BIAF 2026 : les œuvres des grands maîtres refont surface sur le marché. Le reportage (avec les prix)

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La direction change, le secrétaire change, certains antiquaires changent, mais la Biennale internationale des antiquaires de Florence reste la même : le Palazzo Corsini est toujours là, sur les rives de l’Arno, prêt à accueillir les dizaines d’antiquaires, les meilleurs d’Italie, auxquels s’ajoutent une dizaine d’exposants étrangers (environ quatre-vingts stands au total cette année), pour accueillir, pendant deux semaines, une sorte de chantier de l’histoire de l’art, où l’on a coutume de voir réapparaître des œuvres que l’on croyait perdues, de voir réapparaître des œuvres restées cachées pendant des décennies dans des collections privées inaccessibles, de voir se déployer un échantillon de peintures, sculptures, pierres précieuses, bijoux et objets d’art appliqué qui s’offrent pendant dix jours aux yeux des chercheurs, des directeurs de musées et des passionnés du monde entier. Le voilà, ce musée éphémère qui, tous les deux ans, voit le jour au Palazzo Corsini avant de se disperser, pour la trente-quatrième fois.

Sous la houlette du nouveau secrétaire général Bruno Botticelli, nommé en avril dernier pour reprendre le prestigieux héritage de Fabrizio Moretti et Giovanni Pratesi, la XXXIVe édition de la Biennale internationale des antiquités réaffirme les valeurs fondatrices de l’antiquité : l’unicité de la matière, l’authenticité de la création et la pérennité. Cette année, on a l’impression d’une BIAF en transition : il y a eu un renouvellement important, même si la base reste plus que solide, avec environ la moitié des nouveaux venus de 2024 qui ont confirmé leur présence, et avec une exposition qui confirme sa qualité, et qui, de surcroît, semble vouloir s’ouvrir encore davantage sur l’extérieur, en s’ouvrant à la ville, en se confrontant à son histoire (au sein du Palazzo Corsini, on présente cette année, à titre tout à fait exceptionnel, le premier projet de façade de San Lorenzo de Michel-Ange Buonarroti, précieux dessin autographe conservé par l’institution florentine et ayant fait l’objet d’une campagne de diagnostic rigoureuse ainsi que d’une restauration complète réalisée par l’Opificio delle Pietre Dure avec le soutien intégral de la Fondazione CR Firenze), et en réaffirmant le rôle central d’une offre commerciale de très haut niveau. C’est l’affirmation d’une méthode : la BIAF évolue, mais ne renonce pas à ce qui la rend reconnaissable.

En commençant la visite par les stands du rez-de-chaussée du Palazzo Corsini, le parcours à travers les galeries offre une succession ininterrompue d’œuvres allant de la peinture médiévale aux grandes innovations des XIXe et XXe siècles. On commence par le stand de la galerie Carlo Orsi où brille une toile d’un intérêt exceptionnel pour l’histoire de l’art néoclassique : la Madeleine pénitente d’Antonio Canova, proposée au prix de 350 000 euros. Cette rare peinture à l’huile a probablement été réalisée par le maître à Possagno lors de son séjour dans sa ville natale en 1798-1799, et a été rapidement répertorié par Giannantonio Falier et Melchiorre Missirini, qui mentionnaient son emplacement à Bassano, dans la collection du comte Roberti, avant les récentes études monographiques publiées par Mario Mascotto et Vittorio Sgarbi. Quelques pas plus loin, la Galerie Canesso accueille les visiteurs avec la majestueuse Croix peinte du XIIIe siècle, réalisée par Corso di Buono, figure centrale de la peinture florentine archaïque, dont le prix demandé est de 1,2 million d’euros. La sévérité dramatique du Christ en croix contraste avec la vaste ampleur atmosphérique de la grande toile présentée, un peu plus loin, sur le stand de Hartford Fine Art – Lampronti Gallery: Le golfe de Pouzzoles avec la rencontre entre la flotte des Bourbons et la flotte maltaise, chef-d’œuvre de Jakob Philipp Hackert (600 000 euros), qui représente avec une netteté exceptionnelle la rade phlégréenne et les vaisseaux royaux.

