Bruno Fantelli et le projet d'un Kunsthaus dans un château du Monferrato : l'artiste s'exprime

Suivez-nous sur Google DiscoverSources préférées

Pour l’artiste Bruno Fantelli (Cles, 1996), la peinture ne semble pas être apparue comme un choix soudain, mais plutôt comme le prolongement d’une aptitude cultivée depuis l’enfance : dessiner, construire, modifier ce qu’il avait sous les yeux. Formé à l’Académie des Beaux-Arts de Venise, dans l’Atelier F de Carlo Di Raco, Fantelli a développé une recherche qui traverse la peinture, la sculpture et l’installation, construisant un imaginaire peuplé de monstres, d’hybrides et de figures en fuite. Un univers dans lequel convergent des références à l’histoire de l’art, de Bosch à Goya, d’Ensor à Bacon, ainsi que des sources d’inspiration apparemment éloignées, du paysage à la technologie, du consumérisme au tourisme de masse. Après ses années vénitiennes, ses résidences et ses expositions en Italie et à l’étranger, il arrive à Frinco en 2025 pour une résidence et décide ensuite de s’installer dans cette petite commune piémontaise. C’est là que prend forme RADICI. « Généalogie d’un monstre », exposition présentée au château de Frinco (Asti) du 19 septembre au 19 octobre 2026 et construite à partir des œuvres de plus d’une centaine d’artistes qui, à des moments et de différentes manières, ont marqué son parcours. Une généalogie délibérément personnelle et non définitive, qui devient également un moyen de réfléchir à la formation d’un artiste et aux relations qui déterminent sa recherche. Dans cet entretien avec Noemi Capoccia, Fantelli évoque les figures qui l’ont formé, la relation entre le centre et la périphérie, les possibilités offertes par les résidences et la collaboration, mais aussi les contradictions du système artistique italien, de la concurrence aux conditions économiques des artistes. Au cœur de son projet reste l’idée de construire, à Frinco, un espace indépendant capable d’accueillir des artistes, des expositions, des rencontres et des projets : un lieu qui puisse devenir partie intégrante de sa recherche et prendre le nom de Kunsthaus Fantelli.

NC. Comment votre parcours artistique a-t-il commencé ? Quelles expériences et rencontres vous ont orienté vers l’art ?

BF. Je crois que cela a commencé bien avant que je ne comprenne vraiment que cela pouvait devenir un chemin de vie. J’ai toujours dessiné, construit des choses, modifié des objets, avec une certaine difficulté à laisser tel quel ce que j’avais sous les yeux. Avant même l’Académie, certains professeurs du lycée ont joué un rôle important, en particulier Fabio Seppi, Massimo Parolini et Nicola Loizzo. Quand on est très jeune, il suffit de rencontrer quelqu’un qui parvient à voir quelque chose dans ce que l’on fait, peut-être avant même que l’on arrive à le voir clairement soi-même, pour que le cours des choses change considérablement. Chacun d’entre eux, à sa manière, m’a poussé à prendre plus au sérieux ce que je faisais. Puis est venue l’Académie des Beaux-Arts de Venise. J’y ai étudié la peinture et ma rencontre avec Carlo Di Raco et l’Atelier F a été déterminante. C’est là que j’ai compris que se former ne signifie pas simplement apprendre à peindre. Cela signifie observer sans relâche, échanger, discuter, se tromper, observer comment les autres travaillent et surtout comprendre qu’il n’existe pas une seule et unique voie. Venise a ensuite été une seconde Académie. Des expositions, des ateliers, des Biennales et des œuvres vues naître sous mes yeux. Beaucoup de choses qui m’ont formée ne m’ont pas été transmises lors d’un cours, mais à travers des conversations, des nuits passées dans l’atelier ou des erreurs qui, sur le moment, semblaient catastrophiques et qui, quelques années plus tard, se révélaient soudainement utiles. Au final, je crois que mon parcours est né ainsi, en faisant beaucoup de choses sans savoir exactement où elles me mèneraient. Et peut-être que je continue encore à travailler de la même manière.

