por
Noemi Capoccia 
@noe_capo
02/11/2026
Categorías: Opiniones / Descargo de responsabilidad
La 60.ª edición de Lucca Comics & Games llega a su fin con 345 000 asistentes, más de 900 invitados y 14 exposiciones. Desde el diálogo entre Go Nagai y Dante hasta la presencia de Alberto Angela caracterizado como un mandaloriano, un balance sobre la relación entre la cultura pop y el patrimonio histórico. Una convivencia llena de posibilidades, pero no exenta de algunas contradicciones.
Trescientos cuarenta y cinco mil participantes, más de 900 invitados procedentes de todo el mundo, 800 expositores, más de 1.500 eventos y 14 exposiciones. Estas son las cifras con las que se cierra la 60.ª edición de Lucca Comics & Games, que finalizó ayer, 1 de noviembre, tras cinco días en los que el casco histórico ha cambiado de aspecto. A esa cifra hay que sumar a todos aquellos que, sin entrada, han llenado de todos modos las calles y las plazas. Ya en la jornada inaugural, tal y como recoge un artículo del periódico La Nazione (principal socio mediático de la feria), los visitantes ascendían a unos 30 000.
Entre los protagonistas de esta edición, junto a los videojuegos dedicados a la ciudad de Lucca, los cómics, los stands y los ilustradores de fama mundial (y no es precisamente la presencia que cabría esperar), también se encontraba Dante Alighieri. Setecientos años después, El Infierno ha seguido siendo, de hecho, una fuente inagotable de imágenes para los dibujantes. Así lo ha demostrado a través de las ilustraciones de Paolo Barbieri, quien ha representado el mundo dantesco en el volumen *El Infierno de Dante ilustrado por Paolo Barbieri*, presente en la feria. Y lo ha hecho sobre todo con Go Nagai, uno de los invitados de honor, a quien el festival ha dedicado la exposición «Go Nagai – Sol, corazón y acero», que se ha celebrado del 28 de octubre al 1 de noviembre en el Palazzo delle Esposizioni de la Fondazione Banca del Monte di Lucca.
La instalación repasaba las creaciones más conocidas del mangaka: los gigantes de acero como Mazinger Z y Goldrake, que llevaron el anime japonés a Italia, y luego Jeeg, el Gran Mazinger, Getter Robot y Devilman, una de las obras más importantes de su producción. Junto a este universo, el recorrido comparaba a Nagai con la tradición italiana a través de seis obras de las Galerías de los Uffizi: cinco dibujos de la serie de la Divina Comedia realizada por Federico Zuccari entre 1586 y 1588 y una copia deEl alma condenada (o Furia) de Miguel Ángel, atribuida a Francesco Salviati.
El vínculo con Dante, en este caso, tiene bases sólidas. Nagai conoció la «Divina Comedia» a través de los grabados de Gustave Doré y volvió a ella en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera: desde «Mao Dante» (1971) hasta «Devilman» (1972), pasando por la adaptación directa de los años noventa. En sus obras, el demonio es el escenario del enfrentamiento entre la razón y el instinto primordial. Cuernos, colmillos, alas y rasgos animalescos narran en el cuerpo la pérdida de la gracia y el retorno a un estado salvaje. Se trata de un repertorio que pasa por Dante, El Bosco y Doré, y que el manga reelabora, demostrando cómo un poema medieval puede generar nuevas lecturas siglos después.
Para entender por qué todo esto funciona hay que remontarse muy atrás en el tiempo. El cómic parte de un gesto primitivo: el del hombre que dibuja en las cuevas. Antes de la escritura, había una mano que dejaba una marca en la roca para narrar una caza, un animal, un acontecimiento, para decir «yo estuve allí» y «así fue». Pues bien, el cómic proviene precisamente de ahí. Es una forma de comunicación artística que une, vincula y llega a todo el mundo sin ser complicada. No requiere una preparación específica, se dirige tanto a quien tiene diez años como a quien tiene ochenta, y por eso crea comunidad. Si se mira así, la comparación entre Zuccari, Miguel Ángel y Nagai deja de parecer una locura: es la misma necesidad de contar historias a través de imágenes, que cambia de herramientas y de épocas, pero no cambia su naturaleza.
¿Qué ocurre, entonces, cuando el patrimonio museístico se encuentra con imágenes creadas para el cómic? ¿Y es realmente necesario establecer una jerarquía entre estas formas de cultura, o puede la comparación ayudar a comprender mejor ambas? La exposición presentó un ejemplo concreto: el entretenimiento de masas puede convertirse en una herramienta para reinterpretar obras del pasado sin que estas pierdan su especificidad. Creo que la clave está en reconocer que las imágenes dialogan, se transforman y atraviesan épocas y lenguajes diferentes.