On poursuit avec la sélection de la Galleria d’Arte Frediano Farsetti, référence historique pour les maîtres du XXe siècle, dont le siège est à Milan, qui présente quatre toiles fondamentales dans le parcours créatif de Severini, Savinio et De Chirico. Gino Severini est représenté par l’importante œuvre sur papier *Danseuse et violoniste*, proposée à 580 000 euros, tandis qu’Alberto Savinio figure avec une toile onirique *Sans titre* ( 650 000 euros), et Giorgio de Chirico est représenté par un chef-d’œuvre des années 1920 : Le temple d’Apollon, une huile sur bois signée et datée de 1920 (750 000 euros). La sculpture grand-ducale florentine et le néoclassicisme monumental trouvent quant à eux leur expression suprême sur le stand de Walter Padovani, qui propose l’une des œuvres les plus importantes de cette BIAF : le marbre de Lorenzo Merlini représentant le Portrait de Cosme III en taille réelle (prix sur demande). L’œuvre de Merlini, caractérisée par des drapés amples et brisés aux plis anguleux qui rappellent l’enseignement de Giovan Battista Foggini, rend une figure d’une extraordinaire vivacité expressive, malgré le rôle… institutionnel du sujet. Aux côtés de l’œuvre de Merlini, Padovani expose la statue en marbre de Lorenzo Bartolini représentant La Charité ( négociation confidentielle) : ce marbre de Bartolini, identifiable comme la sculpture réalisée pour la famille génoise des Balbi et soudée en 1846 par le sculpteur Vassaro pour le compte du maître, s’inscrit dans la lignée du célèbre modèle de La Charité éducatrice du Palazzo Pitti et de la version destinée à la villa médicéenne du Poggio Imperiale, se distinguant par l’absence du cartouche évangélique entre les mains de l’enfant. Et toujours en matière de grande sculpture médicéenne, ne manquez pas le « Maggio » (Apollon) d’Antonio Novelli proposé par Botticelli Antichità ( négociation confidentielle), une autre œuvre parmi les plus importantes de cette édition : en marbre des Apennins, elle a fait l’objet d’une étude de Francesco Caglioti. Œuvre peu connue, conservée depuis toujours à Florence dans une collection privée, elle a fait l’objet d’une histoire complexe en matière d’attribution (jusqu’aux années 1980, elle a même été attribuée à Michel-Ange : c’était l’avis de grands spécialistes tels qu’Alessandro Parronchi et Carlo Ludovico Ragghianti) et même iconographique, avant d’être finalement attribuée à Novelli sur la base de comparaisons figuratives minutieuses. Les sources mentionnent que l’œuvre provient du Palazzo Tempi (aujourd’hui Bargagli Petrucci) sur la Piazza Santa Maria Sopr’Arno, et a été rattachée au cycle des dix-huit statues des Mois, des Saisons, du Temps et de la Fortune que Novelli a réalisées avec d’autres sculpteurs sur commande de Marie de Médicis (ce cycle est resté inachevé).

Le dynamisme des stands de collectionneurs au rez-de-chaussée se retrouve également sur le stand d’Antonacci Lapiccirella Fine Art, où sont exposés le plâtre original Ritmi, modelé en 1914 par Attilio Selva (entre 100 000 et 200 000 euros), et le tableau de Giulio Aristide Sartorio intitulé *Avvenimento d’arte e di cultura*, proposé à 150 000 euros : ce dernier est la redécouverte d’une partie d’une grande frise décorative peinte en grisaille pour l’Exposition internationale du Simplon de 1906, enrichie par Sartorio de touches de couleur en 1923 à l’occasion de la croisière en Amérique latine du navire royal « Italia ». Deux autres panneaux de cette même frise ont été acquis par le musée d’Orsay à Paris, qui a contribué à la redécouverte de Sartorio dans le milieu critique.

