by Redazione 15/10/2026
10月3日至2月14日，德·罗西宫将举办一场专题展览，聚焦卡罗尔·拉马从20世纪50年代至70年代的艺术探索，展品涵盖抽象艺术、回收材料、车胎内胎以及缝在画布上的线。
1965年，卡罗尔·拉马（卡罗尔·拉马，1918年出生于都灵——2015年逝世）在皮斯托亚 市政厅的吉贝利纳厅举办了展览：这是公共博物馆首次为这位艺术家举办的个展。 六十多年后，这座托斯卡纳城市再次通过七件核心作品重新审视她的艺术创作，这些作品 记录了她艺术探索历程中的若干关键阶段。其中还包括《Bricolage R 4》，该作品曾在当时的展览中展出，如今得益于某私人收藏家的出借，再次在皮斯托亚与观众见面。 此次展览名为《来访 | 卡罗尔·拉玛》（In Visita | Carol Rama），将于2026年10月3日至2027年 2月14日在德·罗西宫（Palazzo de’ Rossi ）举行。 该项目由皮斯托亚博物馆基金会（Fondazione Pistoia Musei）发起，并得到卡里普特基金会（Fondazione Caript）的支持，由基金会总干事莫妮卡·普雷蒂（Monica Preti）与二十世纪藏品策展人安娜玛丽亚·亚库齐（Annamaria Iacuzzi）共同策划。第五届“In Visita”展览将临时展出的作品与专门展示在皮斯托亚活跃艺术家的常设展区相联系，为观众提供了近距离观察其艺术探索的机会——在短短几十年间，她的创作跨越了不同的艺术语言和材料，却始终不拘泥于单一的创作模式。
本次展出的七件作品中，六件来自“意大利画廊——意昂特萨帕奥洛”收藏，一件来自私人收藏，时间跨度从20世纪50年代至70年代。 这对卡罗尔·拉玛而言是一个关键时期：起初她致力于探索抽象艺术，随后越来越关注通过 融入物体、异质材料和非常规符号来转变绘画表面的可能性 。 本次展览的策展路径让观众得以追踪这些转变，并未将不同阶段严格割裂，而是展现了每个阶段如何源于对“绘画究竟是什么”这一问题的重新思考。
这位艺术家还以自由探讨身体、欲望、疾病和身份等主题而闻名，这些议题为她日后在国际上获得的艺术声誉奠定了基础。 然而，在皮斯托亚的展览中，关注点主要集中于她视觉语言的演变：从20世纪50年代的非具象构图，到“Bricolage”系列中富有质感的画面，再到那些将车胎内胎和缝纫线作为图像构成要素的作品。
本次展览以1952年的《无题》和1955年的《构图71》拉开序幕，这两件作品都与拉马接近“具体艺术运动”的时期密切相关。 他在都灵艺术圈中发展出的抽象艺术理念，相较于米兰艺术团体中占主导地位的几何取向，为更广泛的实验可能性留下了空间。 这种探索不仅在于按照自主的秩序组织形式与色彩，更成为检验绘画能否通过其自身元素构建关系与张力的实践领域。 此外，《71号构图》还提供了一个 与 瓜尔蒂耶罗·纳蒂维和马里奥·尼格罗进行比较的机会——这两位来自皮斯托亚的艺术家均收录于“二十世纪艺术收藏”中：这种并置使我们能够将不同的抽象艺术经验联系起来，同时又不抹杀它们的独特性。 这些作品虽对非具象语言有着共同的关注，但也展现了二战后围绕超越传统表现形式而发展出的多样化艺术解决方案。
20世纪60年代，拉玛的艺术探索转向了新的方向。抽象艺术并非简单地消失以让位于一种新风格：而是绘画表面这一概念本身经历了一次彻底的重新审视。 在1961年的《无题》中，油画颜料与各种材料、回收物件以及外观略带有机形态的凝块相结合。画布不再仅仅是涂抹颜色的载体：它成为一个空间，来自日常现实的材料在此获得新的功能，并改变了人们对作品的感知。 这一探索在“Bricolage”系列中得到了最鲜明的体现，这些作品中绘画与物体形成了紧密的联系。1964年，在都灵Stampatori画廊举办的拉马个展上，埃多阿多·桑吉内蒂（Edoardo Sanguineti）曾用“Bricolage”一词来定义这一系列作品： 这位知识分子随后在1965年皮斯托亚市立博物馆吉贝利纳厅举办的展览中也发挥了重要作用，正如前文所述，该展览标志着艺术家正式进入公共机构领域。
《Bricolage R 4》便是该展览中的作品，如今已重返这座城市：它的出现是本项目最引人注目的亮点之一，因为它使本次当代展览能够与拉马展览史上的一个重要篇章直接建立联系。 在画布上，绘画笔触与 物体相互交织 ——这里的“物体”被理解为脱离了原本功能并融入作品的元素。日常废弃物既未被隐藏，也未被转化为纯粹的装饰性存在：它保留了自身的物质性，正因如此，它对绘画的传统边界提出了质疑。
