Jannis Kounellis, le Grec de l'Arte Povera. Vie, style, œuvres

Jannis Kounellis (Il Piraeus, 1936 - Rome, 2017), artiste d’origine grecque, naturalisé italien, est l’un des principaux représentants de l’Arte Povera, dont le modus operandi consiste en la récupération et la réutilisation de matériaux mis au rebut pour créer des installations, qui visent à dépasser les limites physiques du tableau en tissant un lien entre l’œuvre et son environnement.

Kounellis rejoint les autres Poveristes vers 1967, assez naturellement, car le peintre, à partir de ses débuts sur toile, proches de l’abstractionnisme, avait déjà manifesté quelques années auparavant une certaine crise de la peinture et commencé à introduire des éléments proches de la performance. La musique classique, les animaux vivants et les matériaux naturels tels que le charbon de bois allaient devenir des éléments récurrents dans l’œuvre de Kounellis, qui est restée active jusqu’à quelques années avant sa mort en 2017.

En tant qu’artiste et en tant que personne, Kounellis a toujours senti le thème de l’idéologie politique très proche de lui, car il a vu de ses propres yeux la guerre civile dans sa Grèce natale, un traumatisme qui lui a apporté une relation d’impatience avec sa patrie. En outre, Kounellis a souvent manifesté une tendance à la déception et à la remise en question de certaines conventions de l’art, auxquelles il n’a pas manqué de répondre par ses installations, jusqu’à une sorte de repli sur des schémas qu’il avait déjà suivis dans sa jeunesse et que l’on peut observer dans la dernière phase de sa vie.

La vie de Jannis Kounellis

Jannis Kounellis est né en Grèce, au Pirée, le 23 mars 1936 : il y est resté jusqu’à l’âge de vingt ans. Pendant son enfance, il a vécu la guerre civile grecque de 1946-1949, et cette situation particulière a grandement influencé le développement de l’identité politique de Kounellis et a également conditionné sa vision artistique. Dès l’adolescence, Kounellis réalise quelques œuvres et commence à prendre des cours de dessin, avant de choisir de s’inscrire d’abord à l’Institut d’art d’Athènes, puis à l’École des beaux-arts, où il ne reste cependant qu’un an en raison de frictions avec ses professeurs.

Après cet épisode, Kounellis quitte la Grèce et poursuit sa formation artistique loin de sa patrie, décidant de rompre radicalement avec ses origines et même de les renier pendant longtemps. Il s’installe alors en Italie, à Rome, précisément le jour de l’an 1956. Il s’inscrit à l’Académie des beaux-arts de la capitale italienne, où il a l’occasion d’étudier avec Toti Scialoja, qui s’avère être une grande référence pour sa formation à l’art informel et sa connaissance de l’expressionnisme abstrait. En général, l’environnement culturel de Rome a été très important pour l’artiste, car il lui a permis d’élargir ses horizons et de trouver, de son propre aveu, des ferments vivants et nouveaux qui faisaient totalement défaut en Grèce.

Kounellis inaugure sa première exposition personnelle en 1960, en présentant les œuvres qu’il a créées pendant ses études à l’Académie des beaux-arts. L’exposition, qui se tient à la galerie Tartaruga de Rome, s’intitule L’Alphabet de Kounellis, car il s’agit d’une série de toiles blanches sur lesquelles se détachent de grandes lettres de l’alphabet, ainsi que des chiffres et d’autres signes, peints à l’aide de peintures acryliques noires. Une deuxième exposition personnelle a lieu en 1964 dans le même espace d’exposition. En 1961, il participe à sa première exposition collective dans le cadre du XIIe Premio Lissone, avec une œuvre similaire à celles déjà exposées lors de sa première exposition personnelle, inaugurant ainsi une longue série de participations à diverses expositions italiennes et européennes.

L’année 1967 a certainement été une année fondamentale pour Kounellis. En effet, cette date marque tout d’abord une nouvelle évolution de son art, par laquelle il abandonne de plus en plus la toile pour s’approprier l’espace environnant à travers des installations, en accord avec une crise générale de la peinture et de l’avant-garde qui se manifeste dans l’art contemporain. En outre, la même année, il commence à collaborer avec les artistes qui formeront le collectif de l’Arte Povera. Il participe en effet à plusieurs expositions du groupe : Lo spazio degli elementi : fuoco immagine acqua terra à la galerie romaine Attica, Arte povera - Im-spazio à la galerie La Bertesca de Gênes, et l’année suivante, il est également présent à l’exposition-événement Arte povera più azioni povereaux Antichi arsenali d’Amalfi. Toujours en 1968, Kounellis participe pour la première fois à une exposition aux États-Unis, une exposition collective itinérante intitulée Young Italians. Les années 1980 sont celles de la consécration de Kounellis en tant qu’artiste de renommée internationale, grâce à son activité incessante d’expositions en Europe et aux États-Unis, y compris des expositions individuelles et des rétrospectives dédiées, qui se poursuivent déjà depuis les années 1970. L’artiste est ensuite devenu professeur de peinture en Allemagne, notamment à la Kunstakademie de Düsseldorf, entre 1993 et 2001. Il est décédé à Rome le 16 février 2017 des suites de problèmes cardiaques.

