米兰国际现代和当代艺术博览会（Miart）是由米兰国际展览中心（Fiera Milano）主办的国际艺术博览会，第28届Miart博览会已经开幕，按照以往的惯例，在当代艺术博览会上，我们向一些画廊询问了我们挑选的一些有趣作品的价格。我们再次注意到有些画廊不喜欢公布其作品的价格，以下是我们精选的 15 件作品，每件作品都附有价格（或价格范围）。
Elena Ceretti Stein（1989 年出生于米兰）是一位跨学科的意大利-以色列艺术家，她将绘画、雕塑和视频融为一体，创作出了许多装置作品。她的绘画作品，如在此展出的作品，被她定义为 “物品”，也是装置思维的结果，具有强烈的雕塑和材料特征。展出的画作均创作于 2024 年，但都是 2019 年开始的研究项目的一部分：艺术家首先创作出完整的画作，然后用新的画作覆盖它们，只让人看到下面的内容。有时，她还会用一幅额外的画作第三次重复这一过程。然后，Elena Ceretti Stein 用刀子和凿子挖掘画作的某些区域，这样就能看到隐藏在下面的图像，然后再重新呈现给观众观看。这一系列画作是等待、静止、缺席和沉默的空间。只有艺术家自己知道隐藏在层层颜料背后的风景，但她相信，即使看不见的东西也能被感受到，使画作充满能量。在绘画中，她混合了有机和无机元素，用原土颜料在油彩中创造出层层色彩。每种事物背后都隐藏着另一种事物，在无休止的炼金术游戏中，符号和深层含义并存，互不排斥。
亚历克西斯-苏尔-格雷（Alexis Soul-Gray，英国，1980 年）的艺术创作结合了绘画、素描和拼贴，让艺术家能够探索想象力如何照亮悲伤和失落的道路。通过对意大利文艺复兴时期的绘画图像和英国流行杂志中理想化家庭生活的广告进行深入思考，苏尔-格雷选择了一些妇女和儿童的场景，并选择了那些具有人工特质的场景，“在这些场景中，家庭往往是伪造的，但却能以某种方式感受到”。当他画出一些看似真实的令人不安的瞬间时，比如一个忧郁的眼神或一个俏皮的手势，他的作品就成形了。为了超越这些场景化、风格化构图的表面，苏尔-格雷通过摩擦、刮擦，甚至使用漂白剂等腐蚀性化学物质来擦除表面。他在人物身上绘画或创作拼贴画，试图赋予他们一种未经研究的、刺人的人性。因此，他的作品让人沉浸于内心世界，揭示出层层叠叠的情感和记忆。
罗伯特-布兰博拉（1984 年出生于哈勒）在柏林生活和工作。在过去的一年中，这位艺术家一直在创作一系列当代城市景观，灵感来自伊塔洛-卡尔维诺的小说《看不见的城市》。这些风景唤起了当代资本主义城市居民的孤独感和无聊感。在这些作品中，布兰博拉描绘了被烟雾笼罩的城市场景，唤起人们对气候变化影响的联想；大火、暴雨和末日景象营造出一种科幻和超现实的氛围。在这些彩绘景观的上方，漂浮着散落的数据碎片和人工智能生成的未来主义广告。这些文字采用 UV 印刷技术，创造出一种人机合一的视觉效果，令人印象深刻。
弗拉米尼娅-维罗内西（Flaminia Veronesi，1986 年出生于米兰）在她的艺术世界中展现了女性的风采。她的视野并不局限于对女性的简单反思，也不局限于严格意义上的女权主义研究，而是专注于玛丽亚-蒙台梭利提出的 “社会母性 ”概念的象征。艺术家笔下的人物形象是一种变异的生物，在保留女性性别特征的同时，又具有变形波动的渗透性，其中包含了对人类概念的扩展。因此，维罗内西致力于重新定义 “母亲 ”这一概念，并克服将其完全归于女性领域的陈旧观念。她的艺术世界充满了视觉、理论和概念参考，在现实与梦幻、过去、现在和未来之间摇摆。这位艺术家将女权主义理论、艺术史参考资料和个人直觉融为一体，这要归功于她作为 “现代女萨满 ”的敏感性，根据她自己的定义，她是地球母亲灵魂 Pacha Mama 的使者。弗拉米尼亚-维罗内西的作品价格从小型水彩画（56 x 38）的 2,000 欧元到陶瓷雕塑《地球母亲》的 7,200 欧元不等。
带窗帘的奇特作品......是奥地利艺术家安娜伊斯-霍恩（生于格拉茨，在巴黎生活和工作）的新个人项目，名为 "窗户"，是她 2022 年在纽约国际工作室和策展项目驻留期间创作的，并在巴黎得到发展。展出的作品以窗户为形式，窗户在这里成为想象的空间，也是公共与私人、室内与室外空间的分界线。根据无人机拍摄的画面，这些图像被转印到透明的丙烯酸玻璃上，并用铝框装裱；然后用手绘的丝绸窗帘覆盖，并安装在铝制窗帘杆上。帘子上镶嵌着宝石和流苏，起到了抵御外界恶意的作用。霍恩创作的作品多为私密性强的特定场景，其中的自传或其他女性叙事旨在引发人们对当下的思考，以及个人记忆与物品和空间之间的联系。Anaïs Horn 的作品是献给美国著名艺术家约瑟芬-霍普（Josephine Hopper）之妻的：非传统视角与精致织物的结合传达出一种孤独感，与霍普城市风景画中的忧郁相呼应。
