Cambia la dirección, cambia el secretario, cambian algunos de los anticuarios, pero no cambia la Bienal Internacional de Antigüedades de Florencia: el Palacio Corsini sigue ahí, a orillas del Arno, esperando a las decenas de anticuarios, los mejores de Italia, junto con una decena de participantes extranjeros (unos ochenta stands en total este año), para acoger, durante dos semanas, una especie de taller de la historia del arte, donde es habitual ver reaparecer obras que se creían perdidas, ver reaparecer obras que han permanecido custodiadas durante décadas en colecciones privadas inaccesibles, y contemplar una muestra de pinturas, esculturas, gemas, joyas y piezas de artes aplicadas que se ofrecen durante diez días a la vista de estudiosos, directores de museos y aficionados de todo el mundo. Ahí está, el museo temporal que cada dos años se forma en el Palacio Corsini para luego disolverse, por trigésima cuarta vez.
Bajo la dirección del nuevo secretario general, Bruno Botticelli, nombrado en abril del año pasado para recoger el prestigioso legado de Fabrizio Moretti y Giovanni Pratesi, la XXXIV edición de la Bienal Internacional de Antigüedades reafirma los valores fundamentales de lo antiguo: la singularidad del material, la autenticidad de la creación y la perdurabilidad en el tiempo. La impresión que da este año es la de una BIAF en transición: se ha producido un importante relevo generacional, aunque la base sigue siendo más que sólida, ya que aproximadamente la mitad de los debutantes de 2024 han confirmado su presencia, y con una exposición que reafirma su calidad, y, además, parece dar la impresión de querer salir aún más de sí misma, abriéndose a la ciudad, midiéndose con su historia (en el interior del Palacio Corsini se presenta este año, de forma totalmente excepcional, el primer proyecto para la fachada de San Lorenzo de Miguel Ángel Buonarroti, un valioso dibujo autógrafo conservado en la institución florentina y sometido a una rigurosa campaña de diagnóstico y a una restauración completa a cargo del Opificio delle Pietre Dure, con la contribución íntegra de la Fundación CR Firenze), y reafirmando la importancia central de una oferta comercial del más alto nivel. Es la declaración de un método: la BIAF cambia, pero no renuncia a lo que la hace reconocible.
Al comenzar el recorrido exploratorio por los stands de la planta baja del Palazzo Corsini, el itinerario por las galerías ofrece una secuencia ininterrumpida de obras que abarcan desde la pintura medieval hasta las grandes innovaciones de los siglos XIX y XX. Se comienza por el stand de la galería Carlo Orsi, donde destaca un lienzo de excepcional interés para la historia del arte neoclásico: la «Madalena penitente» de Antonio Canova, a la venta por 350 000 euros. Este raro óleo fue probablemente pintado por el maestro en Possagno durante su estancia en su tierra natal entre 1798 y 1799, y fue documentado oportunamente por Giannantonio Falier y Melchiorre Missirini, quienes recordaban su ubicación en Bassano, en la colección del conde Roberti, antes de los recientes estudios monográficos publicados por Mario Mascotto y Vittorio Sgarbi. A pocos pasos de allí, la Galerie Canesso recibe a los visitantes con la majestuosa Cruz pintada del siglo XIII, obra de Corso di Buono, figura central de la pintura florentina arcaica, con un precio de salida de 1,2 millones de euros. La dramática severidad del Cristo en la cruz contrasta con la amplia amplitud atmosférica del gran lienzo presentado, un poco más allá, en el stand de Hartford Fine Art – Lampronti Gallery: El golfo de Pozzuoli con el encuentro entre la flota de los Borbones y la flota maltesa, obra maestra de Jakob Philipp Hackert (600 000 euros), que documenta con excepcional nitidez la rada flegrea y los buques reales.