Le style et l’œuvre de Jannis Kounellis

Les intentions artistiques de Jannis Kounellis se distinguent immédiatement de celles de ses maîtres, dont Toti Scialoja déjà cité, par une vision très personnelle de l’art et du message à transmettre, un aspect qui a toujours été présent chez Kounellis, depuis ses années d’études à l’Académie des beaux-arts de Rome. Kounellis a rapidement identifié un motif récurrent à présenter sur la toile, composé de signes typographiques sombres (lettres de l’alphabet, chiffres et signes) se détachant sur des fonds clairs, créant ainsi un langage réduit à l’os et jamais purement esthétique, mais plutôt accessible et compréhensible par tous. Même le choix de travailler avec des matériaux de tous les jours exprime la volonté claire de Kounellis d’éliminer toute approche finaliste des œuvres pour faire de l’art un langage universel. C’est la période des œuvres sans titre datées entre 1958 et 1960. Kounellis a délibérément intitulé une grande partie de sa production de cette manière, afin d’annuler tout apport personnel de l’artiste et de laisser le spectateur libre de trouver sa propre interprétation.

Les œuvres datant des années 1960 coïncident avec la participation de Kounellis aux expositions du groupe Arte Povera. Il s’agissait d’un collectif d’artistes qui, à l’opposé de l’art traditionnel, récupérait des matériaux de rebut “pauvres” tels que la terre, le bois, le plastique, les textiles et autres pour créer des installations conçues dans le but d’éliminer toute limitation physique donnée par la peinture et de créer au contraire un lien entre l’œuvre elle-même et son environnement. Kounellis s’inscrit assez naturellement dans ce contexte, puisqu’il avait déjà créé depuis un certain temps une forme embryonnaire de performance en peignant en direct lors de ses expositions et, une fois l’œuvre achevée, en déclamant à haute voix les lettres et les signes qu’il représentait de temps à autre. Lors de ces événements, Kounellis soignait chaque détail, y compris sa tenue vestimentaire : il avait l’habitude de porter une toile peinte rappelant les vêtements portés par Hugo Ball lors des soirées dadaïstes au célèbre Cabaret Voltaire de Zurich au début des années 1900, rendant ainsi explicitement hommage à la première avant-garde.

La tendance de l’artiste à la performance se poursuit lorsqu’en 1964, Kounellis crée ses premières œuvres avec un accompagnement musical. Par exemple, dans une autre œuvre intitulée Sans titre, Kounellis peint sur la toile les notes des trois premières mesures de la chanson Petite fleur (1952) de Sidney Bechet, qu’il joue tout en admirant l’œuvre. Entre-temps, l’art contemporain connaît des tournants importants. Dans la seconde moitié des années 1960, en effet, les artistes commencent à repenser les avant-gardes comme n’étant plus considérées comme satisfaisantes, mais plutôt comme dépassées, et comme l’expression d’un individualisme de l’artiste qui n’a plus lieu d’être. Nous étions entrés dans le tempérament idéologique qui allait conduire aux mouvements de protestation de 1968, et Kounellis y était pleinement impliqué, commençant à avoir des crises profondes concernant la peinture. Les œuvres de cette période se révèlent être essentiellement des happenings, dans lesquels la musique est présente de manière de plus en plus prépondérante par rapport aux années précédentes.

L’urgence de Kounellis, bien avant les autres artistes italiens, est de pouvoir établir un rapport aussi direct que possible entre l’art et la réalité objective. Il commence donc à expérimenter différents matériaux et à les combiner avec la présence d’animaux vivants. Par exemple, dans une autre œuvre intitulée Sans titre, il applique temporairement trois roses de tissu blanc sur la toile à l’aide de pinces et y fixe des cages avec des oiseaux vivants à l’intérieur. L’application temporaire des tissus visait à symboliser la fragilité des systèmes et des codes linguistiques.

Une autre œuvre très significative en ce qui concerne le dépassement de la bidimensionnalité de la toile est Margherita di fuoco (1967), qui consistait en une fleur métallique au centre de laquelle était placé le collecteur d’une bouteille de gaz d’où émanait une flamme bleue. La flamme est une référence directe à l’élément feu, très cher à Kounellis puisqu’il a traversé les siècles indemne, découvert par l’homme à la préhistoire, puis utilisé au Moyen Âge comme moyen de punition et de martyre, jusqu’à son application récente dans l’industrie moderne. Un autre élément avec lequel Kounellis a travaillé fréquemment et qu’il a présenté pour la première fois lors de l’exposition Arte Povera - Im-spazio en 1967 est le charbon, placé à l’intérieur d’une structure métallique appelée “boîte à charbon”. L’artiste était très fasciné par cette combinaison de contenant et de contenu. En fait, il s’agissait pour lui d’une métaphore de la rencontre entre l’élément artificiel qu’est le bol de charbon et la matière naturelle qu’il contient, qui laisse des traces tangibles, le charbon salissant et tachant tout ce avec quoi il entre en contact.