Parmi les éléments les plus curieux de cette BIAF, il est impossible de ne pas mentionner l’histoire des trente-sept gemmes gravées ayant appartenu au prince Stanislaw Poniatowski, mises en vente par Alessandra Di Castro à 5 000 euros chacune : un épisode qui en dit long non seulement sur le collectionnisme néoclassique, mais aussi sur la capacité de l’Antiquité à être réinventée, presque fabriquée, lorsqu’elle fait défaut. Il faut partir du principe que, pendant près d’un siècle, des centaines de collectionneurs à travers toute l’Europe étaient convaincus de posséder des pierres gravées de l’Antiquité grecque et romaine : ce n’était pas le cas. Derrière ces gemmes, dont certaines portaient, en lettres grecques, les noms de graveurs cités par Pline l’Ancien ou par Suétone, se cachait en réalité ce prince polonais si épris d’antiquité qu’il se la faisait fabriquer sur mesure : Stanislaw Poniatowski, petit-fils du dernier roi de Pologne, qui, entre 1803 et 1822, commanda à Rome des centaines de gravures aux meilleurs « gemmologues » de l’époque, laissant croire qu’il s’agissait de pièces authentiques. Plus de mille sept cents de ces gravures portaient de fausses signatures avec des noms tirés de la littérature classique ; les sources indiquent comme auteurs principaux Luigi Pichler et Giovanni Calandrelli. Le prince, décédé à Florence en 1833, ne souhaitait pas créer de faux au sens strict du terme : il voulait vivre plongé dans le rêve de l’Antiquité, comme le raconte le chercheur Francesco Leone dans l’ouvrage consacré à la collection. Ce sont ces joyaux que l’on peut admirer et acquérir ces jours-ci sur le stand de la galerie Alessandra Di Castro pour emporter chez soi, à un prix relativement modique, un morceau de cette histoire.

En poursuivant, on trouve chez Bacarelli 1923 deux portraits de grande qualité : un Portrait d’Ascanio Piccolomini, V archevêque de Sienne, peint vers 1590 par Francesco Vanni, huile sur toile, et un marbre de Tancredi Pozzi représentant Hannibal, tous deux proposés à un prix compris entre 60 000 et 80 000 euros. Le tableau de Vanni provient de la collection Piccolomini de la Villa di Fagnano, près de Sienne, qui est ensuite passée aux familles Naldi Bandini et Terrosi Vagnoli. La sculpture en marbre représente quant à elle le chef de guerre carthaginois à un âge mûr, avec une expression sévère et une cuirasse fantaisiste dominée par un protomé léonin qui évoque une sorte de gorgonion, cette tête apotropaïque qui, dans la statuaire romaine, trônait sur la poitrine des empereurs et des chefs de guerre. La Galerie Gomiero possède quant à elle la sculpture primée comme la meilleure de la Biennale : la « Bacchante fatiguée » de Giovanni Duprè, en marbre statuaire et jaune de Sienne (négociation confidentielle). Commandée par le roi du Portugal, cette sculpture représente l’un des sommets de la phase néo-grecque de Duprè, lorsque le sculpteur siennois s’inspirait de la statuaire classique tout en se rapprochant de l’esthétisme international de la devise « l’art pour l’art », qu’il avait découverte grâce à son ami Luigi Mussini. La figure, inspirée de la statuaire néo-hellénistique découverte par Duprè à Naples en 1853, montre la bacchante épuisée après la danse dionysiaque, évoquée par le cembalo et la coupe renversée sur le sol, le visage extatique encadré d’une guirlande de petites roses, symbole de vanité. Duprè lui-même a raconté avoir reproduit cette composition à plusieurs reprises : à Manchester, à Londres, à la maison impériale de Saint-Pétersbourg, aux États-Unis et enfin, en 1865, pour le roi du Portugal.

Les amateurs de théâtre et de masques du début du XXe siècle trouveront leur bonheur sur le stand de 800/900 Art Studio, qui présente trois toiles d’Alfredo Müller intitulées *Il complotto*, *L’appuntamento* et *Il labirinto* (50 000 euros chacune). Ces trois œuvres font partie de la série des douze « Arlecchinate » réalisées par Müller entre 1918 et 1922 et dotées d’un cadre caractéristique en forme d’avant-scène, exposées à la Galleria Pesaro de Milan en 1922 et saluées par le critique Ferdinando Paolieri pour leur fiction scénique vive et effrontée. Le thème, qui mêle les masques de la Commedia dell’arte à des évocations du spectacle de variétés, semble receler une dimension presque autobiographique, avec Arlequin poursuivant Colombine comme image de l’amour et de la beauté à atteindre.