Après votre formation à l’Académie des Beaux-Arts de Venise et les années passées dans la ville lagunaire, vous êtes arrivé à Frinco en 2025 pour une résidence d’artiste, avant de décider de vous installer dans la région. Quel rôle ce lieu a-t-il joué dans votre parcours et votre recherche ?

Je suis arrivé à Frinco en 2025 pour une résidence artistique. Si quelqu’un m’avait dit qu’un an plus tard, j’achèterais une maison ici et que je m’y installerais, je lui aurais probablement ri au nez. Et pourtant, c’est ce qui s’est passé. Je venais depuis de nombreuses années à Venise, une ville extraordinaire mais extrêmement dense, où l’on est sans cesse confronté à des images, des gens, de l’art, de l’histoire et des sources d’inspiration. Frinco est presque tout le contraire, et c’est peut-être justement pour cela que ce lieu m’a tant marqué. Ici, j’ai trouvé de l’espace, du silence et un rapport très direct avec le territoire et les gens. Le château a sans aucun doute joué un rôle fondamental. Travailler dans un lieu doté d’une histoire et d’une identité aussi fortes m’a immédiatement donné envie d’imaginer quelque chose de plus grand. J’ai probablement une certaine tendance à élaborer des projets démesurés par rapport aux moyens dont je dispose ; je dirais donc que le château s’est trouvé au bon endroit au bon moment. L’histoire que porte le château me fascine également. Pendant la Première Guerre mondiale, il a servi de lieu de captivité pour des centaines de soldats austro-hongrois. Dans une situation extrêmement difficile, des formes d’échange se sont néanmoins développées entre les prisonniers et les habitants du village. Certains fabriquaient de petits objets en bois, notamment des boîtes et des tabatières sculptées, qui sont ensuite passés entre les mains des familles de Frinco. J’aime à penser qu’aujourd’hui encore, le château peut continuer à créer cet échange entre ceux qui viennent y travailler, le village et ceux qui le visitent. L’histoire récente du château m’impressionne également beaucoup. Après l’effondrement de 2014 et les difficultés qui s’ensuivirent pour le centre historique, Luigi Ferrero s’est battu pour que la commune parvienne à l’acquérir. Ce parcours s’est achevé en 2019, au moment même où il a été élu maire, et c’est à partir de là que les travaux de restauration du château ont commencé afin de le rendre au village. Je trouve formidable qu’un lieu qui risquait de devenir un simple problème soit redevenu un espace vivant. Aujourd’hui, aux côtés de l’adjoint au maire Davide Riva, il dirige une administration que je considère comme très éclairée et ouverte à la culture. Ils ont cru en ces projets et m’ont accordé une liberté que je ne considère pas du tout comme acquise, surtout dans une commune aussi petite. C’est aussi cela qui m’a fait comprendre que je ne voulais pas simplement passer par Frinco, y effectuer une résidence, puis repartir. J’ai commencé à penser que cela pourrait devenir un lieu à partir duquel continuer à produire des œuvres, mais aussi à organiser des expositions, des rencontres et des occasions pour d’autres personnes. Frinco n’est pas devenu pour moi un refuge en marge du monde de l’art. Je voudrais que ce soit exactement le contraire, un petit endroit d’où essayer de faire naître de très grandes choses.

Vous avez trente ans et vous ressentez le besoin de raconter vos racines à travers plus d’une centaine d’artistes présents dans l’exposition RADICI. Généalogie d’un monstre, organisée au château de Frinco, dans le Monferrato d’Asti. D’où vient ce besoin ?

L’idée d’organiser une grande exposition collective me trottait dans la tête depuis un certain temps déjà, même si je ne savais pas encore exactement quelle forme elle prendrait. Cette année, le maire de Frinco m’avait proposé de réutiliser les mêmes espaces du château que l’année précédente pour une nouvelle résidence d’artistes. C’était une très belle opportunité, mais j’ai pensé qu’il serait encore plus intéressant d’en profiter pour faire quelque chose de différent. Au lieu de retourner seul dans ces lieux, je voulais essayer d’y faire venir les personnes qui, directement ou indirectement, avaient contribué à forger ce que je suis devenu. C’est de là qu’est vraiment né RADICI. Je souhaitais m’arrêter un instant et essayer de comprendre d’où venait ce que je fais. D’où le sous-titre : « Généalogie d’un monstre ». J’imagine ma recherche comme une créature construite au fil du temps à partir d’une multitude d’éléments différents. Certaines sont encore parfaitement reconnaissables, d’autres se sont mélangées et déformées au point que je ne saurais probablement même plus dire d’où elles viennent. RADICI est aussi né comme une forme de remerciement. Certaines des personnes présentes ne savent peut-être même pas à quel point elles ont influencé ma façon de travailler ou de penser. L’exposition est aussi un moyen de le leur dire. Au final, c’est une sorte d’autoportrait réalisé à travers les œuvres de plus d’une centaine d’autres personnes, ce qui, dit ainsi, constitue également une forme discrète d’appropriation.

