by Redazione 13/11/2026
Catégories: Expositions / Avis de non-responsabilité
À partir du 13 novembre 2026, le MAXXI de Rome propose trois nouveaux projets d'exposition consacrés à Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark et Nanda Lanfranco. Trois expositions mêlant photographie, cinéma, expérimentation architecturale et mémoire de l'art contemporain.
Le MAXXI de Rome inaugure le 13 novembre 2026 trois nouvelles expositions qui abordent certaines des questions les plus importantes de l’art contemporain : de l’identité et du contrôle social à la transformation des espaces urbains, en passant par la mémoire visuelle des expériences artistiques de la seconde moitié du XXe siècle. Les protagonistes sont Shirin Neshat, avec « Do U Dare ! », Gordon Matta-Clark, au cœur d’une vaste rétrospective, et la photographe Nanda Lanfranco, à qui est consacré le dossier « Ordinare il mondo. L’Archivio di Nanda Lanfranco ».
Shirin Neshat. Do U Dare ! : identité, solitude et pouvoir à l’ère numérique
Du 13 novembre 2026 au 10 janvier 2027, le MAXXI accueille « Shirin Neshat. Do U Dare ! », une exposition qui plonge le public dans l’univers visuel et psychologique de l’artiste iranienne, l’une des figures les plus reconnues de la scène internationale. Le projet, organisé par Bartolomeo Pietromarchi avec Anne Palopoli comme commissaire associée, rassemble une trilogie cinématographique et une série de photographies réalisées entre 2025 et 2026.
Au cœur de cette recherche se trouvent à nouveau certains thèmes fondamentaux de l’œuvre de Neshat : l’exil, la condition féminine, la relation entre l’individu et le pouvoir, la construction de l’identité et les tensions entre l’Orient et l’Occident. « Do U Dare ! » s’inspire de l’histoire de Nasim Najafi Aghdam, une Iranienne appartenant à la communauté bahá’íe, qui a émigré aux États-Unis pour échapper aux persécutions religieuses. Dans son pays d’accueil, Nasim avait trouvé dans la réalisation de vidéos pour YouTube un moyen de s’exprimer, d’acquérir une autonomie financière et d’obtenir de la reconnaissance. À travers des performances, de la musique, de la danse et des contenus consacrés notamment aux droits des animaux, elle avait développé une présence numérique personnelle et distinctive. Sa relation avec la plateforme s’était toutefois progressivement détériorée, jusqu’à l’épisode tragique de 2018 : la jeune femme a ouvert le feu dans les locaux californiens de YouTube, blessant trois personnes, avant de mettre fin à ses jours.
Neshat ne se contente pas de retracer ce fait divers, mais en tire une réflexion sur les formes de solitude et de marginalisation, sur le désir d’appartenance et sur les systèmes de contrôle de la société contemporaine, en s’attardant également sur la montée de l’autoritarisme aux États-Unis. L’histoire individuelle devient ainsi le point de départ pour interroger une condition collective, à travers un langage qui mêle réalisme et visions oniriques.
La trilogie s’articule en trois chapitres se déroulant dans la région métropolitaine de New York, chacun lié à une dimension différente de la relation entre l’individu et la société. Dans *Wall Street*, l’héroïne évolue au cœur du pouvoir économique américain, parmi les gratte-ciel et les architectures monumentales de Manhattan. Elle y est confrontée à un système qui semble ne pas la reconnaître, jusqu’à se retrouver impliquée dans une performance théâtrale et surréaliste, dans laquelle elle endosse à la fois le rôle de spectatrice et celui de protagoniste. L’image devient un outil pour revendiquer une visibilité et remettre en question les dynamiques du pouvoir.
Le deuxième film, Brooklyn, se déroule dans un quartier marqué par la précarité et la marginalité, accentuées par le choix du noir et blanc. L’héroïne observe une réalité qui lui semble étrangère, en conservant dans un premier temps une position distanciée. Par la suite, le récit se déplace vers un contexte où un homme politique américain prononce des slogans en contraste flagrant avec ce qui l’entoure. Le tournant survient lorsque la femme entre dans un magasin de perruques : le passage à la couleur et le déguisement, qui la transforment en une sorte de Wonder Woman, suggèrent l’émergence d’une nouvelle prise de conscience et le dépassement d’un état de passivité apparente.
