Para el artista Bruno Fantelli (Cles, 1996), la pintura no parece haber surgido como una elección repentina, sino como la continuación de una inclinación cultivada desde la infancia: dibujar, construir y modificar lo que tenía delante. Formado en la Academia de Bellas Artes de Venecia, en el Atelier F de Carlo Di Raco, Fantelli ha desarrollado una investigación que abarca la pintura, la escultura y la instalación, construyendo un imaginario poblado de monstruos, híbridos y figuras en fuga. Un universo en el que confluyen referencias de la historia del arte, desde El Bosco hasta Goya, desde Ensor hasta Bacon, junto con estímulos aparentemente lejanos, desde el paisaje hasta la tecnología, desde el consumismo hasta el turismo de masas. Tras sus años en Venecia, las residencias y las experiencias expositivas en Italia y en el extranjero, en 2025 llega a Frinco para una residencia y decide luego establecerse en este pequeño municipio piamontés. Es aquí donde toma forma RADICI. Genealogía de un monstruo, exposición montada en el Castillo de Frinco (Asti) del 19 de septiembre al 19 de octubre de 2026 y construida a partir de las obras de más de cien artistas que, en diferentes momentos y de diversas maneras, han influido en su trayectoria. Una genealogía deliberadamente personal y no definitiva, que se convierte también en una forma de reflexionar sobre la formación de un artista y sobre las relaciones que determinan su búsqueda. En esta entrevista con Noemi Capoccia, Fantelli habla de las figuras que le han formado, de la relación entre el centro y la periferia, de las posibilidades que ofrecen las residencias y la colaboración, pero también de las contradicciones del sistema artístico italiano, desde la competencia hasta las condiciones económicas de los artistas. En el centro sigue estando la idea de construir, en Frinco, un espacio independiente capaz de acoger a artistas, exposiciones, encuentros y proyectos: un lugar que pueda convertirse en parte integrante de su investigación y que reciba el nombre de Kunsthaus Fantelli.
NC. ¿Cómo surge su trayectoria artística? ¿Cuáles han sido las experiencias y los encuentros que le han llevado a dedicarse al arte?
BF. Creo que empezó mucho antes de que comprendiera realmente que pudiera convertirse en un camino de vida. Siempre he dibujado, construido cosas, modificado objetos, con cierta dificultad para dejar tal cual lo que tenía delante. Incluso antes de la Academia, fueron importantes algunos profesores del instituto, en particular Fabio Seppi, Massimo Parolini y Nicola Loizzo. Cuando eres muy joven, basta con encontrar a alguien que sea capaz de ver algo en lo que haces, quizá incluso antes de que tú mismo puedas verlo con claridad, para que el rumbo de las cosas cambie considerablemente. Cada uno de ellos, a su manera, me hizo tomarme más en serio lo que estaba haciendo. Luego llegó la Academia de Bellas Artes de Venecia. Estudié pintura y el encuentro con Carlo Di Raco y con el Atelier F fue fundamental. Allí comprendí que formarse no significa simplemente aprender a pintar. Significa observar mucho, confrontarse, debatir, equivocarse, ver cómo trabajan los demás y, sobre todo, comprender que no existe un único camino correcto. Venecia fue, luego, una segunda Academia. Exposiciones, estudios, Bienales y obras que veía surgir. Muchas de las cosas que me han formado no llegaron durante una clase, sino a través de conversaciones, noches en el estudio o errores que en ese momento parecían catástrofes y que, unos años después, de repente resultaban útiles. Al final, creo que mi trayectoria surgió así, haciendo muchas cosas sin saber exactamente adónde me llevarían. Y quizá sigo trabajando de la misma manera.
Tras formarte en la Academia de Bellas Artes de Venecia y pasar varios años en la ciudad lacustre, en 2025 llegaste a Frinco para una residencia artística, hasta que decidiste instalarte en la zona. ¿Qué papel ha desempeñado este lugar en tu trayectoria y en tu investigación?