Sur la base de quels critères avez-vous choisi les cent artistes qui composent cette généalogie ? Qu’est-ce qui a déterminé votre choix d’inclure une personne plutôt qu’une autre ?

Le critère était très simple : cette personne a-t-elle laissé une trace dans mon parcours ? Je n’ai pas cherché les cent meilleurs artistes, ni les plus célèbres, ni ceux qui auraient pu rendre le programme de l’exposition plus impressionnant. Si j’avais raisonné ainsi, cela aurait été une exposition complètement différente et, surtout, cela n’aurait pas été RADICI. J’ai choisi des liens très différents les uns des autres, certains évidents et d’autres beaucoup plus subtils. Dans certains cas, le rapport avec mon parcours est reconnaissable, dans d’autres, je suis probablement le seul à le percevoir. Et cela ne signifie pas non plus que nous soyons toujours proches sur le plan artistique ou que j’apprécie tout ce qu’ils font. Une généalogie composée uniquement de personnes avec lesquelles on est entièrement d’accord serait assez suspecte. J’ai également voulu impliquer un enfant de Frinco. Pour moi, ce n’était ni une provocation ni une présence placée là pour faire de la couleur. Au contraire, je crois que les enfants possèdent quelque chose que nous, les artistes, passons ensuite toute notre vie à essayer de retrouver. Ils travaillent sans trop se soucier des limites, ils ont une imagination débordante et, surtout, ils savent encore rêver sans se demander immédiatement si ce qu’ils font relève du bon langage, s’il est suffisamment contemporain ou s’il peut intéresser quelqu’un. D’un certain point de vue, je pense que ce sont eux les vrais artistes. Puis nous grandissons et nous commençons à tout compliquer. Ce qui m’intéressait justement, c’était que des personnes aux expériences, aux âges et aux parcours complètement différents puissent cohabiter dans cette exposition. Bien sûr, ce n’est pas une généalogie définitive. C’est le portrait d’un instant. Dans dix ans, elle pourrait être complètement différente et j’en arriverais peut-être à deux cents artistes. Dans ce cas, j’espère simplement que la prochaine édition de RADICI sera organisée par quelqu’un d’autre : cette fois-ci, j’ai presque tout fait tout seul et j’ai compris que, plus qu’une exposition, cela ressemblait par moments à une épreuve d’endurance.

Dans quelle mesure les artistes que vous avez rencontrés et connus au cours de votre parcours artistique ont-ils influencé votre travail ? Y a-t-il des figures que vous considérez comme particulièrement importantes pour ce que vous êtes devenu artistiquement ?

