienes visitaron Bolonia en los años noventa seguramente recuerdan un ganso estilizado, de patas largas y articuladas, que se perseguía de una calle a otra por paredes, puertas, persianas y cabinas eléctricas, cuyas apariciones parecían indicar la existencia de una red de conductos secretos que, conectados entre sí, trazaban el mapa alternativo de una metrópolis paralela, atravesada por interconexiones que escapaban a la cartografía oficial. Era Pea Brain, la criatura y, al mismo tiempo, el seudónimo con el que Mónica Cuoghi (Mantua, 1965) había comenzado a salpicar el espacio urbano de la capital emiliana a mediados de los años ochenta, destinada a convertirse en uno de los símbolos de la colaboración con Claudio Corsello (Bolonia, 1964), quien en aquellos años firmaba en las paredes como CK8. Iniciada en 1986, su colaboración se consolidaría en 1989 en una identidad única. En aquella época, animada por el fermento de los centros sociales, el grafiti y una contracultura que buscaba en las grietas de la ciudad sus propios lugares de encuentro, Cuoghi Corsello practicó un arte de frontera, compuesto por intervenciones espontáneas en el espacio público, instalaciones efímeras y objetos encontrados, ajenos a las lógicas del mercado. Era la misma constelación en la que se movían los Mutoid Waste Company, un colectivo británico que, desde 1990, había encontrado en Santarcangelo di Romagna, en el pueblo de Mutonia, la base para sus esculturas ensambladas con chatarra y restos de automóviles, y en la que la comunidad boloñesa del grafiti, desde Dado hasta Rusty, con quienes la propia Cuoghi se mediría, transformaba las paredes en un programa colectivo. Bolonia, por lo demás, había sido una de las primeras ciudades europeas en reconocer a ese lenguaje la dignidad de un museo: en 1984, Francesca Alinovi había llevado a la Galería de Arte Moderno a los protagonistas del grafiti neoyorquino con la exposición «Arte di Frontiera». Treinta años más tarde, la situación parecía haberse invertido. En 2016, Blu borró sus murales boloñeses en protesta contra una exposición que retiraba otros de sus emplazamientos originales, sustraéndolos a la colectividad, y consagrando con un gesto iconoclasta la incompatibilidad entre esa cultura y el museo. En sentido contrario, diez años después, Cuoghi Corsello optó por llegar al MAMbo con «Entre las nubes», aceptando enfrentarse a la institución museística sin renegar de la ética de sus inicios, profundamente arraigada en la práctica del squatting, la reconquista de espacios abandonados transformados en lugares de vida y de creación. No es la primera vez que el dúo se enfrenta a una institución museística: Cuoghi Corsello participó en la XII Cuadrienal de Roma de 1996, en la sección dedicada a las últimas generaciones; en «Rolando» en el MACRO en 2017; y en la Cuadrienal FUORI de 2020, siempre según sus propias condiciones y preservando la autonomía de su investigación.
A lo largo de una década, el dúo se ha instalado en tres complejos industriales en desuso del barrio de Mazzini: los antiguos Magazzini Generali, rebautizados como Giardino dei Bucintori (1994-1996), la antigua fábrica de colchones Silma, convertida en Cime Tempestose (1996-2001) y, por último, el antiguo concesionario FIAT (2001-2005). Los transformaron en vivienda, estudio y obra total, en la que cada gesto doméstico —desde mover un mueble hasta disponer las piedras recogidas en el patio— adquiría el valor de una composición, según una idea, reivindicada por los propios artistas, que convertía la vida cotidiana en una instalación en constante evolución. Las antiguas fábricas, creadas para marcar los ritmos del trabajo en serie, quedaban así sustraídas a su vocación productiva y devueltas a un tiempo libre y ritual, en el que la práctica artística coincidía con una elección de vida y con una forma de resistencia a la normalización. Además de las paredes y los espacios ocupados, el dúo se expresó a través de la música, el vídeo, el cómic, la fotografía, las construcciones electromecánicas y las esculturas luminosas de neón, poblando este universo de irreverentes personajes de cuento de hadas como Petronilla, Bello, Suf o Schifio, cada uno con su propia biografía (Petronilla, híbrido entre un pato y un órgano sexual femenino nacido en 1992 de las metamorfosis de Pea Brain; Bello, una sonrisa de expresión tonta trazada sobre una caja de luz y replicada desde entonces de forma idéntica en neones; Suf, la firma de una niña que aspira a dibujar al menos las letras suficientes; Schifio, el demonio guardián de la ciudad).
