Le Corrège a ressenti et compris chaque sentiment et chaque expression humaine, depuis la joyeuse enfance jusqu’aux amours charnels et familiaux, en passant par la très grande richesse culturelle de son époque, et enfin jusqu’aux élans mystiques et miraculeux de l’histoire sacrée, qu’il partageait véritablement. C’est ce thème que la grande exposition de Dresde qui lui est consacrée explore aujourd’hui en profondeur. L’article de Giuseppe Adani.
Le titre de la grande exposition consacrée à Allegri à Dresde est surprenant ; il se démarque assurément de toutes les autres appellations actuelles données aux événements artistiques, en particulier dans le domaine de l’art historique. Il ne fait aucun doute que, au fil des générations, certains peintres intimistes ou engagés ont œuvré, dont la dimension corporelle visait à exprimer des réflexions, des appels ou des messages moraux, mais cette indication de profondeur sur le vaste champ des sentiments humains, désormais appliquée au Corrège, est tout à fait nouvelle, et pourtant extrêmement justifiée et vivante. Les raisons en tiennent à l’étude extraordinaire et tout à fait pertinente du professeur Andreas Plackinger, qui a saisi le cœur et le savoir de l’artiste, et qui nous offre aujourd’hui cette démonstration : Le Corrège « berührend menschlich » : humain de manière touchante.
Tout d’abord, le titre semblerait inapplicable si on le lisait à la hâte en se référant aux chefs-d’œuvre de l’exposition que sont les quatre merveilleux retables de la Gemäldegalerie, ainsi qu’à de nombreuses autres œuvres qui affichent clairement leur caractère sacré. Nous sommes frappés par cette évocation inattendue, qui éveille notre curiosité au sens ancien du terme, car elle nous pousse à en découvrir la raison, c’est-à-dire ces traits de caractère que les commissaires de l’exposition ont certainement mis en évidence. C’est ainsi que, chez ce maître illustre de la Renaissance italienne, c’est avant tout une complexité humaine constante qui ressort : Antonio Allegri a vécu une plénitude existentielle qui l’a comblé de toutes les expériences et de toutes les connaissances avec une continuité et une ampleur véritablement rares.
Sa terre natale, paisible dans la grande vallée du Pô et sans l’influence de grandes écoles, lui a permis de projeter en toutes circonstances et à tout moment cette attention portée au visible et au tangible qui s’offrait à lui dans chaque chose : tous les types humains avec leurs corps, à commencer par l’enfance ; tous les métiers des champs et des ateliers ; le vaste univers végétal et animal qu’il a toujours saisi et assimilé, ainsi que chaque changement de la nature et des lumières. Mais, parallèlement à tout cela, le Corrège a ressenti et connu chaque sentiment et chaque expression humaine : de la joyeuse enfance aux amours charnels et familiaux, en passant par la très grande intensité culturelle de son époque, et enfin jusqu’aux élans mystiques et miraculeux de l’histoire sacrée, qu’il partageait véritablement.
Le jeune Corrège
Pour illustrer les premières œuvres du jeune Corrège, nous avons choisi quelques compositions, révélatrices dès le départ.