法国艺术家 Amélie Peace（1997 年出生于巴黎）在其大小不一的画作中专注于触觉体验和人类对身体联系的需求，描绘了一些介于温柔与残酷之间的瞬间。他的作品是心理物理对话，意在探索情感、性和性别相关的体验。她笔下的人物经常交织在一起，给人一种身体上的依赖感，就好像她笔下的人物共用一个身体，强调每次与他人的交流都会改变一个人对自己身体的感觉。反复出现的主题是一双手，它引导观者穿越其作品中所描绘的错综复杂的叙事。他的所有画作都具有强烈的色彩特征，从而强化了这些主题：无言的语言意味着什么，以及在无声的手势语言中可以找到的力量。从本质上讲，和平描绘的是人类复杂的情感。
卡特莱戈-特拉贝拉（Katlego Tlabela，1993 年出生于比勒陀利亚）一直专注于多学科技术和创作过程，通过寻找将印刷相关元素融入各学科的创新方法，探索绘画、声音、摄影和雕塑装置。其艺术兴趣范围从种族隔离后南非复杂的社会和政治动态，到非洲景观和美利坚合众国。她的作品涉及抵抗、抗议、种族对话以及表现黑人身体和经历的积极方式等主题，经常重新诠释历史并将其与当代事件联系起来。自 2020 年以来，她的艺术实践完全集中在绘画上，描绘虚构而现实的场景，以黑人精英为主题。在作品中，特拉贝拉经常向历史上重要的黑人艺术家致敬，从而在过去和现在之间建立起对话。
肯尼亚艺术家 Thandiwe Muriu（1990 年出生于内罗毕）将我们带入了当代非洲女性的深邃世界，重新诠释了非洲肖像画。他的作品灵感来源于主要时尚杂志的封面和肯尼亚丰富的文化历史，是对他所认同的女性自然美的赞歌。Muriu 使用引人注目、图案复杂的布料（这些布料经常让人联想到非洲不同文化的传统纺织品），通过让拍摄对象从充满活力的背景中浮现出来，创造出催眠般的幻觉。通过他的CAMO系列（作品A cicle of joy 也属于该系列），Thandiwe 希望颂扬他的非洲传统，并解决身份和自我认知等关键问题。他的作品倡导人们接受和热爱内罗毕乃至整个非洲居民的日常生活。
Cardelli & Fontana画廊为Miart带来了该画廊的几位主要当代艺术家，如Beatrice Meoni和Mirko Baricchi，以及20世纪50年代和60年代意大利几何抽象主义的精选作品，这是Sarzana画廊擅长的领域。展台上展出的作品包括毛罗-雷贾尼（Mauro Reggiani，1897 年出生于意大利诺纳托拉，1980 年出生于米兰）的中画幅作品，他是意大利最早的抽象派画家之一，在 20 世纪 30 年代签署了第一份抽象派宣言。卡德利和丰塔纳画廊展出的作品可追溯到 1955 年：就在第二年，威尼斯双年展为雷吉亚尼专门设立了一个个人展厅。卡德利 & 方塔纳画廊是为数不多的在展台上公开展示作品价格的画廊之一。
吉奥塞塔-菲奥罗尼（Giosetta Fioroni，1932 年出生于罗马）是 20 世纪下半叶最伟大的在世艺术家之一。吉奥塞塔-菲奥罗尼出生于一个艺术家家庭，是最不拘一格的艺术家之一：在她的职业生涯中，她的作品从银器到油画和素描，再到摄影和陶瓷实验。20 世纪 90 年代，在法恩扎历史悠久的 Bottega Gatti 的继承人 Davide Servadei 的帮助下，她开始创作陶瓷作品：Teatrini、Case、Scatole magiche、Formelle、Steli、Cani、在罗马 Comunale d’Arte Moderna 画廊展出的 100 alberi 以及 Abiti。吉奥塞塔的陶瓷作品被她自己定义为超绘画作品，因为她选择将镌刻宝石与五彩马乔利卡和三次烧制的釉料混合在一起，在形式和色彩之间表现出一种亲密的凝聚力，在这些作品中，梦幻、童话和文学魅力共存。此次个展展出的陶瓷作品是艺术家在 Bottega Gatti 制作的，也是画廊长期以来收集的稀有作品。这件 Teatrino 作品的灵感来自马蒂斯的同名作品。
