Donald de Decker: cuando el arte sirve para escuchar el sonido de las imágenes

Donald de Decker (ddd) es un artista visual y diseñador gráfico originario de Bruselas. En el centro de su investigación se encuentra el proyecto Acousma, que surgió de su encuentro con la música acusmática y se ha ido transformando progresivamente en una investigación sobre el concepto de «reproducibilidad modulante», un sistema abierto en el que las formas evolucionan sin un original absoluto. Sus obras, creadas digitalmente y distribuidas también a través de los NFT, exploran la relación entre variación, autenticidad y espacio, cuestionando la forma en que una imagen puede percibirse casi como una experiencia sonora.

En esta entrevista, Donald de Decker narra la génesis del proyecto, el paso de las composiciones digitales a las futuras instalaciones físicas, el papel del blanco y negro en su investigación y su reflexión sobre el valor de la obra en la era de la reproducibilidad digital. Un recorrido que aúna rigor teórico y experimentación visual, sin recurrir a la inteligencia artificial como herramienta creativa. De Decker trabaja como diseñador gráfico autónomo, colaborando con clientes del ámbito cultural, privado e institucional. Su trayectoria abarca desde las artes (literatura, cine, música, danza, fotografía) hasta el diseño (textil, gráfico, arquitectura), y cuenta con experiencia en el sector de los eventos, la publicidad e incluso en el ámbito sanitario.

GL. Donald, ¿cómo surgió tu proyecto y por qué?

DDD. El proyecto Acousma forma parte de la trayectoria de desarrollo artístico que me ha llevado a crecer profesionalmente. Me formé en artes visuales, plásticas y espaciales, con especialización en diseño gráfico, y llevo más de quince años ejerciendo como diseñador gráfico autónomo. Paralelamente a esta actividad, siempre me ha parecido fundamental mantener una línea de investigación más experimental y personal. Durante mucho tiempo, esta línea se mantuvo discreta y fragmentaria, y se manifestaba en pruebas, intuiciones o intentos que quedaban inconclusos. Entre estos experimentos, una línea de investigación que se remonta a mis estudios en la ERG (Escuela de Investigación Gráfica) se ha revelado gradualmente como especialmente fructífera. En mi opinión, este ejercicio, vinculado a la música acusmática, abordaba tanto cuestiones formales como una reflexión más teórica sobre la composición. La relación con la música acusmática desempeñó, por tanto, un papel determinante en la génesis del proyecto. Supuso un punto de partida, un estímulo que me permitió orientar y estructurar mis intuiciones iniciales. Con el tiempo, esta investigación ha evolucionado hasta convertirse en el proyecto Acousma, cuyo núcleo no reside únicamente en esta referencia musical, sino en el concepto de «reproducibilidad modulante», que ahora estructura todo el corpus de obras.

¿Qué es la música acusmática y cómo interactúa con tu arte?

La música acusmática es un género musical que se hace posible gracias a las técnicas electroacústicas. Los sonidos se graban, se transforman y se componen en el estudio, para luego difundirse en el espacio mediante dispositivos de espacialización (Acousmonium). Concebida originalmente para una escucha disociada de cualquier fuente sonora visible, tiene como objetivo favorecer una atención más aguda y fomentar la construcción de imágenes mentales en el oyente. En mi trabajo, esta relación se invierte: hoy en día ya no se trata de producir imágenes a partir del sonido, sino más bien de sugerir una forma de escucha a través de una composición. Todo ello se convierte, por tanto, en un soporte para la proyección perceptiva e invita al espectador a cuestionarse su propia capacidad de «escuchar» una imagen, de percibir una sonoridad en su interior. Un proceso de investigación visual, a través del trabajo con la línea, tiene como objetivo hacer aflorar una sensación de vibración en el interior de las composiciones, contribuyendo a estimular este tipo de percepción. Este enfoque, por lo tanto, no se enmarca estrictamente en la práctica musical, sino más bien en una transposición e interpretación de los principios acusmáticos en el ámbito de las artes visuales.

¿Podrías explicar el concepto de «reproducibilidad modulante»?