Continuamos con la propuesta de la Galería de Arte Frediano Farsetti, histórico referente de los maestros del siglo XX con sede en Milán, que presenta cuatro lienzos fundamentales en la trayectoria creativa de Severini, Savinio y De Chirico. Gino Severini está representado por la importante obra sobre papel *Danseuse et violiniste*, que sale a subasta por 580 000 euros, mientras que Alberto Savinio figura con un lienzo onírico *Sin título* ( 650 000 euros), y de Giorgio de Chirico se presenta una obra maestra de los años veinte: *Il tempio di Apollo*, óleo sobre tabla firmado y fechado en 1920 (750 000 euros). La escultura granducal florentina y el neoclasicismo monumental encuentran, por su parte, su máxima expresión en el stand de Walter Padovani, que propone una de las obras más importantes de esta BIAF: el mármol de Lorenzo Merlini que representa el *Retrato de Cosme III* a tamaño natural (precio a convenir). La obra de Merlini, caracterizada por amplios pliegues de tela entrecortados con pliegues angulosos que recuerdan la influencia de Giovan Battista Foggini, recrea una figura de extraordinario brío expresivo, a pesar del carácter… institucional del personaje. Junto a la obra de Merlini, Padovani expone la estatua de mármol de Lorenzo Bartolini que representa La Caridad ( precio a consultar): este mármol de Bartolini, identificable con la escultura realizada para la familia genovesa de los Balbi y soldada en 1846 por el escultor Vassaro por encargo del maestro, se suma al célebre modelo de La Caridad educadora del Palacio Pitti y a la versión para la Villa Médica del Poggio Imperiale, distinguiéndose por la ausencia del cartucho evangélico entre las manos del niño. Y, siguiendo con la gran escultura medicea, no hay que perderse el «Maggio» (Apolo) de Antonio Novelli, presentado por Botticelli Antichità ( negociación confidencial), otra de las obras más importantes de esta edición: realizada en mármol apuano, ha sido estudiada por Francesco Caglioti. Se trata de una obra poco conocida, conservada desde siempre en Florencia en manos privadas, que ha sido objeto de una compleja historia de atribución (hasta los años ochenta se atribuyó incluso a Miguel Ángel: así lo creían grandes estudiosos como Alessandro Parronchi y Carlo Ludovico Ragghianti) e incluso iconográfica, y finalmente se atribuyó a Novelli tras minuciosas comparaciones figurativas. Las fuentes mencionan que la obra procede del Palacio Tempi (hoy Bargagli Petrucci) en la plaza de Santa María Sopr’Arno, y se ha relacionado con el ciclo de las dieciocho estatuas de los Meses, las Estaciones, el Tiempo y la Fortuna que Novelli realizó junto con otros escultores por encargo de María de Médicis (el ciclo quedaría posteriormente interrumpido).
El dinamismo coleccionista de los stands de la planta baja también se refleja en el stand de Antonacci Lapiccirella Fine Art, donde se exponen el yeso original de Ritmi, modelado en 1914 por Attilio Selva (entre 100 000 y 200 000 euros), y el cuadro de Giulio Aristide Sartorio titulado *Avvenimento d’arte e di cultura*, a la venta por 150 000 euros: esta última es el redescubrimiento de parte de un gran friso decorativo pintado en grisalla para la Exposición Internacional del Simplón de 1906, enriquecido por Sartorio con pinceladas de color en 1923 con motivo de la travesía por América Latina del buque «Regia Nave Italia». Otros dos paneles del mismo friso han sido adquiridos por el Museo de Orsay de París, lo que ha contribuido al resurgimiento del nombre de Sartorio en el ámbito crítico.