La Vierge aux citrons, première fresque de jeunesse (vers 1506 ; Modène, Galerie Estense). Dans la précoce « Vierge aux citrons », probablement peinte à fresque sur la Porta Santa Maria à Corrège, on remarque que l’invocation des saints patrons de la ville se déroule dans un rassemblement villageois très libre contre les remparts, où anges et saints accompagnent avec une spontanéité tout à fait familière l’accueil de la Vierge avec Jésus, et où – derrière l’étendue festive des citrons – la conversation spontanée entre saint François et saint Quirino trouve son pendant dans celle, incroyable, des deux lapins. Voici déjà un peintre d’une grande fraîcheur, libéré des schémas de l’école.La petite coupole de la chapelle de Mantegna (1507). Fresque à Sant’Andrea à Mantoue. Dans la chapelle de Mantegna (1507), décédé l’année précédente, le Corrège place l’ascension vers le ciel sur des nervures entrelacées qui portent également des citrons (fruits à la signification évidente de sagesse, de vie, de force), avec le soin particulier d’y ajouter des œillets et des lys, qui sont à leur tour les emblèmes de l’intelligence et de la grâce. Il faut toujours toute notre attention pour comprendre une œuvre du Corrège et il faut savoir que chez cet artiste, rien – mais vraiment rien – n’est jamais réalisé « au hasard ».Le « Mariage mystique de sainte Catherine » (1510) de la National Gallery de Washington Le « Mariage mystique de sainte Catherine », tant admiré par David Alan Brown, nous renvoie intensément à la réflexion du jeune Corrège sur les types humains, sur les expressions des visages, sur les détails compositionnels qui découlent de la gestuelle directe des personnages et donc sur des jeux figuratifs qui sont fluides, authentiques, non formels.Judith et sa servante avec la tête d’Holopherne (1510-1511), extraordinaire incursion picturale dans la nuit. Strasbourg, Musée des Beaux-Arts. L’étonnant petit tableau représentant « Judith et sa servante » est un témoignage très précoce de l’attention portée à la gamme lumineuse de chaque instant vécu, qui peut avoir des sources très diverses, mais aussi sombrer dans l’obscurité nocturne totale, comme il était normal de le ressentir à l’époque du Corrège. Voici donc une source interne que notre peintre maîtrise avec génie et un résultat authentique. Une œuvre profondément humaine, extrêmement rare dans la peinture italienne du début du XVIe siècle.La « Vierge de Vienne » (1513), conservée au Kunsthistorisches Museum. Dans la « Vierge de Vienne », le symbolisme est omniprésent et occupe une place centrale : pour être décodé, il exige un esprit averti et persévérant. Notons que l’ensemble de l’œuvre picturale d’Allegri recèle des sources et des expressions symboliques d’une grande profondeur. Dans cette petite œuvre, nous remarquons toute l’attention portée à l’expression mimique du visage de Marie (un profil presque jamais présent dans les œuvres du Corrège), ainsi qu’à l’attitude à la fois difficile et spontanée de l’Enfant Jésus ; mais aussi à l’ensemble du paysage, d’une grande précision et pourtant chargé de significations.
La première maturité. 1515 - 1522
Cette plénitude que nous devons qualifier d’humaine, Antonio Allegri la vit et la peint à partir de 1515, année où il réalise la Vierge de Saint-François et en fait un vaste symbole de son chant pictural, presque un poème qui l’accompagnera à travers des thèmes toujours plus riches et toujours plus appréciés. Après d’autres œuvres très intéressantes, il réalisera à la fresque l’intégralité de la Chambre de Saint-Paul dans le monastère bénédictin féminin du même nom, à Parme.
Au plus fort de sa carrière artistique intense et très riche, le Corrège aborde le thème allégorique et celui de la rencontre hypostatique entre la divinité et l’humanité, dans laquelle cette dernière agit comme l’héroïne heureuse d’un dessein divin. Dans cette entreprise qui dépasse les forces intellectuelles, cogitives et matérielles habituelles, l’artiste va au-delà de toute création picturale antérieure et l’on peut dire qu’il participe pleinement – sur le plan émotionnel et actif – aux actes qu’il représente dans ses figures.