Las formas se conciben como estructuras transformables, matrices en evolución, capaces de generar una multiplicidad de estados, sin que ninguna de estas manifestaciones se considere original o derivada. Esta lógica de modulación se basa en un conjunto de operaciones (recorte, redimensionamiento, distorsión, deformación, adición o fusión) que, individualmente o en combinación, permiten que surjan nuevas composiciones a partir de una o varias matrices iniciales. Se inscribe en una dinámica de exploración sistemática, en la que la multiplicación de las variaciones produce composiciones, modificando constantemente su estado. Además, evoca algunos principios de la música acusmática, en la que los sonidos se componen, se fijan en un soporte y luego se redistribuyen en el espacio según diferentes configuraciones. Esta forma de difusión no pretende únicamente reproducir la obra, sino ofrecer una interpretación de la misma. La espacialización del sonido le confiere, por tanto, una dimensión perceptiva renovada. A través de estos procesos, Acousma cuestiona la tensión entre reproducibilidad y singularidad, proponiendo formas capaces de modularse sin dejar de mantener una identidad propia, dentro de un sistema generativo abierto. Estas investigaciones contribuyen a una estética de la variación llevada a su límite extremo, donde las formas, sometidas a estos procesos de reconfiguración, tienden a estados de densificación o reducción, lo que potencialmente conduce a composiciones que alcanzan umbrales extremos, entre la saturación y la anulación. El objetivo es, por tanto, explorar las condiciones en las que este sistema puede evolucionar hasta poner a prueba sus límites.

Hasta ahora hemos visto proyectos creados digitalmente. ¿Cómo piensas desarrollar tu trabajo?

El proyecto se desarrolló inicialmente en un entorno digital, que ofrece un espacio privilegiado para la experimentación y la difusión. Las obras digitales, presentadas como simulaciones fotográficas y distribuidas a través de NFT, constituyen la primera expresión del proyecto. Representan su versión fundacional, anterior a los desarrollos físicos, y forman parte de un proceso artístico que combina el dibujo vectorial, la manipulación algorítmica y la composición digital. Actualmente estoy explorando progresivamente las posibilidades de materialización física de estas formas. Esta fase implica la experimentación con diferentes modalidades de producción, técnicas, soportes y contextos expositivos. La cuestión no radica únicamente en la transposición de una obra digital a un objeto físico, sino también en la forma en que estas composiciones pueden existir de manera diferente, en función de su modo de aparición, y se desarrollan a través de diversos medios.

Hasta ahora, tu trabajo se ha desarrollado exclusivamente en blanco y negro. ¿A qué se debe esta elección?

El negro constituye un punto de partida: una base operativa que permite poner a prueba la estructura y la coherencia de las formas. Unifica el sistema y desempeña un papel estabilizador. A partir de esta base, las formas se modulan y se inscriben en el concepto de «reproducibilidad modulante». Actúa como intensificador perceptivo, reforzando la presencia de las composiciones y revelando una tensión estructural más inmediata. Este espacio cromático activa mecanismos de asociación e implica una lectura más intuitiva, abriendo así un espacio de ambigüedad referencial que puede desencadenar una carga simbólica en el espectador. Esta carga simbólica no está ni pensada ni construida de antemano. No reconozco necesariamente las asociaciones de ideas que las composiciones pueden evocar. A través de estas imágenes, percibo operaciones gráficas derivadas de principios que codifican una determinada estética. Durante el proceso creativo, estas operaciones orientan en parte la expresión formal. En el proyecto se inscribe un espacio entre mis afinidades plásticas y la autonomía del sistema. El proceso, al final, impone determinados elementos.

Las imágenes de tus proyectos suelen tener dimensiones ambientales que parecen sugerir relaciones específicas con los entornos en los que aparecen. ¿Cómo entran en juego las dimensiones espaciales y, por consiguiente, temporales en tu obra?