La galerie Goldfinch Fine Arts de Gênes offre un moment d’une extraordinaire densité artistique, documentaire et scientifique. Sur le stand, juste en face du Portrait d’un peintre d’Annibale Carracci (représentant probablement son frère Agostino, 80 000 euros), est exposéle « Petit Cupidon » de Perin del Vaga, fragment d’un carton préparatoire pour une tapisserie de la célèbre série des « Voles de Jupiter » (prix sur demande). L’œuvre, réalisée à l’encre, à la blanc de plomb et à la détrempe sur papier monté sur toile, constitue l’un des très rares fragments conservés des cartons dessinés par Piero di Giovanni Bonaccorsi, qui fut l’élève et le collaborateur de Raphaël, pour l’amiral Andrea Doria en vue de la fabrication des six grandes tapisseries représentant Jupiter et Junon, Jupiter et Io, Jupiter et Sémélé, Jupiter et Callisto, Jupiter et Alcméne, Jupiter et Danaé, destinées au palais du prince, comme en témoigne le dessin conservé au Metropolitan Museum de New York. L’histoire de ces cartons est extraordinaire : répertoriés dans les inventaires Doria de 1606, ils ont fait partie de nombreuses collections nobiliaires italiennes et européennes parmi les plus importantes. Acquis en 1721 par le duc Philippe II de Bourbon-Orléans, les cartons ont été dispersés.L’Amorino a également été exposé en 1892 au Palazzo Bianco à l’occasion des célébrations colombiennes, et il a aujourd’hui fait l’objet d’une campagne d’imagerie diagnostique minutieuse menée par Mario Amedeo Lazzari, qui a révélé, grâce à l’infrarouge, les détails des ailes et des armoiries sous-jacentes, suivie d’une restauration menée par Julie Guilmette, qui a éliminé les surcharges et les couches de peinture altérées, consolidé la toile d’origine au verso et mis en valeur l’exceptionnelle qualité du dessin de Perin.

En poursuivant dans la partie est du rez-de-chaussée, l’exposition réserve d’autres étapes de premier plan pour les historiens de l’art et les collectionneurs : sur le stand de Verdini Antiques, une rare et sophistiquée horloge de nuit italienne signée par l’horloger Pietro Tomasso Campani, l’un des virtuoses du genre (l’invention de l’horloge de nuit revient justement aux frères Campani, chargés en 1655 par le pape Alexandre VII de créer un mécanisme indiquant l’heure la nuit sans le tic-tac habituel), et datée de 1682 (environ 150 000 euros). Non loin de là, la galerie milanaise Altomani & Sons présente un mur de chefs-d’œuvre de la Renaissance et du XIVe siècle d’une excellence remarquable : la Vierge à l’Enfant et vue idéalisée de Florence de Biagio d’Antonio Tucci, tableau classé par l’État italien pour son intérêt exceptionnel (220 000 euros) ; le tableau d’une grande délicatessereprésentant l’Adoration de l’Enfant, une huile sur bois étudiée par des historiens de renom tels que Giuliano Briganti, Nicoletta Pons et Andrea De Marchi (280 000 euros), et la prédelle solennelle à fond doré de Spinello Aretino, datant d’environ 1395, représentantl’Adoration des Mages, étudiée par Stefan Weppelmann et Gaudenz Freuler (300 000 euros).

À quelques pas de là, le stand de la galerie Alice Fine Art accueille l’un des tableaux les plus célèbres de cette édition : le Paysage fluvial avec des bateliers d’Annibale Carracci, lauréat du prestigieux prix du meilleur tableau de la BIAF 2026, pour lequel des négociations très confidentielles sont actuellement en cours avec un collectionneur privé. L’œuvre peut être datée de la fin des années 1580 : il s’agit d’une vue sur une campagne traversée par une rivière, attribuée pour la première fois à Carracci en 1919 par Herman Voss, alors que l’œuvre se trouvait dans la collection Platky de Leipzig, avant de passer par plusieurs autres collections privées. Il s’agit de l’un des premiers paysages d’Annibale Carracci dont nous ayons connaissance, voire du tout premier tableau de ce genre qu’il ait réalisé (il ne s’agit donc pas d’un épisode mythologique ou biblique se déroulant dans un paysage : ici, l’artiste ne cherche pas à intégrer un élément narratif). Un tableau qui se distingue par ce ton de fraîcheur et de naturel qui en fait l’une des œuvres les plus intéressantes de cette BIAF, à ne pas manquer lors de votre visite.