法布里齐奥-普莱西（1940 年出生于雷焦埃米利）是一位对技术与物质之间的互动感兴趣的艺术家，他像雕塑家对待大理石一样对待物质。他是意大利录像艺术的领军人物，因为他是第一个将电视监视器转变为真正艺术媒介的人，自 1974 年创作第一件录像装置作品以来，水流和数字火焰在他的作品中源源不断地流淌。在他的项目中，视频与建筑以及煤炭、木材、大理石、石灰华和铁等主要材料融为一体。通过他的作品，普莱西探索了水的流动性、超越艺术作品有形界限的力量、划破黑夜的闪电光芒以及火的炽热。他在威尼斯圣马可广场、阿格里琴托神庙谷、曼图亚特宫的吉甘蒂厅等古代、哥特式、文艺复兴时期和纪念碑式的场所构思的特定场所装置作品尤为重要，这些作品证明了他对古典主义的深刻尊重，他创作的电子场景也证实了这一点。
来自康沃尔郡的大卫-特雷姆利特（David Tremlett，1945年出生于达特福德）是一位使用不同媒介进行创作的艺术家：他创作过装置、雕塑和绘画；他在朗格的巴罗洛教堂的永久性干预是众所周知的。但他也制作挂毯和地毯，比如这里展出的作品。“安东尼奥-维罗利诺画廊的项目始于 2015 年初的挂毯提案，随后又提出了地毯提案。挂毯将由成立于 1867 年的法国奥布松 Felletin 公司制作，该公司多年来曾与巴勃罗-毕加索、勒-柯布西耶、亚历山大-考尔德、维克多-瓦萨雷利、费尔南-勒热、索尼娅和罗伯特-德劳内、约瑟夫-阿尔伯斯等艺术家合作，最近又与费尔南多-波特罗、埃特尔-阿德南和比阿特丽斯-米尔哈泽斯合作。而地毯则是在巴基斯坦手工打结的。艺术家解释说：”我花了几个月的时间在纸上描摹一个又一个想法，直到完成四幅挂毯设计和四幅地毯设计。
埃特尔-阿德南（Etel Adnan，1925 年出生于贝鲁特，2021 年出生于巴黎）是一位伟大的散文家、诗人和视觉艺术家，在她的艺术生涯中，她采用了多种媒介，包括绘画、素描、挂毯、电影、陶瓷和艺术家书籍。风景、风景的历史以及他对风景的情感和身体反应，是他写作和后来艺术创作的灵感源泉。对阿德南来说，风景与记忆交织在一起，尤其是搬迁后的感觉。 她在黎巴嫩出生长大，一生都在法国和加利福尼亚生活、学习和工作。此次展出的作品是由不同颜色的方块组成的抽象构图，艺术家直接将颜料材料涂抹在画布上创作而成。
弗朗西斯-阿里斯（Francis Alÿs，1959 年出生于安特卫普）的创作主题主要集中在城市地点的模式和冲突地区的政治动态。通过诗歌叙事，他审视了拉丁美洲和受政治紧张局势影响的边境地区的现代主义，质疑诗歌行为在这种复杂环境中的意义。Alÿs 从自己或他人的简单行为入手，通过各种媒介将其记录下来。他的作品通常类似于艺术实践的文件或痕迹，使用视频、电影、明信片、绘画和素描。在作品的重复和不断传递中，艺术家试图创造一种更广泛的叙事方式，寻求将缺失的情节具体化，或深化已创作内容的意义。该艺术家的创作之所以如此引人注目，是因为他能够通过诗意的行为解决复杂的政治问题，将其艺术转化为一种探索和反思当代社会的形式。
艾未未（北京，1957年）从1981年起在美国生活了很长一段时间，最终在纽约定居了十年。在纽约期间，安迪-沃霍尔和马塞尔-杜尚等艺术家的作品给他留下了深刻的印象。艾未未通过他的艺术成为人权的代言人和表达自由的捍卫者。由于他的挑衅本能，他在政治、激进主义和艺术研究之间游刃有余，成为中国和全世界争取言论自由斗争的主要象征之一。他的艺术作品从装置到录像，从摄影到雕塑，反映了中国古代历史和现代语境。艾未未喜欢使用中国文化的传统技术、图像和隐喻，将当代叠加到古代，将未来叠加到现在。他的主要目标是突出当代世界中个人与群体之间的社会矛盾，通过艺术对社会进行批判和深刻的审视。
这可能是本次博览会上最昂贵的作品。卢西奥-丰塔纳（Lucio Fontana，1899 年出生于罗萨里奥，1968 年出生于科马比奥）是一种基于时间和空间融合的艺术形式的创造者。方塔纳的作品超越了建筑、雕塑和绘画之间的传统界限，让观众参与到情感体验中，开辟了当代艺术研究的新途径。Concetto Spaziale, Attesa》是《Tagli》系列作品的一部分，该系列作品在丰塔纳的艺术创作中占有重要地位，也是他艺术完全成熟时期的作品。Tagli 系列使用斯坦利切割机制作，作品表面纵向切口，形成单个中心开口或有节奏的多切口序列。每条缝隙都有自己的特征，凸凹程度也各不相同。因此，丰塔纳的雕塑和绘画方法对后世艺术家产生了深远的影响，帮助他们重新定义了艺术表达的界限，并探索了物质与虚空、形式与空间之间的关系。
本文作者 : Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
本文作者 : Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。
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