Avec *Suburb*, le récit nous emmène dans la banlieue résidentielle américaine, entre maisons soignées, jardins et symboles d’une aisance qui cache des contradictions. Dans une maison peuplée de perruques, de mannequins, de vêtements et d’accessoires, l’héroïne subit des transformations incessantes. L’espace domestique se transforme en décor et en laboratoire de l’image, où la frontière entre identité authentique et représentation devient de plus en plus floue.
Ces trois épisodes composent un récit unique, dans lequel le corps féminin s’affirme comme un espace de transformation et de résistance, mais aussi de confrontation avec les structures du pouvoir. Le passage du noir et blanc à la couleur accompagne cette évolution, en introduisant une dimension émotionnelle et symbolique.
Parallèlement aux films, l’exposition présente une série de photographies dans lesquelles des figures humaines prennent l’apparence de fragiles poupées de porcelaine. Visages, mains et bustes se transforment en présences presque spectrales, invitant à réfléchir à l’influence des réseaux sociaux dans la construction des identités. À travers des références à la photographie surréaliste, Neshat rend étranger ce qui semble familier et soulève une question : quelle place reste-t-il à l’autonomie individuelle dans une société qui tend à uniformiser les personnes et à marginaliser celles qui ne se conforment pas ? Les extraits poétiques de Forugh Farrokhzad qui accompagnent les images ajoutent au parcours une dimension supplémentaire, intensément lyrique.
À l’occasion du vernissage, le vendredi 13 novembre 2026 à 18 heures, Shirin Neshat rencontrera le public du MAXXI dans le cadre du cycle « Conversations d’auteur ». En dialogue avec l’historienne de l’art Maria Alicata, l’artiste approfondira le thème de la fragilité humaine à l’ère de la solitude hyperconnectée, en s’attardant sur les relations entre identité, apparence numérique et aliénation. La rencontre se déroulera en anglais, avec traduction simultanée, et l’entrée sera libre dans la limite des places disponibles.
Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker : l’architecture devient art et espace collectif
Du 13 novembre 2026 au 28 février 2027, le MAXXI consacre une vaste exposition à Gordon Matta-Clark (New York, 1943–1978), artiste américain qui, dans les années 1970, a révolutionné la conception de l’architecture, en la transformant en un outil d’expérimentation artistique, politique et sociale. Gordon Matta-Clark. Not the Work… The Worker, organisée par Jessamyn Fiore et Francesco Stocchi, rassemble des sculptures, des photographies, des films, des dessins et des interventions spatiales, en mettant particulièrement l’accent sur les expériences italiennes qui ont joué un rôle décisif dans le développement de sa recherche.
Architecte de formation, Matta-Clark a choisi d’utiliser l’art pour remettre en question les conventions du bâtiment et, plus généralement, la manière dont les gens habitent et partagent les espaces. Dans ses célèbres « building cuts », l’artiste intervenait sur des bâtiments destinés à la démolition, en pratiquant des découpes et des ouvertures capables d’introduire de nouvelles perspectives, de laisser entrer la lumière et de modifier la perception des espaces. Son objectif n’était pas simplement de détruire, mais de repenser la relation entre l’architecture et la vie collective.
L’exposition est également le fruit d’une collaboration avec un comité scientifique international composé d’artistes, d’architectes et de chercheurs : Laurie Anderson, Martien De Vletter, Elizabeth Diller, Julien Fronsacq, Lorenzo Fusi, Francesco Garutti, Alfredo Jaar, Joan Jonas, Noah Khoshbin, Sylvia Lavin, Camila Mancilla Vera, Azikiwe Mohammed et Sokio.
Le parcours de l’exposition retrace les étapes de la recherche de l’artiste, depuis ses premières expériences réalisées entre 1970 et 1974 jusqu’à ses interventions architecturales de plus grande envergure. Parmi les œuvres les plus importantes figure Open House (1972), présentée pour la première fois en Italie. Partant d’un conteneur industriel destiné à la collecte des déchets, Matta-Clark le transforme en un espace traversable, en y introduisant des portes, des cloisons et des matériaux de récupération. L’intérieur est divisé en petits espaces et couloirs, donnant naissance à une architecture alternative qui remet en question les modèles traditionnels d’habitation. Au MAXXI, l’œuvre entre en dialogue avec les formes fluides du bâtiment conçu par Zaha Hadid et invite les visiteurs à expérimenter directement la transformation de l’espace.