La galerie Reve Art propose quant à elle, comme à son habitude, une plongée dans la peinture italienne de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. La première pièce maîtresse est la grande et complexe toile Ferriera a Malavedo, peinte en 1928 par Anselmo Bucci et signée (60 000 euros). L’œuvre représente l’usine sidérurgique de Giuseppe et Fratello Redaelli, dirigée par l’ingénieur Ernesto Redaelli à Malavedo, près de Lecco (qui allait ensuite intégrer les industries Falck), nichée dans le paysage préalpin dominé par les nuances bleues des montagnes et par le triangle de lumière jaune-vert des prairies entre les cheminées fumantes : elle date de l’époque où le peintre, de retour à Milan après son séjour à Paris et son passage sur le front de la Grande Guerre, s’était rapproché du groupe Novecento avant de s’en éloigner, découvrant entre 1923 et 1930 de nouveaux thèmes tels que l’animalisme, le paysage et la nature morte. Aux côtés de Bucci, Reve Art expose *Il sogno* de Gaetano Previati, une précieuse composition symboliste de 1908 (40 000 euros), conçue à l’origine pour la salle de musique d’Alberto Grubicy et étroitement liée au panneau du *Notturno* ou *Il silenzio* conservé au Vittoriale degli Italiani de Gabriele D’Annunzio : c’est une œuvre qui enchante par sa figure féminine enveloppée dans un drapé rendu selon la technique divisionniste caractéristique, faite de filaments lumineux de couleur, sous un ciel peuplé de chérubins néo-Renaissance.

Le parcours du rez-de-chaussée trouve son couronnement prestigieux dans les propositions de Mirco Cattai et de Fondantico de Tiziana Sassoli. Mirco Cattai expose un magnifique et très rare tapis Oushak de fabrication anatolienne datant du milieu du XVIe siècle, conservé dans un état exceptionnel et proposé à un prix supérieur à 200 000 euros. Sur le stand de Fondantico de Tiziana Sassoli, on remarque en revanche le grand tableau de Lorenzo Costa représentant la Vierge à l’Enfant et les saints Jean l’Évangéliste, Antoine l’Abbé, Sébastien et Jean, proposé à environ 600 000 euros, ainsi que la ravissante petite peinture sur bois du jeune Guercino représentant La Fuite en Égypte, récemment redécouverte (elle a été présentée pour la première fois, avec une étude de Daniele Benati, à l’occasion de l’édition 2025 de la Tefaf : l’attribution est également confirmée par un autre expert du Guercino, David Stone). Peinte vers 1615 et dans un état de conservation éclatant, l’œuvre représente la Sainte Famille, guidée par saint Joseph, fuyant après le dramatique édit d’Hérode, au cœur d’un vaste paysage naturel.

En montant le grand escalier monumental qui mène à l’étage noble du Palazzo Corsini, on découvre un autre des points forts de cette BIAF : le stand de Matteo Salamon, où est exposé un chef-d’œuvre de la peinture de paysage du XVIIIe siècle : Le Grand Canal vu vers le sud-est, du palais Pesaro au Fondaco dei Tedeschi de Canaletto (1,5 à 2 millions d’euros). La toile, signée et datée (« Ant. Canal Fecit MDCCXLIV »), fait son apparition sur le marché de l’art après avoir longtemps été cachée aux yeux des collectionneurs et des passionnés : il s’agit en effet d’une œuvre inédite (à l’exception d’une seule reproduction publicitaire en noir et blanc parue en 1975 dans le magazine *Arte Veneta*, alors que l’œuvre se trouvait à la galerie Edmondo Sacerdoti de Milan). Le tableau, qui est arrivé en restauration dans un état critique en raison d’un doublage historique défectueux qui a nécessité une intervention extrêmement délicate de transfert de toile sur toile, resplendit désormais dans son authenticité retrouvée et lumineuse. Sur le même stand, Salamon présente aux côtés du Canaletto le tableau de Gaudenzio Ferrari représentant saint Antoine de Padoue (100 000-150 000 euros), témoignage fascinant d’un chef-d’œuvre démembré, dispersé puis heureusement reconstitué par la critique, dont la partie centrale se trouve aujourd’hui à l’Accademia Carrara de Bergame (nous avons évoqué ce fragment dans ces pages).