Entre los elementos más curiosos de esta BIAF es imposible no mencionar la historia de las treinta y siete gemas grabadas que pertenecieron al príncipe Stanislaw Poniatowski, a la venta en la galería de Alessandra Di Castro a 5.000 euros cada una: un episodio que dice mucho no solo sobre el coleccionismo neoclásico, sino también sobre la capacidad de lo antiguo para ser reinventado, casi fabricado, cuando no existe. Hay que partir de la premisa de que, durante casi un siglo, cientos de coleccionistas de toda Europa estaban convencidos de poseer piedras grabadas de la Antigüedad griega y romana: pero no lo eran. Detrás de esas gemas, algunas firmadas en letras griegas con nombres de grabadores citados por Plinio el Viejo o por Suetonio, se encontraba en realidad aquel príncipe polaco tan enamorado de lo antiguo que llegó a encargar su fabricación a medida: Stanislaw Poniatowski, sobrino del último rey de Polonia, quien entre 1803 y 1822 encargó en Roma cientos de grabados a los mejores «gemólogos» de la época, haciendo creer que se trataba de hallazgos auténticos. Más de mil setecientos de esos grabados llevaban firmas falsas con nombres extraídos de la literatura clásica; las fuentes señalan como autores materiales principalmente a Luigi Pichler y Giovanni Calandrelli. El príncipe, fallecido en Florencia en 1833, no pretendía crear falsificaciones en sentido estricto: quería vivir inmerso en el sueño de la Antigüedad, tal y como relata el estudioso Francesco Leone en el volumen dedicado a la colección. Estas son las joyas que se pueden ver y adquirir estos días en el stand de la galería Alessandra Di Castro para llevarse a casa, a un precio relativamente módico, un pedazo de esta historia.
Continuando, en Bacarelli 1923 se encuentran dos retratos de gran calidad: un Retrato de Ascanio Piccolomini, V arzobispo de Siena, pintado hacia 1590 por Francesco Vanni, óleo sobre lienzo, y un mármol de Tancredi Pozzi, un Aníbal, ambos con un precio estimado de entre 60 000 y 80 000 euros. El cuadro de Vanni procede de la colección Piccolomini de la Villa di Fagnano, cerca de Siena, que posteriormente pasó a manos de las familias Naldi Bandini y Terrosi Vagnoli. La escultura de mármol, por su parte, representa al condotiero cartaginés en edad madura, con expresión severa y una coraza imaginativa dominada por un protomo leonino que evoca una especie de gorgoneion, la cabeza apotropaica que, en la estatuaria romana, presidía el pecho de emperadores y condotieros. A la Galería Gomiero pertenece, por su parte, la escultura galardonada como la mejor de la Bienal: la «Bacante cansada» de Giovanni Duprè, en mármol estatuario y amarillo de Siena (precio a convenir). Encargada por el rey de Portugal, la escultura representa uno de los puntos álgidos de la etapa neogriega de Duprè, cuando el escultor sienés se inspiraba en la estatuaria clásica y, al mismo tiempo, se acercaba al esteticismo internacional del lema «art pour l’art», que había conocido a través de su amigo Luigi Mussini. La figura, inspirada en la estatuaria neohelenística descubierta por Duprè en Nápoles en 1853, muestra a la bacante abandonada tras la danza dionisíaca, evocada por el clavicordio y la copa derramada en el suelo, con el rostro extático enmarcado por una guirnalda de rositas, símbolo de la vanitas. El propio Duprè contó que había repetido la composición en varias ocasiones: en Manchester, en Londres, en la Casa Imperial de San Petersburgo, en Estados Unidos y, por último, en 1865, para el rey de Portugal.
Los amantes del teatro y de las máscaras de principios del siglo XX encontrarán un lugar ideal en el stand de 800/900 Art Studio, que reúne tres lienzos de Alfredo Müller titulados «La conspiración», «La cita» y «El laberinto» (50 000 euros cada uno). Estas tres obras pertenecen a la serie de las doce «Arlecchinate» realizadas por Müller entre 1918 y 1922 y dotadas de un característico marco en forma de boca del escenario, expuestas en la Galería Pesaro de Milán en 1922 y elogiadas por el crítico Ferdinando Paolieri por su encendida y descarada ficción escénica. El tema, que entrelaza las máscaras de la commedia dell’arte con sugerencias del espectáculo de variedades, parece encierrar una dimensión casi autobiográfica, con Arlequín persiguiendo a Colombina como imagen del amor y la belleza a los que aspirar.