Énormément, probablement plus que je ne peux moi-même le retracer. Mais avant même de parler d’artistes, je dois commencer par mes parents. Ils m’ont toujours soutenu, même dans les moments où continuer à être artiste pouvait sembler la décision la moins rassurante qui soit. Avoir quelqu’un qui croit en ce que l’on fait quand tout va bien, c’est bien. L’avoir quand les choses vont mal, c’est bien plus important encore. Une partie du chemin que j’ai parcouru est également possible grâce à eux. Parmi les figures qui m’ont le plus marqué, il y a sans aucun doute Carlo Di Raco. Plutôt que de m’indiquer une manière précise de peindre, il a créé, autour de l’Atelier F, un environnement où l’échange était permanent et où l’on apprenait énormément, ne serait-ce qu’en regardant les autres travailler. Cette idée de l’atelier comme un lieu vivant, et non simplement comme une salle de classe, a été fondamentale pour moi. Les étudiants plus âgés m’ont également beaucoup influencé. Quand ils revenaient pour les ateliers d’été à Forte Marghera, à l’occasion d’événements comme Antares, ou lorsqu’ils nous impliquaient, nous les plus jeunes, dans leurs projets, on voyait concrètement ce qui pouvait se passer en dehors de l’Académie. Cette transmission entre générations, très spontanée, m’a formé davantage que les cours. Puis sont venues des rencontres très différentes. Luca Massimo Barbero, par exemple, est l’une des personnes que je me dois de remercier. Le fait d’avoir été impliqué dès mon plus jeune âge dans un projet comme Venice Time Case et d’avoir pu échanger avec une personnalité dotée d’une telle expérience m’a donné une perception différente des possibilités de mon travail. J’ai fait la connaissance de Francesco Antonio Lepore, directeur des Musées municipaux d’Asti, l’année dernière lors d’un échange sur les résidences d’artistes et sur la possibilité de redonner vie à des lieux grâce à l’art. Depuis lors, il m’a apporté un soutien sans faille, en nous faisant visiter les Musées municipaux, en contribuant à faire connaître RADICI et en me mettant en relation avec des personnes. Ce sont des gestes qui peuvent paraître insignifiants, mais qui, pour un artiste, font toute la différence. Et puis je dois bien sûr remercier la famille Raffaelli et toute l’équipe de leurs galeries [ndlr : Studio d’Arte Raffaelli et Cellar Contemporary Art]. Ils m’ont soutenu artistiquement et humainement, même dans les moments difficiles. Dans le monde de l’art, on parle beaucoup des expositions quand elles marchent bien, et beaucoup moins des relations qui existent en coulisses, surtout dans les périodes les plus compliquées. Pour moi, ce soutien a eu un poids réel. Ce ne sont que quelques exemples, pas un classement. Chacun est entré dans mon parcours à un moment différent et pour des raisons différentes.

Qui vous inspire aujourd’hui dans la réalisation de vos œuvres ? Quels artistes, outre ceux présents dans RADICI, vous semblent les plus proches de votre démarche ?

Il y a des artistes que je continue à suivre depuis très longtemps. Goya, Bosch et Ensor font probablement partie de ceux dont je me sens le plus proche, en raison de leur capacité à mêler ironie, violence, grotesque, chaos et humanité. Parmi mes références fondamentales, je citerais également Bruegel, surtout pour sa capacité à construire des scènes bondées où se déroulent simultanément une multitude d’événements. Je me sens proche de Rosso Fiorentino surtout pour la couleur, tandis que Grünewald m’attire par la physicalité exaspérée et presque surnaturelle des corps. Puis, bien sûr, Francis Bacon, pour la chair, la déformation et la violence de l’image, et Max Ernst, pour la liberté de l’imaginaire et la capacité à construire des images qui semblent provenir d’un monde régi par ses propres règles. Je m’inspire aussi beaucoup de Picasso et de Lucio Fontana, mais pour des raisons différentes. Ce qui m’intéresse, c’est la liberté, la transformation continue, la relation physique avec la matière et surtout la possibilité de ne pas rester prisonnier d’un langage unique. Pour moi, les influences doivent s’intégrer à l’œuvre, être assimilées et peut-être devenir presque méconnaissables. Si l’on observe trop un artiste et que l’on finit simplement par reproduire ses codes, on risque de tomber dans un maniérisme ennuyeux. L’important n’est pas de ressembler à ses références, mais de s’en inspirer, de les transformer et de les intégrer à un langage personnel. Cela dit, je ne travaille pratiquement jamais en me disant : « Maintenant, je vais faire quelque chose inspiré de tel artiste ». Les images peuvent provenir de n’importe quoi. D’un paysage de montagne, des animaux, de la technologie, du tourisme de masse, du consumérisme, d’un composant électronique, d’un bateau de croisière, d’un jouet ou de quelque chose d’absurde vu dans la rue. Ce qui m’intéresse vraiment, c’est de faire voler en éclats les hiérarchies. Au sein d’une même œuvre peuvent cohabiter Bosch, Bacon ou Bruegel et une bêtise vue cinq minutes plus tôt sur mon téléphone. D’ailleurs, parfois, une bêtise peut même s’avérer plus utile.