L’espace de la Galerie 4 qui entoure « Open House » sera par ailleurs conçu comme un lieu de rencontre et de participation, destiné à accueillir des performances, de la musique, des événements, des ateliers et des occasions d’échanger sur les liens entre l’art, l’architecture, la ville et la communauté.
Une autre partie importante de l’exposition est constituée par les « Graffiti Photoglyphs » (1973), fruit d’une vaste campagne photographique menée entre le South Bronx et Harlem afin de documenter la diffusion du graffiti en tant que nouvelle forme d’expression artistique. Matta-Clark réalise plus de deux mille photographies de rames de métro recouvertes d’inscriptions et de dessins, qu’il retravaille ensuite en compositions photographiques grand format et enrichit d’interventions à la peinture colorée.
Les séries « Bronx Floors » et « Walls Papers » (toutes deux de 1972), réalisées à l’intérieur d’immeubles résidentiels abandonnés du South Bronx, appartiennent à la même période. En retirant des portions de sols et de murs, l’artiste crée des liens entre des espaces auparavant séparés et attire l’attention sur les conséquences de l’abandon urbain, tout en interrogeant la fonction sociale de l’architecture.
Une attention particulière est accordée à ses séjours en Italie, essentiels à l’évolution de son langage artistique. À Milan, en 1973, Matta-Clark réalise Infraform, en intervenant sur un bâtiment industriel désaffecté par des incisions géométriques pratiquées sur les murs et dans les angles. Ces découpes ouvrent de nouvelles perspectives et modifient la perception de l’espace. Le MAXXI en propose une reconstitution, offrant au public la possibilité d’expérimenter le principe à la base de cette intervention.
Toujours en 1973, à Gênes, l’artiste réalise *A W-Hole House*, œuvre qui marque sa première intervention sur un bâtiment entier destiné à la démolition. Les « Cut Drawings » s’inscrivent également dans cette recherche sur les découpes architecturales : il s’agit d’œuvres tridimensionnelles obtenues en découpant plusieurs couches de papier et de carton, dans lesquelles les géométries des interventions sur les bâtiments sont traduites en formes plastiques.
La confrontation avec le contexte italien se poursuit en 1975 avec *Arc de Triomphe for Workers*, projet conçu pour un complexe industriel de Sesto San Giovanni occupé par un groupe de jeunes communistes. Cette expérience marque Matta-Clark par la capacité des travailleurs à mobiliser la communauté et l’amène à approfondir davantage la valeur collective et politique de l’architecture. De cette réflexion naît également *A Resource Center and Environmental Youth Program for Loisaida*, un projet jamais réalisé qui aurait dû impliquer des artistes et des citoyens dans la réhabilitation des bâtiments abandonnés de New York.
La recherche de l’artiste atteint ensuite une échelle monumentale avec certaines de ses interventions les plus célèbres. Dans *Splitting* (1974), une maison du New Jersey est traversée par une profonde entaille verticale ; avec *Day’s End* (1975), une jetée abandonnée de New York se transforme en un espace ouvert à la lumière et à la collectivité. Viennent ensuite *Conical Intersect* (1975), caractérisé par une grande ouverture conique réalisée dans deux bâtiments destinés à la démolition, à proximité du futur Centre Pompidou à Paris, et *Circus (Caribbean Orange) (1978), dernière grande intervention de l’artiste, dans laquelle un bâtiment de Chicago est transformé par une série de découpes circulaires et sphériques.
Le cinéma expérimental, partie intégrante de la pratique de Matta-Clark, occupe une place importante dans l’exposition. Outre les projections réparties tout au long du parcours, une salle dédiée permet d’approfondir la relation entre images en mouvement, architecture et performance.
L’exposition est accompagnée d’un catalogue Skira, sous la direction de Jessamyn Fiore et Francesco Stocchi, qui rassemble des entretiens avec les membres du comité scientifique, des images des œuvres exposées et des photographies d’archives des interventions de l’artiste. Il en ressort une lecture nuancée de sa production, enrichie par les contributions de chercheurs et d’amis qui ont côtoyé son travail de près.