La colaboración entre los Uffizi y Lucca Comics & Games, por otra parte, no es nueva. En 2021, el proyecto «Cómics en los museos | Los autorretratos de los Uffizi» incorporó a las colecciones del museo los autorretratos de 52 dibujantes de cómics italianos. En 2024, con motivo del 50. º aniversario de Dungeons & Dragons, se presentaron en Lucca algunos grabados de dragones. Al año siguiente, las figuras musculosas de Baccio Bandinelli entablaron un diálogo con el universo de «Ken el Guerrero» y con la obra de Tetsuo Hara, cuyo autorretrato fue posteriormente adquirido por los Uffizi. Un recorrido que funciona cuando la influencia no se limita a la proximidad entre las obras, sino que construye un vínculo comprensible.
Entre los grandes nombres del cómic internacional presentes en la feria también se encontraba Frank Miller. El jueves 29 de octubre, en el Auditorio de San Romano, el autor estadounidense se reunió con el público en el evento «Frank Miller: 40 años después de la Revolución, acompañado en el escenario por el director editorial de Panini Comics, Marco Marcello Lupoi, para repasar las etapas de su carrera cuatro décadas después de 300, Batman: El regreso del Caballero Oscuro y Daredevil: Renacimiento. Con sus héroes imperfectos y su visión del noir urbano, Miller ha cambiado, de hecho, la forma de narrar el cómic de superhéroes, lo que confirma una vez más que, en Lucca, el cómic es un lenguaje con historia propia y un público dispuesto a reunirse en torno a él.
Sin embargo, un festival como Lucca C&G no vive solo de exposiciones y proyectos museísticos. También tieneun alma comercial y urbana: libros, artículos de merchandising, encuentros con los autores, disfraces, miles de personas en el casco antiguo. Y aquí surge uno de los aspectos más críticos de esta edición: las colas frente a los pabellones de venta de manga y a los espacios dedicados a los autores han sido interminables, una espera que ha acabado consumiendo una parte considerable del tiempo de los visitantes. Además, algunos puestos resultan impersonales, más parecidos a tiendas que a lugares de encuentro, donde se entra, se compra y se sale. Sin embargo, esas colas también reflejan una parte esencial del evento: el deseo de conocer en persona historias y personajes, comprar libros, sentirse parte de una comunidad de aficionados. Se trata de una participación cultural que, en realidad, no debe descartarse como un mero consumo superficial.
Sin embargo, cabe preguntarse cuánto espacio hay, en un evento tan concurrido, para detenerse a mirar, leer, profundizar, y cómo se concilian flujos de tal magnitud con la puesta en valor del patrimonio histórico de la ciudad.
Lo mismo puede decirse de las demás exposiciones de la feria. «Claudio Castellini: Tocchi da Maestro», en la Fondazione Banca del Monte, presentaba más de 120 láminas originales y repasaba la obra del artista, desde los cómics de Bonelli hasta sus trabajos para Marvel y DC. Frente a los originales se podían observar de cerca el dibujo, la construcción anatómica, el claroscuro y la representación plástica de los cuerpos, aspectos que la impresión a menudo pasa por alto. Castellini es también el autor del metapóster de la edición de 2026, creado con personajes y referencias a ediciones anteriores del festival.
También merece una mención aparte el número 3701 de Topolino, con la portada alternativa firmada precisamente por Paolo Barbieri para la serie Wizards of Mickey. No lo consideremos como una pieza de colección o un producto vinculado a una marca conocida. El mismo artista que ilustró el «Infierno» de Dante firma la portada del cómic más popular de Italia, y es un buen recordatorio: el talento no conoce las jerarquías que a menudo le atribuimos. Detrás de una imagen así hay inventiva, técnica, composición, interpretación; es decir, práctica artística en toda regla. Entonces, ¿por qué una obra solo merece atención cuando entra en un museo o en una galería? Y, por el contrario, ¿basta con que el autor sea reconocido para reconocer su valor sin preguntarnos qué trabajo hay detrás?
No creo que se trate de establecer de una vez por todas qué es el arte. Hay que aprender a contemplar las imágenes en su contexto, sin confundir el valor cultural con el éxito comercial y sin pensar que pertenecer a la cultura juvenil sea, en sí mismo, una garantía de calidad o un motivo de exclusión.