La galería Goldfinch Fine Arts de Génova ofrece un momento de extraordinaria densidad artística, documental y científica. En el stand, justo frente al Retrato de un pintor de Annibale Carracci (que probablemente representa a su hermano Agostino, 80 000 euros), se exponeel «Amorino» de Perin del Vaga, un fragmento de cartón preparatorio para un tapiz de la famosa serie de «Los robos de Júpiter» (precio a convenir). La obra, realizada con tinta, blanco de plomo y colores al temple sobre papel montado sobre lienzo, constituye uno de los rarísimos fragmentos que se conservan de los cartones dibujados por Piero di Giovanni Bonaccorsi, que fue alumno y colaborador de Rafael, para el almirante Andrea Doria con el fin de tejer los seis grandes tapices que representaban a Júpiter y Juno, Júpiter y Io, Júpiter y Semele, Júpiter y Calisto, Júpiter y Alcmena, Júpiter y Danae, destinadas al Palacio del Príncipe, documentadas por el dibujo del Museo Metropolitano de Nueva York. La trayectoria como piezas de colección de estos bocetos es extraordinaria: registrados en los inventarios de los Doria de 1606, han pasado por muchas de las colecciones nobiliarias italianas y europeas más importantes. Adquiridos en 1721 por el duque Felipe II de Borbón-Orléans, los bocetos fueron desmembrados.El Cupido se expuso también en 1892 en el Palazzo Bianco con motivo de las celebraciones colombinas, y hoy ha sido sometido a una minuciosa campaña de diagnóstico por imagen a cargo de Mario Amedeo Lazzari, que ha revelado mediante infrarrojos los detalles de las alas y del escudo subyacente, a lo que siguió la restauración llevada a cabo por Julie Guilmette, quien eliminó las acumulaciones de suciedad y las capas de pintura alteradas, consolidó el lienzo original por el reverso y sacó a la luz la excepcional calidad del dibujo de Perini.
Continuando por la zona este de la planta baja, la exposición reserva otras paradas de primer orden para historiadores del arte y coleccionistas: en el stand de Verdini Antiques, llama la atención de los apasionados de la medición del tiempo un raro y sofisticado reloj nocturno italiano firmado por el relojero Pietro Tomasso Campani, uno de los virtuosos del género (la invención del reloj nocturno se debe precisamente a los hermanos Campani, a quienes el papa Alejandro VII encargó en 1655 la creación de un mecanismo que indicara la hora por la noche sin el habitual tictac), y que data de 1682 (unos 150 000 euros). No muy lejos de allí, la galería milanesa Altomani & Sons expone en una pared una selección de obras maestras renacentistas y del siglo XIV de excelente calidad: la «Virgen con el Niño y vista idealizada de Florencia» de Biagio d’Antonio Tucci, cuadro declarado de interés excepcional por el Estado italiano (220 000 euros); el delicadísimo retablode la Adoración del Niño, óleo sobre tabla estudiado por historiadores de prestigio como Giuliano Briganti, Nicoletta Pons y Andrea De Marchi (280 000 euros), y la solemne predela con fondo dorado de Spinello Aretino, de alrededor de 1395, que representala Adoración de los Reyes Magos, estudiada por Stefan Weppelmann y Gaudenz Freuler (300 000 euros).