Ordiner le monde. Les archives de Nanda Lanfranco : la photographie raconte l’art contemporain
Du 13 novembre 2026 au 28 février 2027, le MAXXI présente également « Ordiner le monde. Les archives de Nanda Lanfranco », un projet organisé par Lara Conte qui redonne de la visibilité au travail de la photographe ligure et à son important patrimoine documentaire. En 2024, à la demande des héritiers, l’intégralité des archives a été cédée à titre gracieux au musée, qui en met aujourd’hui en valeur la richesse à travers un parcours thématique et chronologique. L’initiative implique également le MLAC – Musée-Laboratoire d’art contemporain de l’Université La Sapienza de Rome, où, du 4 mars au 8 avril 2027, sera proposée une réflexion approfondie consacrée au corps et à l’art de la performance, deux domaines centraux dans la recherche de Lanfranco, tant dans sa documentation photographique que dans sa production artistique.
Tout en restant à l’écart des feux de la rampe, la photographe a suivi et documenté certaines des étapes les plus importantes de l’art contemporain italien et international, constituant ainsi des archives qui constituent aujourd’hui un précieux témoignage des transformations culturelles et artistiques de la seconde moitié du XXe siècle.
Le parcours commence à Gênes dans les années 1970, ville particulièrement dynamique sur le plan de l’expérimentation. Sa rencontre avec Germano Celant et sa collaboration, entamée en 1977, avec la Samangallery d’Ida Gianelli marquent son entrée dans le monde de l’art contemporain. À travers des photographies et des documents, resurgissent les expériences d’artistes tels qu’André Cadere, Rebecca Horn, Daniel Buren, Maria Nordman et Giuseppe Penone, ainsi que ses collaborations ultérieures avec la galerie Locus Solus.
Parmi les centres d’intérêt les plus marquants de Lanfranco figurent la performance, le corps et la recherche artistique féminine. En 1975, elle photographie à Gênes « Duets on Ice », la première performance italienne de Laurie Anderson ; l’année suivante, elle documente à la Biennale de Venise « Relation in Space » de Marina Abramović et Ulay. Ses images ne se contentent pas d’enregistrer les œuvres, mais restituent des gestes, des relations et des processus créatifs, offrant un regard rapproché sur l’expérience artistique.
À partir des années 1980, notamment grâce à sa longue collaboration avec *Il Giornale dell’Arte*, Lanfranco suit les principales manifestations internationales, de la Biennale de Venise à la Documenta de Kassel. Elle documente également les recherches de l’Arte Povera, les activités du Château de Rivoli et d’importants projets curatoriaux de Germano Celant, parmi lesquels « Identité Italienne », présenté au Centre Pompidou à Paris en 1981.
Parallèlement à son activité de documentation, la photographe développe une recherche personnelle caractérisée par l’utilisation du noir et blanc, du format carré et du recours privilégié au Hasselblad. Au cœur de ses images se trouvent le corps de la sculpture, la nature morte et le portrait.
Parmi les thèmes les plus intéressants présentés au MAXXI figure le cycle consacré aux Tarots, dans lequel Lanfranco réinterprète les arcanes majeurs et mineurs à travers des compositions riches en symboles, en duplications et en correspondances visuelles. Les photographies construisent un univers suspendu entre réalité et imagination, ouvert à de multiples interprétations. Cette même conception imprègne l’ensemble des archives, dont l’ordre ne se présente pas comme une structure rigide, linéaire ou hiérarchique. Au contraire, il devient un espace dynamique et génératif, dans lequel les images peuvent entrer en relation, suggérer de nouveaux liens et donner naissance à des possibilités de lecture toujours différentes.
« Les projets que nous inaugurons aujourd’hui illustrent très bien la vision du MAXXI : un musée ouvert au dialogue entre les langages, capable d’accueillir dans ses espaces des perspectives et des expériences artistiques différentes », a déclaré Maria Emanuela Bruni, présidente de la Fondation MAXXI. « Aujourd’hui, le MAXXI n’inaugure pas seulement trois expositions, mais ouvre ses portes à trois façons d’habiter le monde : à travers un regard critique sur l’architecture et le travail ; à travers la force des images et la responsabilité de la mémoire ; à travers le soin patient avec lequel une archive peut redonner ordre, sens et avenir au passé. »
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| Shirin Neshat, Gordon Matta-Clark et Nanda Lanfranco : les trois nouvelles expositions au MAXXI de Rome |
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