von Redazione 15/10/2026
Kategorien: Ausstellungen / Haftungsausschluss
Vom 3. Oktober bis zum 14. Februar zeigt der Palazzo de’ Rossi eine Ausstellung, die Carol Ramas Schaffen von den 1950er bis zu den 1970er Jahren gewidmet ist – zwischen Abstraktion, wiederverwerteten Materialien, Fahrradschläuchen und auf Leinwand aufgenähten Fäden.
Im Jahr 1965 stellte Carol Rama (Turin, 1918 – 2015) in der Sala Ghibellina des Rathauses von Pistoia aus: Es war die erste Ausstellung, die ein öffentliches Museum der Künstlerin widmete. Mehr als sechzig Jahre später setzt sich die toskanische Stadt erneut mit ihrem Werk auseinander – anhand einer Auswahl von sieben Werken, die einige grundlegende Etappen ihres künstlerischen Schaffens dokumentieren. Darunter befindet sich auch „Bricolage R 4“, das bereits damals präsentiert wurde und heute dank einer Leihgabe aus einer Privatsammlung erneut in Pistoia zu sehen ist. Die Ausstellung mit dem Titel „In Visita | Carol Rama“ ist vom 3. Oktober 2026 bis zum 14. Februar 2027 im Palazzo de’ Rossi zu sehen. Das Projekt, das von der Fondazione Pistoia Musei mit Unterstützung der Fondazione Caript gefördert wird, wird von Monica Preti, Generaldirektorin der Stiftung, und Annamaria Iacuzzi, Kuratorin für die Sammlungen des 20. Jahrhunderts, kuratiert. Die fünfte Ausgabe von „In Visita“ stellt einen Bezug zwischen den vorübergehend ausgestellten Werken und der Dauerausstellung her, die den in Pistoia tätigen Künstlern gewidmet ist, und bietet so die Gelegenheit, ein künstlerisches Schaffen aus nächster Nähe zu betrachten, das im Laufe weniger Jahrzehnte verschiedene Ausdrucksformen und Materialien durchlaufen hat, ohne sich auf eine einheitliche Formel festlegen zu lassen.
Die sieben ausgestellten Werke – sechs stammen aus den Sammlungen der „Gallerie d’Italia – Intesa Sanpaolo“ und eines aus einer Privatsammlung – decken einen Zeitraum von den 1950er- bis zu den 1970er-Jahren ab. Es handelt sich um eine entscheidende Phase für Carol Rama: Zunächst beschäftigte sie sich mit der Abstraktion, später interessierte sie sich zunehmend für die Möglichkeit, die Bildfläche durch das Einbringen von Objekten, heterogenen Materialien und unkonventionellen Zeichen zu transformieren . Der Ausstellungsparcours ermöglicht es, diese Wandlungen nachzuvollziehen, ohne die verschiedenen Phasen streng voneinander zu trennen, sondern vielmehr zu zeigen, wie jeder Schritt aus einem Umdenken darüber entsteht , was ein Gemälde sein kann.
Die Künstlerin ist auch für die Freiheit bekannt, mit der sie sich Themen wie Körper, Begehren, Krankheit und Identität annahm – Themen, die zu ihrem späteren internationalen kritischen Erfolg beitrugen. In Pistoia konzentriert sich die Aufmerksamkeit jedoch vor allem auf die Veränderungen ihrer Bildsprache: von den nicht-figurativen Kompositionen der 1950er Jahre über die materiellen Oberflächen der „Bricolage“-Arbeiten bis hin zu den Werken, in denen Luftkammern und Nähfäden zu konstituierenden Elementen des Bildes werden.
Der Rundgang beginnt mit „Ohne Titel“ von 1952 und „Komposition 71“ von 1955, zwei Werken aus der Phase, in der sich Rama der Bewegung der Konkreten Kunst annäherte. Seine Auseinandersetzung mit der Abstraktion entwickelte sich im turinischen Umfeld in einer Form, die Raum für umfassendere experimentelle Möglichkeiten ließ als die in der Mailänder Gruppe vorherrschende geometrische Ausrichtung. Die Forschung besteht nicht nur darin, Formen und Farben nach einer eigenständigen Ordnung zu ordnen: Sie wird auch zu einem Terrain, auf dem die Fähigkeit der Malerei geprüft wird, durch ihre eigenen Elemente Beziehungen und Spannungen aufzubauen. „Composizione 71“ bietet zudem die Gelegenheit zu einer Auseinandersetzung mit Gualtiero Nativi und Mario Nigro, zwei Künstlern aus Pistoia, deren Werke in den „Collezioni del Novecento“ vertreten sind: Diese Gegenüberstellung ermöglicht es, unterschiedliche abstrakte Erfahrungen miteinander in Beziehung zu setzen, ohne dabei ihre Besonderheiten zu verwischen. Die Werke teilen das Interesse an einer nicht-figurativen Sprache, spiegeln aber auch die Vielfalt der Lösungen wider, die sich in der Nachkriegszeit im Zusammenhang mit der Überwindung der traditionellen Darstellung entwickelten.