A poca distancia, el stand de la galería Alice Fine Art acoge una de las pinturas más aclamadas de esta edición: el Paisaje fluvial con barqueros de Annibale Carracci, galardonado con el prestigioso premio al mejor cuadro de la BIAF 2026, por el que actualmente se están llevando a cabo negociaciones de carácter estrictamente confidencial con un coleccionista privado. La obra data de finales de la década de los ochenta del siglo XVI: se trata de una vista de un paisaje rural atravesado por un río, atribuida por primera vez a Carracci en 1919 por Herman Voss, cuando la obra se encontraba en la colección Platky de Leipzig, para pasar posteriormente por varias otras colecciones privadas. Se trata de uno de los primeros paisajes de Annibale Carracci que conocemos, si no el primer cuadro de este tipo que pintó (es decir, no es un episodio mitológico o bíblico ambientado en un paisaje: aquí al artista no le interesa introducir un elemento narrativo). Un cuadro que destaca por ese tono de fresca naturalidad que lo convierte en una de las obras más interesantes de esta BIAF, una de las que no hay que perderse durante la visita.
La galería Reve Art propone, por su parte, como es habitual, una inmersión en la pintura italiana de finales del siglo XIX y principios del XX. La primera pieza es el gran y complejo lienzo *Ferriera a Malavedo*, pintado en 1928 por Anselmo Bucci y firmado (60 000 euros). La obra representa la planta siderúrgica de Giuseppe y Fratello Redaelli, dirigida por el ingeniero Ernesto Redaelli en Malavedo, cerca de Lecco (que más tarde pasaría a formar parte de las industrias Falck), inmersa en el paisaje prealpino dominado por los tonos azules de las montañas y por el triángulo de luz amarillo verdosa de los prados entre las chimeneas humeantes: pertenece a los años en los que el pintor, de vuelta en Milán tras su experiencia en París y en el frente de la Gran Guerra, se acercó al grupo Novecento para luego alejarse de él, descubriendo entre 1923 y 1930 nuevos temas como el animalismo, el paisaje y la naturaleza muerta. Junto a Bucci, Reve Art expone *Il sogno* de Gaetano Previati, una valiosa composición simbolista de 1908 (40 000 euros), concebida originalmente para la sala de música de Alberto Grubicy y estrechamente vinculada al panel del *Notturno* o *Il silenzio*, conservado en el Vittoriale degli Italiani de Gabriele D’Annunzio: se trata de una obra que cautiva por la figura femenina envuelta en un drapeado representado con la típica técnica divisionista de filamentos luminosos de color bajo un cielo poblado de querubines neorrenacentistas.
El recorrido por la planta baja culmina con gran prestigio gracias a las propuestas de Mirco Cattai y de Fondantico, de Tiziana Sassoli. Mirco Cattai expone una magnífica y rarísima alfombra Ushak de fabricación anatolia que data de mediados del siglo XVI, conservada en condiciones excepcionales y ofrecida por un precio superior a los 200 000 euros. En el stand de Fondantico de Tiziana Sassoli destacan, por su parte, el gran lienzo de Lorenzo Costa que representa a la Virgen con el Niño y los santos Juan Evangelista, Antonio Abad, Sebastián y Juan, a la venta por unos 600 000 euros, y la encantadora pequeña tabla del joven Guercino que representa «La huida a Egipto», redescubierta recientemente (se presentó por primera vez, con un estudio de Daniele Benati, con motivo de la edición de 2025 de Tefaf: la atribución también la confirma otro experto en Guercino, David Stone). Pintada hacia 1615 y en un estado de conservación espléndido, la obra representa a la Sagrada Familia, guiada por San José, huyendo tras el dramático edicto de Herodes, inmersa en un amplio paisaje natural.