La Vierge de saint François (huile sur bois, 299 x 245 cm), autrefois conservée dans l’église titulaire de Corrège. Dresde, Gemäldegalerie. Le tracé spatial part de la terre d’Israël, baignée par les eaux du Jourdain, pour s’élever vers le paysage « actuel » de la plaine et des collines de la vallée du Pô, et s’immerge dans ce ciel qui s’est ouvert, parsemé de chérubins, d’où descendent Marie et l’Enfant. Tout est immédiat, accessible, et chaque personnage est communicatif, à l’intérieur comme à l’extérieur de l’espace du tableau. Les colonnes gigantesques restent gracieuses dans l’hommage qu’elles rendent, et encadrent avec solennité le régiment biblique sur lequel se tiennent les figures sacrées. Les cieux descendent dans la profondeur humaine.Le héros couronné de chêne, détail d’une fresque (1518) de la Chambre de Saint-Paul à Parme. Dans ce superbe projet, au caractère monumental, Le Corrège concentre une « energheia » explicitement héroïque, qui est la force humaine à laquelle a été confiée la mission divine de gouverner la terre, avec le dévouement volontaire et déterminé de son rôle conscient.La Diane conductrice (1518). Fresque au-dessus de la cheminée de la Chambre de Saint-Paul. Ce personnage est une synthèse, d’une splendeur singulière, des valeurs humaines qui doivent accompagner chaque acte d’une vie tournée vers l’éternité. Et c’est notre Antonio, qui a reçu une formation résolument bénédictine, qui crée par l’image une sagesse ancienne, voire mythologique, incarnée par une déesse, et qui en fait l’emblème d’un choix qui sera irréversible dans son orientation vers le ciel.Le Portrait de Véronique Gàmbara, comtesse de Correggio (1521-1522). Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage. Allegri concentre dans ce personnage la sagesse, la poésie, la capacité à gouverner, la douceur de caractère, ainsi que cette résignation face au destin qui est également une qualité spirituelle résidant au plus profond de l’âme.L’Allégorie de la Sagesse ou de la Vertu, tempera à l’huile sur toile (1522). Paris, Musée du Louvre. Ce tableau (auquel est associé celui « du Vice ») a conduit le Corrège à une réflexion profonde et enracinée qui s’inscrit parfaitement dans la thématique de l’exposition. Dans la partie inférieure s’articulent les symboles des vertus cardinales, offertes par le ciel pour guider la vie humaine. Ici, sans aucun doute, la Dame en robe claire, assise en bas à gauche, les domine toutes en brandissant les symboles qui leur sont associés : le serpent = la prudence, l’épée = la justice, le mors = la tempérance, la peau de lion = la force. À notre droite, en revanche, est assise la savante spécialiste de la géographie et du cosmos. La Sagesse règne en maîtrisant toute déviation pécheresse grâce aux signes de la victoire : la lance brisée et le cimier déposé. Elle est le point de rencontre entre l’humain et le divin : en effet, une couronne est posée sur sa tête et les deux grandes diagonales du tableau se croisent exactement au niveau de sa bouche. Au-dessus, dans une merveilleuse invention picturale, planent les trois vertus théologales : la Foi en blanc, l’Espérance en vert et la Charité triomphante en rouge.
Les coupoles et les grandes toiles religieuses ou profanes
Prenons ici, à titre d’exemple, deux images relatives aux deux coupoles ornées de fresques les plus célèbres de toute la Renaissance. Il s’agit de deux « hapax » incomparables dont la lecture n’est possible qu’à travers des visites en immersion totale et autant d’études spécifiques très approfondies. À l’occasion de l’exposition de Dresde, une sorte de reconstitution des fresques du Corrège pour les pendentifs et la coupole de la cathédrale de Parme a été annoncée
Je suis reconnaissant au professeur Andreas Plackinger pour son échange artistique et ses éloges ; surtout pour nous avoir offert cette exposition qui révèle véritablement la grande âme du Corrège. Je remercie également vivement M. Paulin Schwarze.