In den 1960er Jahren schlägt Ramas künstlerische Suche eine neue Richtung ein. Die Abstraktion verschwindet nicht einfach, um einem neuen Stil Platz zu machen: Es ist die Idee der malerischen Oberfläche selbst, die einer radikalen Überarbeitung unterzogen wird. In „Ohne Titel“ von 1961 verbindet sich Ölfarbe mit verschiedenen Materialien, Fundstücken und Klumpen von vage organischem Aussehen. Die Leinwand ist nicht mehr nur der Untergrund, auf den Farbe aufgetragen wird: Sie wird zu einem Raum, in dem Materialien aus dem Alltagsleben eine neue Funktion erhalten und die Wahrnehmung des Werks verändern. Diese Suche findet einen ihrer erkennbarsten Ausdrucksformen in den „Bricolage“, Werken, in denen Malerei und Objekt in eine enge Beziehung treten. Der Begriff wurde von Edoardo Sanguineti verwendet, um diesen Werkkomplex anlässlich der Einzelausstellung von Rama in der Galleria Stampatori in Turin im Jahr 1964 zu definieren: Der Intellektuelle sollte später auch eine wichtige Rolle bei der Präsentation der 1965 in der Sala Ghibellina des Museo Civico in Pistoia eingerichteten Ausstellung spielen, die, wie bereits erwähnt, den Einstieg des Künstlers in eine öffentliche Institution markierte.
Zu dieser Ausstellung gehörte „Bricolage R 4“, das nun in die Stadt zurückgekehrt ist: Seine Präsenz stellt einen der interessantesten Aspekte des Projekts dar, da sie es ermöglicht, die aktuelle Ausstellung direkt mit einem Abschnitt aus Ramas Ausstellungsgeschichte zu verknüpfen. Auf der Leinwand stehen sich der malerische Farbfleck und das Objekt gegenüber, verstanden als ein Element, das seiner ursprünglichen Funktion entzogen und in das Werk integriert wurde. Der Alltagsabfall wird weder verborgen noch in eine rein dekorative Präsenz verwandelt: Er behält seine eigene Materialität bei und stellt gerade deshalb die traditionellen Grenzen der Malerei in Frage.
Die Wahl unkonventioneller Materialien ist kein bloßer formaler Kunstgriff. Indem Rama Elemente in die Oberfläche einbringt, deren Beschaffenheit und Herkunft sich von denen der Farbe unterscheiden, verkompliziert er das Verhältnis zwischen Bild und Realität. Das Gemälde wird zu einem Geflecht physischer Präsenzen, in dem sich die Materie dem Blick mit derselben Kraft wie das Zeichen aufdrängen kann, und die Oberfläche ist nicht mehr ein homogener Raum, der gefüllt werden muss, sondern ein Ort der Reibung zwischen unterschiedlichen Komponenten.
In den 1970er Jahren setzt sich dieses Experimentieren mit noch anderen Materialien und Verfahren fort. In der Serie „Luogo e segni“, die etwa Mitte des Jahrzehnts entstand und aus 35 Werken unterschiedlicher Formate und Ausführungen besteht, verwendet der Künstler Luftkammern, die auf große schwarze Capote-Leinwände aufgebracht sind.Das industrielle Element, das der Tradition der Malmaterialien fremd ist, wird zu einem integralen Bestandteil der Komposition. Seine Präsenz führt eine konkrete und physische Dimension ein, die das Verhältnis zwischen Oberfläche, Raum und Wahrnehmung verändert.
Das 1974 entstandene Werk „Luogo e segni“, das in Pistoia ausgestellt ist, zeigt, wie die künstlerische Forschung durch ein Gleichgewicht zwischen Hinzufügen und Wegnehmen voranschreitet. Die Luftkammern gliedern die Oberfläche nach viereckigen Mustern, während andere Farbflächen durch das Wegschneiden der Leinwand entstehen. Die Gestaltung des Werks entsteht somit aus gegensätzlichen Vorgängen: einerseits durch das Einbringen von Materialien, andererseits durch das Entfernen von Material vom Träger ( die Oberfläche entsteht durch das, was aufgebracht wird, und das, was entfernt wird – in einem Prozess, der die Arbeit der Künstlerin selbst sichtbar macht). Das Werk knüpft an die Experimente der Serien „Fase dal nero“ und „Smentire il bianco“ an, in denen Rama bereits die Ausdrucksmöglichkeiten unkonventioneller Träger und Materialien untersucht hatte. Das Schwarz der Planenleinwand fungiert nicht nur als farblicher Hintergrund: Es ist am Aufbau des Bildes beteiligt und trägt dazu bei, die Art und Weise zu bestimmen, wie sich die aufgetragenen Elemente im Raum anordnen. Das Ergebnis ist ein Gemälde, das sich nicht darauf beschränkt, etwas darzustellen, sondern seine eigenen materiellen Bedingungen in den Vordergrund rückt.