Al subir la monumental escalinata que conduce a la planta noble del Palacio Corsini, nos encontramos con otro de los puntos clave de esta BIAF: el stand de Matteo Salamon, donde se exhibe una obra maestra del paisaje del siglo XVIII: El Canal Grande hacia el sureste, desde el Palacio Pesaro hasta el Fondaco dei Tedeschi, de Canaletto (1,5-2 millones de euros). El lienzo, firmado y fechado («Ant. Canal Fecit MDCCXLIV»), sale al mercado del arte tras haber permanecido oculto durante mucho tiempo a los ojos de coleccionistas y aficionados: de hecho, se trata de una obra inédita (salvo por una única reproducción publicitaria en blanco y negro que apareció en 1975 en la revista *Arte Veneta*, cuando la obra se encontraba en la Galería Edmondo Sacerdoti de Milán). El cuadro, que llegó a restauración en condiciones críticas debido a un forrado histórico defectuoso que obligó a realizar una intervención extremadamente delicada de traslado de lienzo a lienzo, resplandece ahora con su renovado y luminoso estilo propio. En el mismo stand, Salamon presenta junto a la obra de Canaletto el retablo de Gaudenzio Ferrari que representa a San Antonio de Padua (100 000-150 000 euros), un fascinante testimonio de una obra maestra desmembrada, dispersa y felizmente reconstruida por la crítica, cuya parte central se encuentra hoy en la Accademia Carrara de Bérgamo (ya hemos hablado del fragmento en estas páginas).
Continuando por las salas de la planta noble, Cantore Galleria Antiquaria presenta tres obras maestras del siglo XVII de gran valor para los coleccionistas: se trata de la luminosa Santa Catalina de Alejandría de Giovanni Baglione (160 000 euros), del intenso Retrato del cardenal Alderano Cybo, pintado por Carlo Maratta (120 000 euros), y del espléndido lienzo *Nosce te ipsum* de Francesco Ruschi (65 000 euros). Esta última obra, publicada recientemente por Martina Leone en una monografía editada por Campisano y de reciente aparición, representa al filósofo Sócrates señalando con gesto severo a un joven discípulo absorto en mirarse en el espejo que sostiene un compañero (el tema, extraído de las Vidas de los filósofos de Diógenes Laercio, era muy apreciado por la Accademia degli Incogniti de Venecia), transformando el lema socrático del conocimiento de los propios límites en una vibrante composición teatral construida sobre luces y sombras en torno a una semicolumna estriada. Una fotografía histórica del Kunsthistorisches Institut de Florencia documenta la presencia de la pintura en el mercado de antigüedades berlinés de los años veinte, expuesta en 1927 en el Warenhaus Wertheim como propiedad de la Galerie Schmidt & Co; posteriormente fue vendida en el mercado alemán, por Neumeister, en 2025. El pintor veneciano Antonio Zanchi retomó su iconografía en varias ocasiones. No muy lejos, Cortona Fine Arts exponela «Alegoría de la Verdad y la Misericordia» de Imperiale Gramatica (por debajo de los 100 000 euros), mientras que Longari Arte propone una valiosa Natividad de Eusebio Oldoni fechada en 1525 (75 000 euros), estudiada en su momento por Roberto Longhi (su informe pericial, escrito a pluma, se reproduce en el stand a modo de leyenda: fue Longhi quien atribuyó la obra a Oldoni basándose en la sigla EVP, que puede descifrarse como «Eusebius Vercellensis Pinxit»).