Quelles tendances percevez-vous aujourd’hui dans la peinture contemporaine italienne ? Y a-t-il des orientations que vous jugez particulièrement intéressantes ou, au contraire, des aspects du système artistique italien qui vous convainquent moins ?

Je constate de nombreuses recherches intéressantes et une grande variété de langages. Je ne pense pas qu’il existe aujourd’hui une direction unique de la peinture italienne, et heureusement, car ce serait assez déprimant. Ce qui m’intéresse avant tout, ce sont ceux qui parviennent à construire un imaginaire personnel sans trop se soucier de suivre la mode du moment. Le problème, si tant est qu’il y en ait un, c’est le système qui gravite autour des artistes. Aujourd’hui, il y a énormément d’artistes, peut-être même trop, et je ne pense pas que tout ce qui fait l’objet d’une promotion intensive soit nécessairement fort sur le plan artistique. Il existe des artistes très talentueux qui restent presque invisibles et d’autres qui sont soudainement mis en avant, sponsorisés et présentés partout parce qu’à ce moment-là, ils correspondent parfaitement à une certaine tendance esthétique ou culturelle. Bien sûr, je ne pense pas qu’il puisse exister une commission suprême chargée de déterminer qui est un véritable artiste. Ce serait terrifiant. Mais je continue de penser que le talent, la recherche, les compétences, la nécessité et le dévouement ont leur importance, et j’ai parfois l’impression que le système les oublie. Il existe aussi de petits milieux qui s’autolégitiment. Ceux que j’appelle en plaisantant les « Maionesi » : des artistes, des commissaires d’exposition, des galeristes qui se soutiennent sans cesse et finissent par créer une sorte de sauce très compacte dans laquelle soit on est intégré, soit il devient difficile ne serait-ce que de goûter le plat. Une autre chose que je perçois beaucoup en Italie, c’est la jalousie. Entre artistes, mais aussi entre artistes, galeristes et commissaires d’exposition, on a parfois l’impression qu’on dépense plus d’énergie à défendre de petits fiefs qu’à construire quelque chose ensemble. C’est une attitude que j’ai du mal à comprendre. Si un artiste que je connais prend de l’ampleur, cela ne signifie pas que je doive automatiquement perdre de l’importance. Je crois exactement le contraire : un milieu culturel devient plus fort lorsque les gens s’entraident, se transmettent des opportunités, discutent, créent des projets et font circuler les possibilités. On grandit bien davantage ensemble qu’en cherchant sans cesse à se mettre des bâtons dans les roues. Il y a ensuite une question économique dont on parle, à mon avis, encore trop peu. Très souvent, l’artiste est le maillon le plus fragile de la chaîne : il produit, avance de l’argent, paie les matériaux, l’atelier et les transports, consacre des mois, voire des années, à son travail et assume pratiquement tout le risque. Et il peut arriver que ce soit justement lui qui doive courir après les informations concernant ses œuvres, les décomptes ou les rémunérations qui lui reviennent, alors qu’autour de son travail, certains semblent disposer de bien plus de temps libre. Car l’artiste ne vit pas de petits cœurs, de « j’aime » ou de « bravo, beau travail ». Il a besoin d’argent pour vivre et pour continuer à travailler. Et malheureusement, la plupart des artistes sont contraints d’exercer un autre métier. Il n’y a rien de mal à cela, bien au contraire : d’autres métiers peuvent t’apprendre énormément, et cela m’est arrivé. Le problème, c’est quand ils t’éloignent de ta recherche ou ne te permettent pas de lui donner une continuité. En Italie, surtout en ce qui concerne les jeunes artistes, on investit encore trop peu à mon avis. Je trouve cela assez grotesque. Bien sûr, cela ne vaut pas pour tout le monde. J’ai rencontré des commissaires d’exposition, des galeristes et des personnes extrêmement sérieuses et généreuses, et c’est justement pour cela que je sais qu’une autre façon de travailler est possible. Il existe en effet des initiatives auxquelles je crois beaucoup. Je pense à Dolomiti Contemporanee, avec laquelle j’ai eu l’occasion de travailler tant à Casso que dans l’ancien village ENI de Borca di Cadore. J’y ai découvert une conception de l’art contemporain qui me touche particulièrement : il ne s’agit pas simplement d’exposer des œuvres dans un espace, mais d’utiliser l’art pour redynamiser des lieux, créer des liens et rassembler les artistes, le territoire et les gens. Je pense également à la Fondation Malutta, dont je fais partie. C’est une structure à laquelle je suis très attaché précisément parce qu’elle est née des artistes et de la volonté de construire ensemble des occasions de rencontre, des échanges et des projets. Dans un système où l’individualisme et la compétition prévalent souvent, des expériences de ce type démontrent que la collaboration n’est pas seulement un beau mot, mais qu’elle peut concrètement devenir une autre façon de travailler. Une chose qui m’a beaucoup marqué dans les expériences de résidence, c’est de voir des artistes qui, en partant justement de ce genre d’expériences, ont ensuite construit leurs propres réalités : des espaces indépendants, des lieux de rencontre et des projets partagés. J’aime l’idée qu’une résidence ne s’achève pas simplement quand on rentre chez soi, mais qu’elle puisse continuer à générer d’autres lieux, d’autres relations et d’autres possibilités. Et enfin, l’artiste transformé en marque ne me convainc guère. Tu réalises un tableau qui marche et, soudain, on dirait que tu dois le produire en vingt-cinq variantes pour les quarante prochaines années. Personnellement, je préfère prendre le risque de faire quelques œuvres ratées plutôt que de devenir l’usine de la version numéro 73 de moi-même.

