by Redazione 13/11/2026
Catégories: Expositions / Avis de non-responsabilité
Du 11 novembre au 31 janvier 2027, la galerie Matteo Salamon Old Masters présente, au Palazzo Cicogna à Milan, « Dialoghi di carta ». Dessins lombards et maîtres d’ailleurs, une exposition organisée par Francesco Ceretti et consacrée au dessin ancien, avec des œuvres de Morazzone, Tanzio da Varallo, Carlo Francesco Nuvolone et Francesco Guardi.
Le dessin, lieu où une œuvre prend forme, se transforme et trouve progressivement son équilibre. C’est dans cette perspective que s’inscrit « Dialogues de papier. Dessins lombards et maîtres d’ailleurs », l’exposition que la galerie Matteo Salamon Old Masters présente au Palazzo Cicogna, dans le centre de Milan. L’exposition, organisée par Francesco Ceretti, propose un parcours à travers quelques feuilles particulièrement intéressantes de l’art graphique italien, du maniérisme aux vues fantastiques du XVIIIe siècle, en établissant des liens entre les artistes lombards et ceux d’autres régions géographiques.
L’exposition, ouverte au public du 11 novembre 2026 au 31 janvier 2027, rassemble des dessins qui témoignent de différentes façons d’envisager le travail préparatoire, offrant ainsi au visiteur un aperçu de certaines étapes du processus créatif des peintres. Le parcours se concentre en particulier sur Pier Francesco Mazzucchelli, dit « il Morazzone », Tanzio da Varallo et Carlo Francesco Nuvolone, pour se conclure par une feuille inédite de Francesco Guardi.
Morazzone, le clair-obscur et la recherche sur la figure
Parmi les œuvres exposées figure l’Étude pour Marie-Madeleine de Pier Francesco Mazzucchelli, dit « le Morazzone » (1573-1626), provenant de la collection Dubini. Cette feuille est une étude préparatoire pour La Madeleine escortée en vol par les anges, un retable achevé en 1611 pour l’autel de la chapelle du même nom dans la basilique Saint-Victor à Varèse. Ce dessin permet d’observer la méthode de travail de l’artiste, fondée sur des mises au point progressives et sur une recherche compositionnelle approfondie. Deux autres feuilles similaires viennent également étayer ce processus : l’une conservée au Kupferstichkabinett de Berlin, pratiquement identique à celle exposée, et une autre conservée au Willumsen Museum de Frederikssund, qui correspond à une phase plus avancée de la conception.
Conçu comme un outil de vérification au cours de la réalisation du tableau à Varèse, ce dessin se distingue par un trait fluide et un clair-obscur vibrant. Sa réalisation peut être datée vers 1610, tant en ce qui concerne le retable que la transparence et la légèreté atmosphérique qui caractérisent la feuille, éléments destinés à céder progressivement la place, vers la fin de la décennie, à un réalisme plus cru.
Formé en Lombardie, Morazzone séjourna dans sa jeunesse à Rome, où il entra en contact avec le maniérisme de Federico Zuccari et les prémices du baroque de Federico Barocci. Après une première période marquée par la culture figurative romaine, il s’est rapproché de la pensée de Charles Borromée et de sa conception de l’interprétation émotionnelle des images sacrées, souvent caractérisées par un pathétisme mesuré.
Tanzio da Varallo, le mouvement et le pathos des figures
La recherche sur le corps et la représentation du mouvement se poursuit dans les dessins de Tanzio da Varallo, de son vrai nom Antonio d’Enrico (1580-1633). L’Étude pour un ange luthiste représente une figure ailée en train de jouer du luth, saisie de profil droit dans une torsion complexe. Le corps semble s’enrouler dans l’espace, tandis que le drapé se déploie le long des jambes en plis amples et volumineux, définis par de forts contrastes de clair-obscur. Le trait énergique et le modelé lumineux restituent un mouvement figé dans un moment d’une intensité expressive particulière. La feuille est une étude préparatoire réalisée au cours des travaux pour la chapelle de l’Ange Gardien, commandée par la famille Nazzari à l’intérieur de la basilique Saint-Gaudence à Novara.
On peut également voir de ce même artiste l’Étude pour un ange en vol avec des petits anges, un dessin à la sanguine qui témoigne de la conception d’un groupe de figures angéliques. La figure principale, représentée de dos et en perspective, se caractérise par une torsion complexe, accompagnée du mouvement des ailes. La feuille correspond à une étude préparatoire pour l’un des « Anges en gloire » peints à la fresque dans un panneau de la voûte du presbytère de l’église Santa Maria della Pace à Milan, dans le cadre d’un chantier de décoration datant d’une période postérieure à 1630.