En poursuivant le long des salles de l’étage noble, Cantore Galleria Antiquaria présente trois chefs-d’œuvre du XVIIe siècle d’une grande valeur pour les collectionneurs : il s’agit de la lumineuse Sainte Catherine d’Alexandrie de Giovanni Baglione (160 000 euros), du « Portrait du cardinal Alderano Cybo » aux couleurs intenses, peint par Carlo Maratta (120 000 euros) et de la splendide toile « Nosce te ipsum » de Francesco Ruschi (65 000 euros). Cette dernière œuvre, récemment présentée par Martina Leone dans une monographie publiée par Campisano et qui vient de paraître, représente le philosophe Socrate qui, d’un geste sévère, désigne un jeune élève occupé à se mirer dans le miroir tenu par un camarade (ce thème, tiré des Vies des philosophes de Diogène Laërce, était cher à l’Accademia degli Incogniti de Venise), transformant la maxime socratique sur la connaissance de ses propres limites en une composition théâtrale vibrante, construite sur un jeu d’ombres et de lumières autour d’une demi-colonne cannelée. Une photographie historique conservée au Kunsthistorisches Institut de Florence atteste de la présence du tableau sur le marché des antiquités berlinois des années 1920 ; il fut exposé en 1927 au Warenhaus Wertheim en tant que propriété de la Galerie Schmidt & Co ; il fut ensuite vendu sur le marché allemand, par Neumeister, en 2025. Le peintre vénitien Antonio Zanchi en a repris l’iconographie à plusieurs reprises. Non loin de là, Cortona Fine Arts exposel’Allégorie de la Vérité et de la Miséricorde d’Imperiale Gramatica (moins de 100 000 euros), tandis que Longari Arte propose une précieuse Nativité d’Eusebio Oldoni datée de 1525 (75 000 euros), étudiée en son temps par Roberto Longhi (son expertise manuscrite est reproduite sur le stand en guise de légende : c’est Longhi qui a attribué l’œuvre à Oldoni sur la base du sigle EVP, qui peut se décomposer en « Eusebius Vercellensis Pinxit »).

Un peu plus loin, la galerie Berardi consacre un mur entier au peintre du XXe siècle Cagnaccio di San Pietro, avec une sélection d’œuvres dont les prix varient entre 10 000 et 80 000 euros. La peinture baroque et les arts décoratifs vénitiens se rencontrent sur le stand de Piva & C., qui expose la toile de Domenico Parodi représentant Adonis avec ses chiens (entre 50 000 et 100 000 euros) ainsi qu’un spectaculaire centre de table « Jardin à l’italienne », réalisé à Murano vers le milieu du XVIIIe siècle par la manufacture de Giuseppe Briati (60 000 euros). L’intérêt des spécialistes de la peinture de la Renaissance se concentre ensuite sur le stand de Brun Fine Art, où se détache un tondo sur bois de peuplier de 85 centimètres de diamètre représentant la Vierge allaitant l’Enfant avec saint Jean-le-Petit en adoration ( 850 000 euros). Cette œuvre, révélée par Gigetta Dalli Regoli en 2007 alors qu’elle appartenait à une collection privée espagnole, est attribuée à Tommaso, maître anonyme et proche collaborateur de Lorenzo di Credi, que Bernard Berenson a qualifié de sorte de « Doppelgänger », c’est-à-dire un sosie, du peintre florentin. D’un tout autre genre, l’offre de Santa Tecla Srl, qui propose deux petits chefs-d’œuvre de Giovanni Battista Tiepolo : l’inédit Saint Roch avec son chien (195 000 euros) et Saint Antoine de Padoue avec l’Enfant Jésus (230 000 euros). Le premier appartient à un ensemble de petites toiles consacrées au saint pèlerin, signalé pour la première fois par Antonio Morassi en 1950 avec treize exemplaires recensés, dont le nombre est passé à dix-huit en 1962, puis a été élargi par d’autres études jusqu’à inclure également cette toile. Le Saint Antoine, bien que connu (au début du XXe siècle, il avait été attribué par Pompeo Molmenti et Eduard Sack à Giovanni Domenico Tiepolo, fils de Giovanni Battista, avant que Morassi, en 1962, ne l’attribue à juste titre au jeune Giambattista), n’est réapparu sur le marché des antiquités de Gênes qu’en 2024, et a suscité un regain d’intérêt de la part des spécialistes.