Llegué a Frinco en 2025 para una residencia artística. Si alguien me hubiera dicho que un año después compraría una casa aquí y me mudaría, probablemente me habría reído en su cara. Y, sin embargo, así fue. Llevaba muchos años yendo a Venecia, una ciudad extraordinaria pero muy densamente poblada, donde continuamente te encuentras con imágenes, gente, arte, historia y estímulos. Frinco es casi lo contrario y quizá precisamente por eso me ha impactado tanto. Aquí he encontrado espacio, silencio y una relación muy directa con el territorio y con la gente. El castillo ha desempeñado sin duda un papel fundamental. Trabajar en un lugar con una historia y una identidad tan fuertes me hizo sentir enseguida el deseo de imaginar algo más grande. Probablemente tengo cierta tendencia a hacer proyectos desproporcionados en relación con los medios de que dispongo, así que diría que el castillo llegó al lugar adecuado en el momento adecuado. También me fascina la historia que arrastra el castillo. Durante la Primera Guerra Mundial se utilizó como lugar de prision para cientos de soldados austrohúngaros. En una situación muy dura, entre los prisioneros y los habitantes del pueblo surgieron, no obstante, formas de intercambio. Algunos fabricaban pequeños objetos de madera, entre ellos cajas y tabaqueras talladas, que luego pasaron a manos de las familias de Frinco. Me gusta pensar que, incluso hoy en día, el castillo puede seguir propiciando este intercambio entre quienes vienen a trabajar, el pueblo y quienes lo visitan. También me llama mucho la atención la historia reciente del castillo. Tras el derrumbe de 2014 y las dificultades que ello supuso para el casco histórico, Luigi Ferrero luchó para que el Ayuntamiento lograra adquirirlo. El proceso concluyó en 2019, justo cuando fue elegido alcalde, y a partir de ahí comenzaron los trabajos para rehabilitar el castillo y devolverlo al pueblo. Me parece maravilloso que un lugar que corría el riesgo de convertirse únicamente en un problema haya vuelto a ser, en cambio, un espacio lleno de vida. Hoy, junto con el teniente de alcalde Davide Riva, dirige una administración que considero muy progresista y abierta a la cultura. Han creído en los proyectos y me han dado una libertad que no doy por sentada en absoluto, sobre todo en un municipio tan pequeño. Esto también me hizo darme cuenta de que no quería simplemente pasar por Frinco, hacer una residencia y luego marcharme. Empecé a pensar que podría convertirse en un lugar desde el que seguir creando obras, pero también organizar exposiciones, encuentros y oportunidades para otras personas. Frinco no se ha convertido para mí en un refugio alejado del mundo del arte. Me gustaría que fuera exactamente lo contrario: un lugar pequeño desde el que intentar poner en marcha cosas muy grandes.
Tiene treinta años y siente la necesidad de contar sus raíces a través de más de cien artistas presentes en la exposición «RADICI. Genealogía de un monstruo», montada en el Castillo de Frinco, en el Monferrato astigiano. ¿De dónde surge esta necesidad?
La idea de organizar una gran exposición colectiva llevaba ya un tiempo rondándome la cabeza, aunque aún no sabía exactamente qué forma adoptaría. Este año, el alcalde de Frinco me había propuesto volver a utilizar los mismos espacios del castillo que el año anterior para una nueva residencia artística. Era una oportunidad estupenda, pero pensé que sería aún más interesante aprovecharla para hacer algo diferente. En lugar de volver solo a esos espacios, quería intentar llevar allí a las personas que, directa o indirectamente, habían contribuido a forjar lo que soy hoy. De ahí surgió realmente «RADICI». Me interesaba detenerme un momento e intentar comprender de dónde viene lo que hago. De ahí también el subtítulo: «Genealogía de un monstruo». Me imagino mi búsqueda como una criatura construida con el tiempo a partir de muchísimas piezas diferentes. Algunas siguen siendo perfectamente reconocibles, otras se han mezclado y deformado hasta tal punto que probablemente ya ni siquiera sabría decir de dónde provienen. RADICI surge también como una forma de agradecimiento. Quizá algunas de las personas presentes ni siquiera sepan hasta qué punto han influido en mi forma de trabajar o de pensar. La exposición es también una forma de decírselo. Al fin y al cabo, es una especie de autorretrato realizado a través de las obras de más de cien personas, lo que, dicho así, también es una forma discreta de apropiación.
¿En qué criterios se ha basado para elegir a los cien artistas que componen esta genealogía? ¿Qué ha determinado la decisión de incluir a una persona en lugar de a otra?