Un poco más adelante, la galería Berardi dedica una pared entera al pintor del siglo XX Cagnaccio di San Pietro, con una selección de obras cuyos precios oscilan entre los 10 000 y los 80 000 euros. La pintura barroca y las artes decorativas venecianas encuentran un punto de encuentro en el stand de Piva & C., que expone el lienzo de Domenico Parodi que representa a Adón con sus perros (entre 50 000 y 100 000 euros) y un espectacular centro de mesa «Jardín a la italiana», realizado en Murano a mediados del siglo XVIII por la manufactura de Giuseppe Briati (60 000 euros). El interés de los estudiosos de la pintura renacentista se centra, además, en el stand de Brun Fine Art, donde destaca un tondo sobre madera de álamo de 85 centímetros de diámetro que representa a la Virgen amamantando al Niño con el pequeño San Juan en actitud de adoración ( 850 000 euros). La obra, dada a conocer por Gigetta Dalli Regoli en 2007 cuando pertenecía a una colección privada española, se atribuye a Tommaso, maestro anónimo y estrecho colaborador de Lorenzo di Credi, a quien Bernard Berenson definió como una especie de «Doppelgänger», es decir, un doble, del pintor florentino. De un género totalmente distinto es la propuesta de Santa Tecla Srl, que presenta dos pequeñas joyas de Giovanni Battista Tiepolo: el inédito San Roque con su perro (195 000 euros) y el San Antonio de Padua con el Niño Jesús (230 000 euros). El primero pertenece a un conjunto de pequeños lienzos dedicados al santo peregrino, señalado por primera vez por Antonio Morassi en 1950 con trece ejemplares censados, que aumentaron a dieciocho en 1962 y luego se ampliaron gracias a otros estudios hasta incluir también este lienzo. El San Antonio, aunque conocido (a principios del siglo XX fue atribuido por Pompeo Molmenti y Eduard Sack a Giovanni Domenico Tiepolo, hijo de Giovanni Battista, antes de que Morassi, en 1962, lo atribuyera correctamente al joven Giambattista), no volvió a aparecer en el mercado de antigüedades de Génova hasta 2024, y ha sido objeto de una renovada atención por parte de los especialistas.
El recorrido por las salas del Piano Nobile conduce al stand de Flavio Gianassi, donde la historia del coleccionismo florentino resurge con conmovedora evidencia gracias al redescubrimiento de la «Cleopatra» de Domenico Puligo (250 000 euros), que regresa a su hogar, ya que perteneció originalmente a la famosa colección del príncipe Tommaso Corsini y permaneció durante mucho tiempo en las salas del palacio que alberga la BIAF, para luego transmitirse por vía hereditaria. Ampliamente documentada en las guías de Florencia del siglo XIX y en los inventarios históricos, la «Cleopatra» regresa, por tanto, aunque solo sea por unos días, al Palacio Corsini, el mismo lugar en el que se conservó durante generaciones enteras. En el mismo stand, Gianassi presenta junto a «Puligo» otras dos obras de gran interés: la «Madalena penitente» del Maestro de la Madalena de Cascio (175 000 euros), una monumental terracota esmaltada que salió en los años veinte de la ermita de Cascio, en Garfagnana, donde se encontraba antiguamente; una obra muy cercana a la «Madalena» de Donatello que se conserva en el Museo del Duomo de Florencia (y importante también por la técnica: aquí el esmalte no es solo un revestimiento decorativo, sino un instrumento expresivo que, de una manera muy moderna, impulsa la terracota esmaltada hacia un realismo inusual para este material, más propio de la madera), y un refinado fondo dorado, uno de los mejores de esta BIAF: se trata de una obra de Neri di Bicci, que representa a la Virgen con el Niño y dos ángeles adorantes (380 000 euros), que cuenta con una historia documentada poco común, ya que fue encargada en Florencia en 1464 por un tal Antonio di Jacopo y quedó registrada en las Ricordanze del propio Neri di Bicci, el diario del taller que ha llegado hasta nosotros.
En el stand de Giorgio Baratti Antiquario, el público puede admirar otra incorporación fundamental al catálogo del gótico internacional veneciano: la «Virgen de la Humildad» de Zanino di Pietro, documentado en Bolonia y Venecia desde 1389 hasta antes de 1448, un retablo que ha resurgido recientemente de una colección privada y ha sido identificado por Angelo Tartuferi, y que destaca por la extraordinaria elegancia formal de la Virgen con el Niño dormido (190 000 euros) y un notable bajorrelieve que representala Adoración de los Pastores, obra de un escultor que formaba parte del círculo de Giovanni Pietro da Rho (38 000 euros). El siglo XX y el vedutismo del siglo XIX encuentran, por su parte, una acertada representación en el stand de Enrico Gallerie d’Arte, que presenta dos raras tablas de la juventud de Umberto Boccioni que datan de 1907, tituladas Barcos al sol e Impresión de Venecia, que se ofrecen a unos 500 000 euros cada una, junto con dos grandes vistas de Carlo Ferrari, conocido como «Il Ferrarin»: «Piazza delle Erbe » en Verona (250 000 euros) y la «Vista de Venecia » (150 000 euros). Por último, para acompañar al público a la salida, están Paolo Antonacci, que presenta el visionario cuadro *La fête du soleil* de Umberto Brunelleschi como obra principal, y Bottegantica, que expone uno de los cuadros más famosos de Vittorio Matteo Corcos, La hija del pintor en la ventana, realizada en 1909 y citada en las principales reseñas críticas dedicadas a la Belle Époque (como las comisariadas por Durbè en 1965 en Livorno y la de Francesca Dini en 2025 en Pisa, en el Palazzo Blu), que se ofrece por una cifra superior a los 200 000 euros.