Comisariada por Lorenzo Balbi y Fulvio Chimento y estructurada en dos fases distintas, la primera de las cuales acaba de inaugurarse en la Sala delle Ciminiere, «Entre las nubes» renuncia al formato de la retrospectiva y traslada al interior de un museo municipal la misma radicalidad con la que, hace treinta años, el dúo habitaba las fábricas abandonadas. En lugar de una antología de obras históricas, Cuoghi Corsello opta por realizar un único gesto, que se apropia de toda la arquitectura y la transforma en un cuerpo vivo. Protagonista de la intervención es «Quadrupede», uno de sus personajes más enigmáticos, nacido como cómic en 1994 y reconocido desde entonces por el dúo en los objetos más dispares: una vieja viga apoyada en dos caballetes, los tubos de soporte de una tienda de campaña, la piel sobre la que una amiga pranoterapeuta imponía las manos. En las tiras originales, trazadas a pluma con un trazo esencial e infantil, la criatura tiene el cuerpo cilíndrico de un tronco, cuatro patas rechonchas y un hocico tubular parecido a una chimenea. Sube las escaleras, se acurruca para dormir, se retuerce en posturas improbables, se deja abrazar y lleva a cuestas a quien le pide dar una vuelta, con esa combinación de inocencia y absurdo que caracteriza el imaginario del dúo. Al contemplarla hoy, esa silueta tubular parece casi presagiar la chimenea. Quadrupede posee un hocico desmesurado y sentidos distintos a los humanos, que le permiten orientarse en dimensiones de la existencia inaccesibles para nosotros, y encarna con especial eficacia la condición de las criaturas del dúo: fragmentos de un mundo erosionado y reciclado en los que los artistas siempre han identificado una forma de vida latente. En Bolonia, en el año 2000, la exposición «Quadrupedi» en el estudio Ercolani había reunido un primer rebaño, mientras que en el proyecto «Quadrupedi al pascolo», comisariado por Gabriele Tosi para Localedue, las esculturas se refugiaban por la noche en la galería como en un establo y salían durante el día a pastar en la plaza de enfrente, entre los transeúntes. Por último, una imagen generada con inteligencia artificial en 2024 muestra a la criatura caminando sobre un mar de nubes, con las patas negras y peludas hundidas en el blanco, una visión de la que derivan el título de la exposición y la transformación del espacio expositivo.
La Sala delle Ciminiere constituye el corazón expositivo del MAMbo, que desde 2007 ocupa el antiguo Forno del Pane, una panadería municipal construida durante la Primera Guerra Mundial para garantizar pan a precio controlado a la población, y posteriormente reconvertida en museo según un proyecto del estudio de Aldo Rossi con Arassociati. Para dos artistas que siempre se han dedicado a remodelar espacios en desuso, la elección de un edificio industrial devuelto a la ciudad parece responder a esa lógica de correspondencias que a Cuoghi Corsello siempre le ha gustado reconocer en los acontecimientos. En la planta baja, bajo una cubierta sostenida por vigas metálicas arqueadas, dos altas chimeneas de mampostería siguen atestiguando la función original del edificio. Cuoghi Corsello las revisten en la base con una piel sintética negra de pelo largo y, más arriba, con un tejido oscuro, transformándolas en las patas de un «Cuadrúpedo» negro que descansa sobre el lomo de un segundo ejemplar, blanco, que coincide con el suelo cubierto de moqueta blanca. Las estancias contiguas, vacías de cualquier objeto y revestidas del mismo blanco, están iluminadas por amplios paneles en el techo que deslumbran la mirada y difuminan los ángulos, generando una especie de espacio residual dilatado hasta el infinito. El visitante se ve así recorriendo un encuadre parcial de dos cuerpos desmesurados, cuya totalidad trasciende las paredes del museo y queda a cargo de la imaginación: camina sobre el lomo del animal blanco y puede rozar el pelaje de las patas del negro, sin poder abarcar con la mirada sus proporciones reales.