El criterio era muy sencillo: ¿ha dejado esta persona alguna huella en mi trayectoria? No he buscado a los cien mejores artistas, ni a los más famosos, ni a aquellos que pudieran hacer que el currículum de la exposición resultara más impresionante. Si hubiera razonado así, habría sido una exposición completamente diferente y, sobre todo, no habría sido RADICI. He elegido vínculos muy diferentes entre sí, algunos evidentes y otros mucho más sutiles. En algunos casos, la relación con mi trayectoria es reconocible; en otros, probablemente solo yo la reconozco. Y tampoco significa que, artísticamente, siempre estemos cerca o que me guste todo lo que hacen. Una genealogía compuesta únicamente por personas con las que estás totalmente de acuerdo resultaría bastante sospechosa. También he querido incluir a un niño de Frinco. Para mí no ha sido una provocación ni una presencia colocada ahí para dar color. Al contrario, creo que los niños tienen algo que nosotros, los artistas, nos pasamos toda la vida intentando recuperar. Trabajan sin preocuparse demasiado por las limitaciones, tienen una imaginación enorme y, sobre todo, aún saben soñar sin preguntarse inmediatamente si lo que están haciendo pertenece al lenguaje adecuado, si es lo suficientemente contemporáneo o si puede interesar a alguien. Desde cierto punto de vista, creo que ellos son los verdaderos artistas. Luego crecemos y empezamos a complicarlo todo. Me interesaba precisamente que en la exposición pudieran convivir personas con experiencias, edades y trayectorias completamente diferentes. Por supuesto, no es una genealogía definitiva. Es la instantánea de un momento. Dentro de diez años podría ser completamente diferente y quizá llegue a los doscientos artistas. En ese caso, solo espero que la próxima RADICI la monte otra persona: esta vez lo he hecho casi todo yo solo y me he dado cuenta de que, más que una exposición, por momentos parecía una prueba de resistencia.
¿En qué medida han influido los artistas con los que se ha encontrado y a los que ha conocido a lo largo de su trayectoria artística? ¿Hay figuras que considere especialmente importantes para lo que ha llegado a ser artísticamente?
Muchísimo, probablemente más de lo que yo mismo soy capaz de recordar. Sin embargo, antes incluso de hablar de artistas, tengo que empezar por mis padres. Siempre me han apoyado, incluso en los momentos en los que seguir siendo artista podía parecer la decisión menos segura posible. Tener a alguien que cree en lo que haces cuando las cosas van bien es estupendo. Tenerlo cuando las cosas van mal es mucho más importante. Parte del camino que he recorrido ha sido posible también gracias a ellos. Entre las figuras que más han influido se encuentra, sin duda, Carlo Di Raco. Más que indicarme una forma concreta de pintar, creó en torno al Atelier F un ambiente en el que el intercambio era constante y en el que se aprendía muchísimo incluso observando a los demás trabajar. Esta idea del taller como un lugar vivo, y no simplemente como una clase, ha sido fundamental para mí. También me han influido mucho los alumnos de cursos superiores. Cuando volvían para los talleres de verano en Forte Marghera, en ocasiones como Antares, o cuando nos involucraban a los más jóvenes en sus proyectos, veías de forma concreta lo que podía suceder fuera de la Academia. Esa transmisión entre generaciones, muy espontánea, me ha formado más que las clases. Después vinieron encuentros muy diversos. Luca Massimo Barbero, por ejemplo, es una de las personas a las que siento que debo dar las gracias. Participar de joven en un proyecto como Venice Time Case y confrontarme con una figura con su experiencia me dio una percepción diferente de las posibilidades de mi trabajo. A Francesco Antonio Lepore, director de los Museos Cívicos de Asti, lo conocí el año pasado durante un debate sobre las residencias artísticas y la posibilidad de dar nueva vida a los lugares a través del arte. Desde entonces me ha apoyado con gran disposición, organizándonos una visita a los Museos Cívicos, contribuyendo a dar a conocer RADICI y poniéndome en contacto con otras personas. Son gestos que parecen pequeños, pero que para un artista marcan la diferencia. Y, por supuesto, tengo que dar las gracias a la familia Raffaelli y a todo el personal de sus galerías [ndr: Studio d’Arte Raffaelli y Cellar Contemporary Art]. Me han apoyado tanto artística como humanamente, incluso en momentos difíciles. En el mundo del arte se habla muchísimo de las exposiciones cuando salen bien y mucho menos de las relaciones que hay detrás, sobre todo en los momentos más complicados. Para mí, ese apoyo ha tenido un peso real. Son algunos ejemplos, no una clasificación. Cada uno ha entrado en mi trayectoria en un momento diferente y por razones distintas.
¿En quién te inspiras hoy en día a la hora de crear tus obras? ¿Qué artistas, además de los que participan en RADICI, sientes más cercanos a tu búsqueda?