Quelle place pensez-vous occuper, avec votre recherche, au sein du paysage artistique italien ?

Je n’en ai pas la moindre idée, ce qui est peut-être déjà une réponse. Et sincèrement, pour l’instant, je ne ressens même pas vraiment le besoin de trouver une case précise dans laquelle me glisser. L’une des choses que j’ai comprises ces dernières années, c’est qu’attendre que quelqu’un décide où te placer peut devenir un piège. Le parcours de l’artiste est encore souvent décrit selon une succession assez précise : académie, commissaire d’exposition, galerie, expositions, reconnaissance et peut-être, après plusieurs années et un certain temps passé dans les coulisses, quelqu’un certifie officiellement que vous existez. Je souhaite bien sûr continuer à travailler avec des galeries, des commissaires d’exposition et des institutions lorsqu’il s’agit de relations sérieuses et intéressantes. Je ne suis pas contre le système de l’art. Je ne veux simplement pas que la possibilité de faire quelque chose dépende entièrement de l’approbation de quelqu’un d’autre. RADICI est né en partie de cette réflexion. Personne ne serait probablement venu me dire : « Bruno, que dirais-tu de prendre un château dans un village du Monferrato et de le remplir de plus d’une centaine d’artistes qui ont marqué ta vie ? ». Alors je l’ai fait moi-même. Je ne pense plus que le centre et la périphérie dépendent simplement de la géographie. On peut se trouver au cœur de Milan et être complètement périphérique dans ses idées, ou bien être à Casso ou à Frinco et réussir à mobiliser des personnes venues de très loin. Ma recherche part de la peinture, mais au fil des années, elle s’est étendue à la sculpture, à l’installation et à des matériaux très divers. C’est aussi pour cela que j’ai du mal à m’imaginer dans une définition trop précise. Si je devais vraiment dire quel espace j’aimerais occuper, je dirais un espace suffisamment libre pour me permettre de continuer à être artiste tout en créant des occasions, en invitant d’autres personnes, en collaborant et peut-être en contribuant à faire grandir quelque chose autour de moi. Et c’est ce que j’essaie de faire en ce moment, y compris concrètement. J’ai acheté une maison à Frinco et j’aimerais qu’avec le temps, elle devienne bien plus que ma simple maison : un lieu dédié aux résidences d’artistes, aux rencontres, à la musique, au théâtre, aux ateliers, aux conversations, aux personnes qui viennent et laissent quelque chose derrière elles. Au fond, j’essaie de construire concrètement le petit monde dans lequel j’aimerais travailler. Ce monde a déjà un nom : Kunsthaus Fantelli.

L'auteur de cet article: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.