Quien garantiza la autenticidad y el estado de conservación de todas estas obras es, como cada año, el proceso de verificación llevado a cabo por el Comité de Selección de la Bienal, que reúne en esta edición a sesenta y tres expertos internacionales —entre restauradores, comisarios y directores de museos—, encargados de examinarlas una por una durante los dos días previos a la apertura al público. La presentación previa con invitación, la presentación para la prensa y la velada inaugural del 24 de septiembre, reservada a directores de museos, estudiosos y coleccionistas llegados de todos los rincones del mundo, han precedido a la jornada reservada a coleccionistas y profesionales del sector del 25 de septiembre, tras lo cual la BIAF abrirá mañana sus puertas a todo el mundo.
Entre los micrograbados de las gemas de Poniatowski, el cartón de Perin del Vaga, la Venecia de Canaletto y las audacias del siglo XX, el Palacio Corsini se reafirma una vez más, como viene haciéndolo desde hace más de treinta ediciones cada dos años, con una puntualidad casi ritual, como uno de esos lugares en los que el coleccionismo busca construir la cultura figurativa. Es, por tanto, inevitable que, al recorrer esta edición de la BIAF, uno se encuentre con una cantidad nada desdeñable de novedades, restauraciones, nuevas investigaciones y reapariciones, que nos recuerdan que el coleccionismo de antigüedades de alto nivel, cuando no se conforma con ser solo antigüedades, puede convertirse también en una forma bastante eficaz de progreso cultural y científico. Por supuesto, el objetivo principal sigue siendo la venta. Y, naturalmente, se vende y se seguirá vendiendo. Algunas de las piezas que ahora están aquí las volveremos a ver colgadas en las paredes de algún museo. Otras desaparecerán en las salas de algún particular en quién sabe dónde, y probablemente no las volveremos a ver jamás. Y sería extraño que una feria de arte antiguo olvidara la existencia del comercio. Sin embargo, la BIAF no es solo un escaparate comercial. Es algo más: una curiosa alianza entre mercado, conservación y conocimiento. Una alianza que sigue otorgando a Italia un papel de liderazgo en el mundo, cuando se recuerda que el pasado puede seguir transformándose en presente.
El autor de este artículo: Federico Giannini
Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2009 ha iniziato a lavorare nel settore della comunicazione su web, con particolare riferimento alla comunicazione per i beni culturali. Nel 2017 ha fondato con Ilaria Baratta la rivista Finestre sull’Arte. Dalla fondazione è direttore responsabile della rivista. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Collabora e ha collaborato con diverse riviste, tra cui Art e Dossier e Left, e per la televisione è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5). Al suo attivo anche docenze in materia di giornalismo culturale all'Università di Genova e all'Ordine dei Giornalisti, inoltre partecipa regolarmente come relatore e moderatore su temi di arte e cultura a numerosi convegni (tra gli altri: Lu.Bec. Lucca Beni Culturali, Ro.Me Exhibition, Con-Vivere Festival, TTG Travel Experience).
La autora de este artículo: Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
La autora de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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