Autour de l’ange principal apparaissent d’autres figures à peine esquissées, tracées d’un trait très léger, à travers lesquelles l’artiste semble expérimenter des solutions possibles et des postures alternatives. Un témoignage de la recherche compositionnelle encore en cours, qui permet de suivre le processus d’élaboration de l’image.
Actif principalement dans le Piémont et en Lombardie, Tanzio da Varallo séjourna à Rome et à Naples, où il se familiarisa avec la peinture du Caravage, assimilant son réalisme et ses effets de lumière, sans pour autant renoncer à l’élégance du maniérisme lombard. Son interprétation des sujets sacrés revêt souvent des accents dramatiques, notamment dans les œuvres destinées aux Sacri Monti, tandis qu’à maturité, sa peinture témoigne d’une attention accrue à la sensibilité vénitienne pour la couleur et la lumière.
Carlo Francesco Nuvolone et la théâtralité des sentiments
Un autre volet de l’exposition est consacré à Carlo Francesco Nuvolone (1609-1661), représenté par le dessin à la sanguine Silvio, Dorinda et Linco, inspiré du *Pastor Fido* de Giovan Battista Guarini, célèbre drame pastoral publié en 1589. La feuille représente l’un des épisodes les plus dramatiques de l’œuvre : la nymphe Dorinda, blessée à la poitrine par un dard, gît dans un moment d’abandon tandis qu’elle est secourue par le sage Linco, sous le regard du jeune chasseur Silvio, responsable involontaire de la blessure. La composition reflète le goût du XVIIe siècle pour la théâtralité et la représentation des sentiments, avec des personnages d’origine aristocratique.
Ce dessin est étroitement lié à un tableau du même artiste représentant le même sujet. La version picturale, également présente dans l’exposition, permet de comparer directement les deux œuvres et d’observer le passage de l’esquisse graphique à la réalisation sur toile. Dans le tableau, le contraste clair-obscur et la palette chaude, caractéristique de la peinture lombarde, définissent les figures masculines et le paysage pastoral. Le corps de la jeune femme, au teint très clair et à la poitrine dénudée, se détache sur le fond sombre, tandis que les plis bleus d’une partie de sa robe apportent une touche chromatique supplémentaire.
Le dessin, conçu comme un carton à l’échelle réelle, servait à calibrer les équilibres lumineux et le rendu des émotions à transposer sur la toile. Il n’est d’ailleurs pas exclu qu’il ait pu servir de modèle pour des élaborations ultérieures. Au verso figurent d’autres études à la sanguine, représentant deux mains, une tête et un dos.
Fils du peintre Panfilo Nuvolone, Carlo Francesco a développé un langage qui, partant du maniérisme lombard, reprend des modèles du XVIe siècle à travers une composition fluide, un classicisme sophistiqué et une composante pathétique. Sa culture figurative est également influencée par la peinture nordique, en particulier par Van Dyck.
Francesco Guardi et la violence de la nature
Le parcours s’achève par un dessin inédit de Francesco Guardi (1712-1793), provenant d’une collection privée et représentant une tempête en mer. La feuille, réalisée à la plume aquarellée, représente des voiliers, des rochers à pic sur une mer déchaînée et des naufragés au premier plan, créant ainsi une scène d’une forte tension dramatique.
Il s’agit d’une étude préparatoire pour un petit tableau représentant une « Tempête en mer ». La comparaison est possible grâce à un dessin à la plume conservé au musée Correr de Venise, dans lequel Guardi avait défini la composition de la scène. Dans la feuille présentée à Milan, en revanche, l’aquarelle est utilisée pour vérifier au préalable les effets lumineux et le rendu pictural destinés à la version finale.
Le trait fluide, le clair-obscur vibrant et la fougue expressive renvoient à l’œuvre tardive de l’artiste, lorsque la peinture de paysage descriptive cède progressivement la place à la fantaisie et à une vision plus théâtrale du paysage. Les figures perdent leur consistance anatomique et s’intègrent dans une représentation où ressort avant tout la violence des éléments naturels.
Formé dans l’atelier familial aux côtés de son frère aîné Giovanni Antonio, Guardi a développé une attention particulière pour les relations atmosphériques entre les figures et le paysage. Dans ses dessins, le rythme rapide du trait et la liberté de composition s’accompagnent d’effets lumineux à caractère dramatique, avec des solutions qui s’inspirent également des caprices de Marco Ricci.
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| À Milan, les idées des grands peintres prennent forme sur le papier : une exposition de dessins du XVIe au XVIIIe siècle |
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