Despojada de los montajes habituales, la arquitectura se ofrece a la mirada en su estructura desnuda (los arcos metálicos que sostienen la bóveda, los pilares oscuros alineados a lo largo de las paredes como costillas, las dos ventanas cuadradas en lo alto al fondo), disfrazándose de animal para revelar su propia anatomía. Se trata de un minimalismo heterodoxo, desprovisto del rigor geométrico y gélido del minimalismo histórico: las chimeneas peludas, con mechones deshilachados a lo largo de los bordes como una melena meciéndose al viento, conservan la ironía y la ternura de los personajes del dúo, y consagran la entrada del cómic en el ámbito de la arquitectura. Desde el *Déjeuner en fourrure*, con el que Meret Oppenheim, en 1936, cubrió de piel una taza de té, hasta los monumentos envueltos por Christo y Jeanne-Claude, el revestimiento ha despojado a menudo a los objetos de su función para devolverlos a la mirada con una evidencia inédita. Cuoghi Corsello ofrece una versión afectuosa y doméstica de este concepto, en la que la piel convierte el conducto de un horno industrial en una extremidad animal y la chimenea, emblema del siglo XX del trabajo, en una pata que acariciar. El público accede a la sala descalzo, guardando los zapatos en bolsas compostables personalizadas por los artistas, y avanza sobre una superficie blanda que amortigua los pasos y despierta todas las demás facultades, con una eficacia en la estimulación perceptiva que muchas exposiciones que se autodenominan inmersivas persiguen en vano, y que aquí surge de una rara esencialidad de pensamiento y de materiales. Aprovechando las capacidades sensoriales alternativas de «Quadrupede», se invita al visitante a percibir el espacio a través de la planta del pie, el silencio (o las interacciones con los demás visitantes) y la luz difusa, y acaba sintiéndose empequeñecido, casi desmaterializado, como un minúsculo huésped que se mueve entre las patas de un gigante o explora su vientre. La sugerencia adquiere una profundidad adicional si se tiene en cuenta la historia del edificio: el horno que hace un siglo alimentaba a la ciudad se convierte en el vientre de una criatura fantástica, y el museo, de ser un contenedor de obras, se transforma en un organismo que acoge a sus visitantes como alimento.
El contexto en el que ha surgido esta iniciativa también contribuye a aumentar su valor. En una etapa marcada por una reducción progresiva de los recursos destinados a la cultura pública, que también ha afectado a los museos municipales de Bolonia (la propia responsable del sector de museos municipales de Bolonia, Giorgia Boldrini, ha destacado el peso de los recortes a las administraciones locales y la falta de renovación del personal, subrayando la necesidad de que los museos renuncien a una gestión autónoma del presupuesto en favor de las economías de escala), «Tra le nuvole» se ha llevado a cabo con escasos medios, gracias al apoyo técnico de empresas del sector textil y a una recaudación de fondos abierta a través del Art Bonus. El resultado demuestra cómo la fuerza de una idea puede compensar la escasez de presupuesto, cuando surge de una investigación inteligente, sincera, ajena a las presiones del mercado y, por ello, capaz de conservar, cuarenta años después de sus inicios, la frescura de la inspiración original. Pocos materiales, una intuición nítida y la confianza en la capacidad empática del público bastan para generar una experiencia de sorprendente intensidad, lo que demuestra que la escasez de medios siempre ha coincidido, para Cuoghi Corsello, con la condición fundamental de una poética basada en la sustracción y la reinvención. Al término de la exposición, la moqueta se retirará y se regenerará en un nuevo hilo, siguiendo una lógica de recuperación que retoma, con un enfoque actualizado, la práctica del reciclaje que el dúo cultiva desde los años de las ocupaciones, cuando los muebles, muñecas y peluches recogidos de entre la basura se convertían en catalizadores mágicos de un encanto cotidiano.
El 19 de noviembre, justo antes del cierre de la primera fase, los RN, grupo fundado en los años ochenta en el que hoy tocan Claudio Corsello al bajo, Monica Cuoghi al arpa y a la voz, e Ico a la batería, celebrarán en el exterior del museo el rito de las moquetas, destinado a activar las obras que han permanecido enrolladas durante mucho tiempo a la espera del segundo acto. A partir del 2 de diciembre, de hecho, la Sala delle Ciminiere cambiará de aspecto para acoger una amplia selección de la producción pictórica del dúo realizada entre 2001 y 2021: moquetas, sábanas y lienzos preparados, algunos pintados y otros dejados intactos. Al vacío suspendido del primer capítulo le seguirá, pues, el repoblamiento, y el inmaculado «Quadrupede», que hoy acoge a los visitantes, dará paso a lo que el texto explicativo de la sala presenta como sus sueños, evocados sin jerarquía alguna, como si la criatura, tras haber asimilado el museo, devolviera su contenido onírico.
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