Basilique Saint-Jean-l’Évangéliste à Parme. Fresque à l’intérieur de la coupole, 1520. On y admire la descente depuis le « ciel des cieux » de Jésus en personne, parmi les apôtres, pour appeler à lui saint Jean mourant. Dans cette création sacrée et enivrante, nous ressentons la douceur véritablement paradisiaque de Dieu, magnifiquement traduite en une vérité pleinement visible par l’âme profondément humaine et touchante du Corrège.Église cathédrale, ou Duomo de Parme. Fresque gigantesque s’étendant des pendentifs au tambour, et sur toute la superbe surface de la coupole. 1530 – 1533. Nous ne donnons ici qu’un aperçu général de l’œuvre qui marque l’apogée artistique et reflète toute la pensée, humaine et transcendante, du Corrège. « La plus belle coupole qui ait jamais été peinte et qui le sera jamais » (Anton Raphael Mengs).L’Adoration des bergers, dite « La Nuit », huile sur bois (1522-1530). Dresde, Gemäldegalerie. Un tableau très cher au Corregio et réalisé de tout son cœur. Ici, la profondeur humaine est une étreinte totale. Jésus naît de manière virginale et répand cette lumière qui sera à jamais spirituelle, mais qu’Antonio, peintre au génie immédiat, fait resplendir de manière authentique sur les corps et les visages de ses humbles et premiers visiteurs, tandis que les esprits célestes virevoltent dans le ciel. C’est l’un des tableaux les plus célèbres au monde, et on peut dire à ce sujet que l’auteur est véritablement profondément, bien que mystiquement, humain.La Vierge de Saint-Sébastien, huile sur panneau bombé (1524-1525). Dresde, Gemäldegalerie. Rassemblés entre la prairie et les nuages, les trois saints protagonistes se tiennent en bas : saint Sébastien et saint Roch, de part et d’autre, affirment qu’une grave épidémie de peste a sévi à Modène, tandis que l’évêque saint Géminien, protecteur de la ville, témoigne de la grâce obtenue qui a mis fin à cette contagion. Une composition tumultueuse, très animée, coincée entre la terre et le ciel grâce à l’intervention de deux petits anges qui sont de véritables enfants potelés et que le Corrège choisit pour inviter à la vision merveilleuse et lumineuse de la Vierge qui descend pour observer, portant l’Enfant Jésus, véritable dispensateur de la grâce. L’arc paradisiaque fourmille de petites têtes angéliques, comme dans la coupole récente de Saint-Jean, mais ce sont les merveilleuses anges situées de part et d’autre de Marie qui invitent à l’harmonie entre la terre et le ciel. Et tout en bas, une présence humaine innocente rend grâce en offrant le symbole de la ville : c’est la célèbre « Modanina » du Corrège, que le peintre a créée comme l’expression de son propre cœur et de celui de tout un peuple.La Vierge de Saint-Georges, huile sur panneau (1528-1532). Vierge à l’Enfant avec les saints Jean-Baptiste, Geminiano, Georges et Dominique. Dresde, Gemäldegalerie. Il s’agit d’un immense retable, conçu pour la prière joyeuse de toute la ville de Modène. Ici, le Corrège, qui s’envolait déjà dans les espaces célestes et indicibles sous la coupole de la cathédrale de Parme, a voulu laisser véritablement un hymne de joie totale. Le décor est celui d’un oratoire ouvert sur les collines ; la composition est symétrique et graduée, et ici encore, l’espace parcouru par les saints et les putti se prolonge idéalement vers nous, tout comme le regard de saint Jean et de saint Georges se pose sur nous. La fête est symbolisée par les fleurs et les anges qui la soutiennent, mais plus encore par la sérénité totale de la conversation sacrée qui se déroule, et par les jeux incroyables des angelots qui s’amusent avec les armes et se faufilent entre les jambes des grands saints. C’est là que réside toute l’âme du Corrège.Jupiter et la nymphe Io, huile sur toile (1530-1532). Vienne, Kunsthistorisches Museum. Cet amour total, attendu, désiré, et désormais enfin possédé par la nymphe du fleuve, est élevé par le Corrège au rang d’une vision picturalement prodigieuse, bien plus intime que tangible. C’est un amour qui s’achève dans la plénitude de l’extase du corps et de l’âme, à laquelle le peintre lui-même semble prendre part de tout son cœur.
L'auteur de cet article: Giuseppe Adani
Membro dell’Accademia Clementina, monografista del Correggio.
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