Le parcours à travers les salons du Piano Nobile mène au stand de Flavio Gianassi, où l’histoire du collectionnisme florentin resurgit avec une évidence émouvante grâce à la redécouverte de la « Cléopâtre » de Domenico Puligo (250 000 euros), qui revient chez elle, puisqu’elle appartenait à l’origine à la célèbre collection du prince Tommaso Corsini et a longtemps été conservée dans les salles du palais qui abrite la BIAF, avant d’être transmise par héritage. Largement documentée dans les guides florentins du XIXe siècle et dans les inventaires historiques, la « Cléopâtre » revient donc, ne serait-ce que pour quelques jours, au palais Corsini, le lieu même où elle a été conservée pendant des générations entières. Sur le même stand, Gianassi présente aux côtés de « Puligo » deux autres œuvres d’un intérêt absolu : la Madeleine pénitente du Maître de la Madeleine de Cascio (175 000 euros), une terre cuite émaillée monumentale sortie dans les années 1920 de l’ermitage de Cascio en Garfagnana où elle se trouvait autrefois, œuvre très proche de la Madeleine de Donatello conservée au Musée du Dôme de Florence (et importante également sur le plan technique : ici, l’émail n’est pas seulement un revêtement décoratif, mais un outil expressif qui, d’une manière très moderne, propulse la terre cuite émaillée vers un réalisme inhabituel pour ce matériau, plus caractéristique du bois), ainsi qu’un raffinée composition sur fond d’or, l’une des plus belles de cette BIAF : il s’agit d’une œuvre de Neri di Bicci, représentant la Vierge à l’Enfant et deux anges adorateurs (380 000 euros), qui possède une histoire documentée rare, puisqu’elle a été commandée à Florence en 1464 par un certain Antonio di Jacopo et consignée dans les Ricordanze de Neri di Bicci lui-même, le journal de l’atelier qui nous est parvenu.

Sur le stand de Giorgio Baratti Antiquario, le public peut admirer un autre ajout majeur au catalogue du gothique international vénitien : la Vierge de l’Humilité de Zanino di Pietro, dont on a des traces à Bologne et à Venise de 1389 à avant 1448, un tableau récemment ressorti d’une collection privée et identifié par Angelo Tartuferi, qui se distingue par l’extraordinaire élégance formelle de la Vierge à l’Enfant endormi (190 000 euros) et un bas-relief remarquable représentantl’Adoration des bergers, réalisé par un sculpteur de l’entourage de Giovanni Pietro da Rho (38 000 euros). Le XXe siècle et le genre de la vue d’ensemble du XIXe siècle trouvent quant à eux une belle représentation sur le stand d’Enrico Gallerie d’Arte, qui présente deux rares petits tableaux de jeunesse d’Umberto Boccioni datant de 1907, intitulés Barques au soleil et Impression de Venise, proposées à environ 500 000 euros chacune, ainsi que deux grandes vues de Carlo Ferrari, dit « Il Ferrarin » : Piazza delle Erbe à Vérone (250 000 euros) et la Vue de Venise (150 000 euros). Enfin, pour accompagner le public à la sortie, on trouve Paolo Antonacci, qui présente le tableau visionnaire *La fête du soleil* d’Umberto Brunelleschi comme pièce maîtresse, et Bottegantica, qui expose l’un des tableaux les plus célèbres de Vittorio Matteo Corcos, La fille du peintre à la fenêtre, réalisée en 1909 et mentionnée dans les principales revues critiques consacrées à la Belle Époque (telles que celles organisées par Durbè en 1965 à Livourne et celle de Francesca Dini en 2025 à Pise, au Palazzo Blu), proposée à un prix supérieur à 200 000 euros.