Hay artistas a los que sigo observando desde hace muchísimo tiempo. Goya, El Bosco y Ensor se encuentran probablemente entre los que siento más cercanos por su capacidad para combinar ironía, violencia, lo grotesco, el caos y la humanidad. Entre las referencias fundamentales incluiría también a Bruegel, sobre todo por esa capacidad de construir escenas abarrotadas en las que suceden muchísimas cosas al mismo tiempo. A Rosso Fiorentino lo siento cercano sobre todo por el color, mientras que a Grünewald, por la fisicidad exagerada y casi antinatural de los cuerpos. Luego, sin duda, Francis Bacon, por la carne, la deformación y la violencia de la imagen, y Max Ernst, por la libertad de lo imaginario y la capacidad de crear imágenes que parecen proceder de un mundo con reglas propias. También miro mucho a Picasso y a Lucio Fontana, pero por razones diferentes. Me interesan la libertad, la transformación continua, la relación física con la materia y, sobre todo, la posibilidad de no quedarme prisionero de un único lenguaje. Para mí, las influencias deben integrarse en la obra, ser asimiladas y, tal vez, llegar a ser casi irreconocibles. Si te fijas demasiado en un artista y acabas simplemente repitiendo sus formas, corres el riesgo de caer en un manierismo aburrido. La cuestión no es parecerse a tus referentes, sino tomar algo de ellos, transformarlo y convertirlo en parte de un lenguaje personal. Dicho esto, prácticamente nunca trabajo pensando: «Ahora voy a hacer algo inspirado en este artista». Las imágenes pueden provenir de cualquier cosa. Del paisaje montañoso, de los animales, de la tecnología, del turismo de masas, del consumismo, de un componente electrónico, de un crucero, de un juguete o de algo absurdo visto por la calle. Lo que me interesa precisamente es romper las jerarquías. En una obra pueden convivir Bosch, Bacon o Bruegel y una tontería vista cinco minutos antes en el móvil. Es más, a veces una tontería puede resultar incluso más útil.
¿Qué tendencias vislumbra hoy en día en la pintura italiana contemporánea? ¿Hay corrientes que le parezcan especialmente interesantes o, por el contrario, aspectos del sistema artístico italiano que le convenzan menos?
Veo muchas investigaciones interesantes y una gran variedad de lenguajes. No creo que exista hoy en día una única corriente en la pintura italiana y, menos mal, porque sería bastante deprimente. Me interesan sobre todo aquellos que logran construir un imaginario personal sin preocuparse demasiado por seguir la moda del momento. El problema, si acaso, es el sistema que gira en torno a los artistas. Hoy en día hay muchísimos artistas, quizá incluso demasiados, y no creo que todo lo que se promociona con fuerza sea necesariamente fuerte desde el punto de vista artístico. Hay artistas muy buenos que pasan casi desapercibidos y otros a los que, de repente, se les promociona, se les patrocina y se les presenta por todas partes porque en ese momento encajan perfectamente en una determinada tendencia estética o cultural. Por supuesto, no creo que pueda existir una comisión suprema encargada de determinar quién es un verdadero artista. Sería aterrador. Sin embargo, sigo pensando que el talento, la investigación, la capacidad, la necesidad y la dedicación tienen su peso, y a veces tengo la impresión de que el sistema se olvida de ello. Luego existen pequeños círculos que se autolegitiman. Esos a los que, en broma, llamo los «Maionesi»: artistas, comisarios y galeristas que se apoyan mutuamente sin cesar y acaban creando una especie de salsa muy espesa en la que, o estás dentro, o resulta difícil incluso probar el plato. Otra cosa que percibo mucho en Italia es la envidia. Entre artistas, pero también entre artistas, galeristas y comisarios; a veces parece que se gasta más energía en defender pequeños feudos que en construir algo juntos. Es una actitud que me cuesta entender. Si un artista que conozco crece, eso no significa que yo tenga que perder importancia automáticamente. Creo exactamente lo contrario: un entorno cultural se fortalece cuando las personas se ayudan, se pasan oportunidades, debaten, crean proyectos y hacen circular posibilidades. Se crece mucho más juntos que intentando obstaculizarse continuamente. Además, hay una cuestión económica de la que, en mi opinión, todavía se habla muy poco. Muy a menudo, el artista es el eslabón más frágil de la cadena: produce, adelanta dinero, paga los materiales, el estudio y los transportes, dedica meses o años al trabajo y asume prácticamente todo el riesgo. Y puede ocurrir que sea precisamente él quien tenga que ir tras la información sobre sus propias obras, las liquidaciones o las remuneraciones que le corresponden, mientras que, en torno a su trabajo, parece que alguien tiene decididamente mucho más tiempo libre. Porque, al fin y al cabo, el artista no vive de corazoncitos, de «me gusta» o de «enhorabuena, buen trabajo». Necesita