Eine weitere Forschungsrichtung wird durch das Werk „Ohne Titel“ von 1974 dokumentiert, in dem der auf Stoff befestigte Nähfaden zu einem strukturellen Element wird (Zwischen 1972 und 1974 schuf Rama eine Reihe von Arbeiten, in denen der Faden Verläufe auf der Oberfläche zeichnet und dabei an medizinisch-diagnostische Verläufe erinnert: Die Linie ist nicht mehr nur ein mit einem Instrument gezeichnetes Zeichen; sie ist ein physisches Element, das den Träger durchdringt und dessen Lesart verändert). Diese Verläufe können an Diagramme und Aufzeichnungen erinnern und lassen eine Verbindung zur Sprache der Diagnose und der klinischen Beobachtung vermuten: Der Bezug erschöpft jedoch nicht die Bedeutung der Werke, in denen der Faden seine formale Eigenständigkeit bewahrt und ein visuelles Geflecht aus Richtungen, Unterbrechungen und Beziehungen bildet. Auch in diesem Fall wird ein Material, das mit dem Alltag assoziiert wird, seinem gewöhnlichen Gebrauch entzogen und in einen Bestandteil der künstlerischen Sprache verwandelt.
Der eingenähte Faden, die Luftkammern, die wiederverwerteten Gegenstände und die abgeschliffenen Oberflächen zeugen von einer Suche, die sich durch aufeinanderfolgende Wandlungen vollzieht, ohne sich dauerhaft einer einzelnen Strömung anzuschließen. Der Übergang von der Abstraktion zu den „Bricolage“-Arbeiten und schließlich zu den Experimenten der 1970er Jahre entspricht keiner Abfolge geschlossener Formeln: Er offenbart vielmehr Ramas Bereitschaft, das malerische Medium ständig in Frage zu stellen und Materialien und Gesten in das Werk einzubeziehen, die dessen Möglichkeiten erweitern.
Diese Unabhängigkeit trug dazu bei, dass die Künstlerin eine besondere Stellung in der italienischen Kunstgeschichte einnimmt. Rama, die bereits seit den 1930er Jahren künstlerisch tätig war und ihre Ausbildung außerhalb eines konventionellen akademischen Weges absolvierte, entwickelte eine persönliche Bildsprache, die oft weit von den Erwartungen der Kritik und der Institutionen entfernt war. Ihr Werk wurde seit den 1980er Jahren zunehmend neu interpretiert, auch dank der Aufmerksamkeit von Lea Vergine, im Rahmen einer umfassenderen Wiederentdeckung künstlerischer Experimente, die traditionelle Hierarchien und Kategorien in Frage gestellt hatten. Im Jahr 2003 wurde ihr auf der Biennale von Venedig der „Leone d’Oro“ für ihr Lebenswerk verliehen.
„In Visita | Carol Rama“ wird in Partnerschaft mit Intesa Sanpaolo und in Zusammenarbeit mit der Stadt Pistoia, den Städtischen Museen und dem Archiv Carol Rama realisiert. Begleitend zur Ausstellung erscheint ein von Gli Ori-Pistoia herausgegebenes Buch mit einer Einleitung der Kuratorinnen, einem Essay von Annamaria Iacuzzi über die Ausstellung von 1965 und einem kritischen Beitrag von Maria Grazia Messina. Das Buch rekonstruiert den historischen und kritischen Kontext jener Ausstellung auch anhand bisher unveröffentlichter Inhalte und bietet neue Interpretationsansätze für den Werdegang der Künstlerin.
Während der Ausstellungsdauer sind Führungen, Vertiefungsveranstaltungen und Aktivitäten für Schulen, Familien und Erwachsene vorgesehen. Die Ausstellung ist vom 3. Oktober 2026 bis zum 14. Februar 2027 im Palazzo de’ Rossi zu sehen; die für die Öffentlichkeit zugängliche Vernissage findet am Samstag, dem 3. Oktober, um 17 Uhr bei freiem Eintritt statt.
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| Carol Rama kehrt mit sieben Werken nach Pistoia zurück – sechzig Jahre nach ihrer ersten Museumsausstellung |
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