选择非常规材料并非 单纯的形式技巧。通过在画布表面引入质地与来源均不同于颜料的元素，拉马使图像与现实之间的关系变得更为复杂。 画作成为了一组物理存在的集合，其中物质能以与符号同等的力量强力吸引视线，而画布表面不再是一个待填充的同质空间，而是不同成分之间产生摩擦的场所。
在七十年代，这种实验通过更加多元的材料和技法得以延续。在该十年中期创作的《场所与符号》系列中，由35件不同尺寸和表现形式的作品组成，艺术家将自行车内胎贴附于巨大的黑色帆布画布上。这种与传统绘画材料格格不入的工业元素，成为了构图不可或缺的一部分。它的出现引入了一种具体而物理的维度，从而改变了表面、空间与感知之间的关系。
1974年在皮斯托亚展出的作品《场所与符号》，展现了艺术探索如何在“添加”与“减去”之间寻求平衡。内胎按照四边形图案组织画面表面，而其他色块则是通过削减画布获得的。 因此，该作品的构图源于两种对立的操作：一方面是材料的加入，另一方面则是对支撑材料的去除（ 表面通过所添加的与所去除的部分共同构建而成，这一过程使艺术家的工作本身得以显现）。 该作品与《黑色阶段》和《否定白色》系列中的实验相呼应，拉马此前已在这些系列中探索了非常规画布和材料的表现可能性。 帆布的黑色不仅作为色彩背景存在：它参与了图像的构建，并有助于决定附加元素在空间中的排列方式。其结果是一幅不仅限于描绘某种事物的绘画，而是将自身的物质条件置于首位的作品。
另一条研究路径体现在1974年的《无题》中，在这件作品里，固定在织物上的缝纫线成为一种结构性元素 （1972年至1974年间，拉马创作了一系列作品，其中缝线在画布表面勾勒出轨迹，令人联想到医学诊断图谱：线条不再仅仅是工具绘制的标记，而是一种物理元素，它穿透画布并改变了作品的解读方式）。 这些轨迹可能让人联想到图表和记录，暗示着与诊断及临床观察语言的关联：然而，这种参照并不能穷尽作品的意义——在这些作品中，线保留了其形式上的自主性，并构筑了一幅由方向、中断和关系组成的视觉图景。 同样，一种与日常生活相关的材料被从其常规用途中抽离，转化为艺术语言的组成部分。
缝制的线、内胎、回收的物件以及磨损的表面，都见证了一种通过连续转化而推进的探索，这种探索并未长期固守于单一艺术流派。 从抽象艺术到“Bricolage”风格，再到七十年代的实验创作，这一转变并非遵循既定的封闭模式：它更揭示了拉马不断重新审视绘画媒介的意愿，通过引入拓展作品可能性的材料与创作手法，将之融入作品之中。
这种独立性使艺术家在意大利艺术史上占据了独特的地位。拉马自1930年代起便活跃于艺术界，其艺术造诣形成于传统学术体系之外，她发展出一种独特的个人艺术语言，往往与评论界和艺术机构的预期相去甚远。 自八十年代起，她的作品逐渐被重新解读——这在很大程度上得益于 莱娅·韦尔吉内（Lea Vergine）的关注——这一过程也是在更广泛地重新发掘那些曾对传统等级制度和分类体系构成挑战的艺术实践的背景下展开的。 2003年，她在威尼斯双年展上荣获金狮终身成就奖。
“探访 | 卡罗尔·拉玛”展览由Intesa Sanpaolo银行赞助，并与皮斯托亚市政府、市立博物馆及卡罗尔·拉玛档案馆合作举办。 展览配套出版物由Gli Ori-Pistoia出版，内含策展人的导言、安娜玛丽亚·亚库齐（Annamaria Iacuzzi）关于1965年展览的论文，以及玛丽亚·格拉齐亚·梅西纳（Maria Grazia Messina）的评论文章。 该书通过未公开资料重构了那次展览的历史与批评背景，为解读艺术家的创作历程提供了新的视角。
展览期间将安排导览、专题研讨会以及面向学校、家庭和成人的各类活动。展览将于2026年10月3日至2027年2月14日在德·罗西宫（Palazzo de’ Rossi）向公众开放，开幕式定于10月3日星期六17:00举行，届时免费向公众开放。
 |
| 卡罗尔·拉马携七件作品重返皮斯托亚，距她首次在博物馆举办展览已过去六十年 |
免责声明：本篇意大利语原文的中文翻译由自动工具生成。 我们承诺会对所有文章进行审核，但无法保证完全避免因软件造成的翻译误差。 您可以点击 ITA 按钮查看原文。如发现任何错误，请联系我们。