En Lucca, la frontera entre el arte y lo que hoy en día se denomina «cultura pop» también se podía encontrar entre los puestos de cartas de Pokémon. Entre las vitrinas de los coleccionistas, una de las más singulares fue la del «Pika-Portrait», la carta en la que Pikachu aparece retratado vestido como Van Gogh, con un valor de 1.000 euros. Un homenaje a uno de los pintores más famosos de la historia del arte, convertido en una pieza de colección ante la que los visitantes se detenían a mirar y a comentar. Detrás de esa cartulina se esconde el mismo mecanismo que impregna toda la feria: una imagen popular que hace referencia a un maestro del pasado y, al hacerlo, lo vuelve a poner en circulación entre un público de todas las edades.
El tema se hace aún más evidente al salir de las salas y llegar al centro urbano de Lucca. La Piazza San Michele, en el centro histórico de la ciudad, fue uno de los lugares donde el festival tuvo mayor visibilidad, con instalaciones relacionadas con universos narrativos muy populares, como el de Harry Potter, concebidas para presentar la serie de HBO que se estrenará en los próximos meses. El 31 de octubre, esa misma plaza fue escenario de otro evento muy esperado: la serie de Disney+ «Percy Jackson y los dioses del Olimpo» regresó a Lucca trayendo por primera vez al festival a los actores Walker Scobell, Leah Sava Jeffries y Aryan Simhadri, que se asomaron ante el público precisamente desde la Piazza San Michele.
Y si en San Michele el efecto es el de un escenario, la Piazza Napoleone ha seguido, en cambio, otro camino. Durante los días del festival, el espacio frente al Palazzo Ducale se transformó en una gran zona de exposición, con dos stands gigantescos. Una solución que, en general, ha dado buenos resultados: la plaza mantiene (como cada año) un aspecto ordenado, sin perder del todo su carácter distintivo y logrando gestionar la presencia del público. Sin embargo, aquí tampoco han faltado las largas esperas, con colas que, en algunos momentos, han acabado restando tiempo a la visita a los stands.
Queda por preguntarse si una plaza así, ocupada por dos grandes pabellones, sigue siendo ella misma o se convierte, durante unos días, en una extensión de la feria: y si esto, en el fondo, es algo negativo. No es una disyuntiva sencilla: las instalaciones atraen a nuevos públicos y convierten a la ciudad en una protagonista activa, y al mismo tiempo se plantea el problema del equilibrio entre los espacios públicos, la identidad histórica y las lógicas comerciales. El centro histórico no es un contenedor neutro: hay personas que viven y trabajan allí, todos los días, haya festival o no. La gestión de los flujos, los cierres y las molestias de la vida cotidiana forman parte del balance, que no puede reducirse al número de asistentes.
Y si hacía falta una prueba de lo mucho que Lucca sabe involucrar a todo el mundo, Alberto Angela la ha dado. El 31 de octubre, en su primera participación en Lucca Comics & Games, el divulgador se unió al desfile dedicado a Star Wars, desfilando junto al resto de participantes caracterizado como un mandaloriano. Solo al final del evento, una vez que llegó a la alfombra roja, se quitó el casco, revelando su identidad. Incluso él, rostro emblemático de la divulgación cultural italiana, se sumó al espíritu de Lucca Comics y decidió sumarse a la fiesta en lugar de observarla desde fuera. Por la tarde subió al escenario del Teatro del Giglio Giacomo Puccini para el encuentro «Conocer es una aventura», en diálogo con Gianluca Gazzoli, dedicado a la divulgación y al poder de la narración a partir del libro *Cesare. La conquista de la eternidad* (Mondadori). De la historia al teatro en cuestión de unas pocas horas: la «alta» cultura y la cultura popular pueden coexistir en una misma jornada y, a veces, me atrevería a decir, en una misma persona.
Una vez concluido el festival, el balance se compone de luces y, quizás, alguna que otra sombra. Lucca Comics & Games reúne propuestas muy diversas en cuanto a lenguaje, público y objetivos: algunas han creado un diálogo cultural estructurado, otras han respondido sobre todo a la lógica del espectáculo y del comercio. Mantenerlas juntas significa reconocer que es precisamente su convivencia la que nos obliga a cuestionarnos el papel de una ciudad de arte durante un evento de esta envergadura. Quizá, entonces, la pregunta no sea si una ciudad de arte puede hablar el lenguaje del manga, de los videojuegos o de las series de televisión. Sino si es capaz de hacerlo sin limitarse a ceder sus plazas, y si sabe transformar el encuentro entre el patrimonio y la cultura friki en una ocasión para el conocimiento. Una ciudad de arte no es solo aquella que conserva las obras del pasado: es también aquella que crea las condiciones para que estas sigan siendo interpretadas y comparadas con las imágenes del presente.
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