dinero para vivir y para seguir trabajando. Y, por desgracia, la mayoría de los artistas se ve obligada a tener otro trabajo. No hay nada de malo en ello, al contrario: otros trabajos pueden enseñarte muchísimo y a mí me ha pasado. El problema surge cuando te alejan de la investigación o no te permiten darle continuidad. En Italia, sobre todo en lo que respecta a los jóvenes artistas, en mi opinión todavía se invierte muy poco. Me parece una contradicción bastante grotesca. Por supuesto, no es así para todos. He conocido a comisarios, galeristas y personas extremadamente serias y generosas, y precisamente por eso sé que es posible otra forma de trabajar. De hecho, hay iniciativas en las que creo firmemente. Pienso en «Dolomiti Contemporanee», con la que he tenido la oportunidad de trabajar tanto en Casso como en el antiguo «Villaggio ENI» de Borca di Cadore. Allí he encontrado una forma de entender el arte contemporáneo con la que me siento muy identificado: no se trata simplemente de exponer obras en un espacio, sino de utilizar el arte para revitalizar lugares, crear relaciones y reunir a artistas, territorio y personas. Y también pienso en la Fundación Malutta, de la que formo parte. Es una iniciativa a la que estoy muy vinculado precisamente porque surge de los propios artistas y de la voluntad de construir juntos oportunidades, intercambios y proyectos. En un sistema en el que a menudo prevalecen el individualismo y la competencia, experiencias de este tipo demuestran que la colaboración no es solo una bonita palabra, sino que puede convertirse, de forma concreta, en una forma diferente de trabajar. Algo que me ha llamado mucho la atención en las experiencias de residencia es ver cómo algunos artistas, partiendo también de experiencias de este tipo, han acabado creando sus propias realidades: espacios independientes, lugares de encuentro y proyectos compartidos. Me gusta la idea de que una residencia no termine simplemente al volver a casa, sino que pueda seguir generando otros lugares, relaciones y posibilidades. Y, por último, no me convence mucho el artista convertido en marca. Haces un cuadro que tiene éxito y, de repente, parece que tienes que producirlo en veinticinco variantes durante los próximos cuarenta años. Personalmente, prefiero arriesgarme a hacer incluso alguna obra fallida antes que convertirme en la fábrica de la versión número 73 de mí mismo.
¿Qué espacio cree que ocupa, con su investigación, dentro del panorama artístico italiano?
No tengo ni la más mínima idea, lo cual quizá ya sea una respuesta. Y, sinceramente, en este momento ni siquiera siento demasiada necesidad de encontrar un cajón concreto en el que encajar. Una de las cosas que he comprendido en los últimos años es que esperar a que alguien decida dónde situarte puede convertirse en una trampa. La trayectoria del artista todavía se suele narrar siguiendo una sucesión bastante precisa: academia, comisario, galería, exposiciones, reconocimiento y, tal vez, tras varios años y una buena dosis de espera, alguien certifica oficialmente que existes. Por supuesto, quiero seguir trabajando con galerías, comisarios e instituciones cuando haya relaciones serias e interesantes. No estoy en contra del sistema del arte. Simplemente no quiero que la posibilidad de hacer algo dependa por completo de la aprobación de otra persona. RADICI surge también de ahí. Probablemente nadie habría venido a decirme: «Bruno, ¿qué te parece si te haces con un castillo en un pueblo del Monferrato y lo llenas con más de cien artistas que han formado parte de tu vida?». Así que lo hice yo mismo. Ya no creo que el centro y la periferia dependan simplemente de la geografía. Puedes estar en el centro de Milán y ser completamente periférico en tus ideas, o estar en Casso o en Frinco y conseguir movilizar a personas que vienen de muy lejos. Mi investigación parte de la pintura, pero con los años se ha adentrado en la escultura, la instalación y materiales muy diversos. También por eso me cuesta imaginarme encuadrado en una definición demasiado precisa. Si tuviera que decir qué espacio me gustaría ocupar, diría que uno lo suficientemente libre como para permitirme seguir siendo artista y, al mismo tiempo, crear oportunidades, invitar a otras personas, colaborar y, quizá, contribuir a que algo crezca a mi alrededor. Y eso es lo que estoy intentando hacer ahora también físicamente. He comprado una casa en Frinco y me gustaría que, con el tiempo, se convirtiera en mucho más que mi hogar: un lugar para residencias artísticas, encuentros, música, teatro, talleres, conversaciones, personas que llegan y dejan algo. En el fondo, estoy intentando construir de forma concreta ese pequeño mundo en el que me gustaría trabajar. Ese mundo ya tiene un nombre: Kunsthaus Fantelli.
El autor de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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