La temporalidad no reside solo en la experiencia del espectador, sino en el propio devenir de estas estructuras, en su capacidad de parecer diferentes según el contexto. Acousma trata de observar cómo una composición modifica su propia presencia en función de las condiciones en las que se encuentra. Una misma composición puede existir como imagen digital, impresión monumental, escultura, instalación, animación o pintura. El espacio puede considerarse, por tanto, una modulación capaz de transformar la forma de lectura y la temporalidad de la propia matriz visual. Cada trasposición de un medio a otro hace que la composición evolucione a través de un ciclo de reinterpretaciones, generando pérdidas y ganancias sucesivas. La presentación digital de las composiciones mediante simulaciones fotográficas constituye una de estas modulaciones y no se limita a ser una simple herramienta de difusión. Tradicionalmente, la obra existe primero en el espacio físico, antes de ser fotografiada, distribuida y archivada digitalmente. Aquí, las composiciones aparecen en el entorno digital incluso antes de materializarse físicamente. Lo digital ya no documenta la obra: se convierte en su primera forma de existencia. La imagen digital deja de ser la representación de un objeto preexistente y se afirma como estado de la forma, una «hipótesis visual». Otros tipos de modulaciones revelan temporalidades ya latentes en la estructura inicial. Un recorte, por ejemplo, hace aflorar un espacio de lectura ya contenido en el interior de una composición. Esta transformación puede provocar la compresión, la expansión o la suspensión del tiempo. Una zona que antes se percibía como un detalle queda así expuesta como una composición en sí misma. Estos elementos, sin embargo, solo abarcan una parte de las relaciones con el espacio y la temporalidad que atraviesan el proyecto. Me han parecido los más adecuados para compartir en un primer momento.

¿Utilizas la tecnología NFT? ¿Esto también se aplica a la venta de estas imágenes?

Sí, toda la colección digital está disponible en OpenSea. El uso de los NFT me ha interesado principalmente por la ambigüedad que introducen en torno a los conceptos de rareza y autenticidad en un entorno intrínsecamente ligado a la duplicación. Esta ambigüedad se hace eco de algunas cuestiones planteadas en Acousma en relación con la reproducibilidad, la variación y el estatus del «original». Estas cuestiones resultan especialmente estimulantes cuando cuestionan y ponen en tensión nuestra forma habitual de pensar sobre la singularidad, la copia o la autenticidad en el ámbito del arte.

Me gustaría pedirte que profundices en la cuestión de la autenticidad y que me cuentes cuáles son tus intereses al respecto.

La cuestión de la autenticidad me interesa en la medida en que se cruza con la del original. Sin embargo, es la naturaleza «en evolución» de nuestra concepción del original lo que me llama la atención. Los criterios según los cuales una obra se reconoce como tal han evolucionado continuamente a lo largo de la historia del arte. Desde esta perspectiva, el estatus del original me parece una cualidad cuyos contornos pueden redefinirse en función de contextos históricos, técnicos, jurídicos, culturales e institucionales. La historia del arte ofrece numerosos ejemplos que demuestran cómo estos criterios se construyen y se consolidan a través de convenciones arraigadas. En el ámbito de la escultura, varias fundiciones de la misma pieza de bronce pueden reconocerse como obras originales cuando cumplen determinadas condiciones. En Francia, hasta ocho fundiciones numeradas, a las que pueden sumarse las pruebas de artista, se consideran generalmente originales. La calificación de una obra como original no se basa, por tanto, únicamente en su singularidad material, sino también en la limitación de la tirada y en el proceso de producción, regulados por marcos normativos específicos. También el arte gráfico, la fotografía y la litografía han demostrado que una obra puede multiplicarse sin perder su condición de original. Los ready-made de Marcel Duchamp, las serigrafías de Andy Warhol y algunas formas de arte generativo han, a su manera, desplazado el concepto de original. En lo que respecta a la autenticidad, los casos de falsificaciones consideradas auténticas ponen de relieve el papel que desempeñan los mecanismos de validación, competencia, procedencia y reconocimiento institucional en su construcción. Hoy en día, los NFT contribuyen a una reconfiguración de algunos de estos mecanismos, introduciendo nuevos procedimientos técnicos de certificación y trazabilidad. La forma en que estos conceptos se interpretan a lo largo del tiempo revela, por tanto, las tensiones en nuestra forma de concebir la obra de arte, su reproducción y su valor. En Acousma, estas tensiones pueden manifestarse como efectos estructurales del proceso de modulación llevado al extremo.

¿Utilizas la inteligencia artificial para crear tus imágenes?

Las composiciones son fruto de intervenciones artísticas personales y no se basan en programas de inteligencia artificial.

El autor de este artículo: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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