À la fin des années 1960, Kounellis s’est également essayé à un certain nombre de décors pour des représentations théâtrales, qui souvent n’étaient pas simplement conçus comme un élément de fond sur lequel se déroulait la scène jouée, mais avaient pour but d’apporter des éléments perturbateurs sur la scène, qui étaient délibérément dérangeants à la fois pour le public et pour les acteurs, qui étaient forcés de jouer d’une manière inhabituelle. Le feu revient ensuite comme protagoniste dans une installation conçue pour la galerie Iolas à Paris, dans laquelle Kounellis utilise à nouveau des collecteurs de bouteilles de gaz en les insérant le long des murs de la pièce. Une fois les collecteurs allumés, les flammes du gaz empêchent le spectateur d’entrer dans la pièce, qui s’est entre-temps entièrement remplie de fumée, mettant ainsi en scène la distance entre l’artiste et le spectateur de ses œuvres, ainsi que la métaphore de l’éclatement de la contestation idéologique et politique en 1968.

Un autre tournant dans les expériences de Kounellis se produit en 1969 avec l’installation Untitled dans laquelle apparaissent pour la première fois des chevaux vivants, un élément récurrent dans l’œuvre de l’artiste. Conçue pour inaugurer les nouveaux locaux de la galerie L’Attico de Fabio Sergentini, l’œuvre consiste à attacher douze chevaux vivants aux murs de la galerie à intervalles réguliers. Le spectateur, immergé dans un moment multisensoriel qui stimulait surtout l’odorat, la vue et l’ouïe, restait néanmoins inhibé et mal à l’aise face à la présence encombrante des animaux et avait tendance, de manière presque inconsciente, à rester sur les côtés de l’espace disponible. Le cheval n’a pas été choisi au hasard, il s’agit plutôt d’une référence directe à l’art ancien, créant ainsi un choc entre le passé et le présent, mais aussi entre la culture et la matière.

Les bruits industriels (tels que ceux générés par les collecteurs des bouteilles de gaz en feu) ou naturels (tels que ceux produits par les chevaux) ont progressivement cédé la place, dans les années 1970, à la musique classique, utilisée à la fois pour impliquer à nouveau le public dans une écoute active et comme référence culturelle et idéologique européenne par rapport à la situation politique du moment, par exemple en choisissant le Và pensiero du Nabucco de Verdi pour une représentation dans le cadre d’une exposition d’Achille Bonito Oliva en 1970, avec une intention politique évidente. Dans une autre performance, en 1973, Kounellis a disposé sur une table des fragments d’une statue en plâtre du dieu grec Apollon et un corbeau empaillé, puis s’est présenté au public avec un masque, tandis qu’un flûtiste jouait des morceaux de Mozart toutes les deux minutes, déclarant ainsi tout le découragement ressenti par les choix politiques et l’incapacité de l’artiste à apporter un changement dans une société qui était alors complètement individualiste. Entre les années soixante-dix et quatre-vingt, cependant, une sorte de déception s’installe chez Kounellis du fait que l’Arte Povera cède la place à des logiques plus commerciales dictées par les galeries, et par conséquent, ses œuvres s’assombrissent.

En 1974, apparaissent pour la première fois des pyramides de café en poudre, présentées au public comme s’il s’agissait d’une marchandise à vendre, un élément qui reviendra plus tard et qui a une double signification : d’une part, c’est une manière de poursuivre le raisonnement sur l’odorat, qui avait déjà commencé avec la présence d’animaux vivants, et d’autre part, le café est utilisé comme référence à la culture d’origine méditerranéenne et au commerce extensif.

Les années 1980 constituent une période de désenchantement total pour Kounellis, qui commence à éliminer les éléments vivants de ses œuvres, substituant de plus en plus la suie au feu et les animaux empaillés aux animaux vivants. Dans les années 1990, l’artiste a repris certaines solutions qu’il avait déjà entreprises dans le passé avec une maturité nouvelle et plus méditative, évoluant vers une plus grande conscience de la monumentalité. L’une des œuvres les plus significatives de cette période est Offertorio (1995), installée sur la Piazza Plebiscito à Naples, qui consiste en une dalle métallique d’où jaillissent des langues de feu au centre de la place, tandis qu’au même moment deux cents armoires soutenues par de lourdes cordes sont suspendues à la voûte du portique de l’église de S. Francesco di Paola, confirmant un dialogue entre différents matériaux qui se transmettent à travers l’histoire et qui resteront pour les générations futures.

En 1995, il réalise une autre œuvre de grande importance politique: le monument à la mémoire de Concetto Marchesi, Egidio Meneghetti et Ezio Franceschini, également connu sous le nom de Résistance et Libération , pour la cour de l’université de Padoue, à l’occasion du 50e anniversaire de la Résistance italienne. Au début des années 2000, il réalise une installation particulière à la GNAM - Galerie nationale d’art moderne de Rome, à savoir un grand labyrinthe en tôle dans lequel sont placés divers éléments de son art, tels que des tas de charbon, des tas de pierres et autres. Il continuera à réaliser diverses installations en Italie jusqu’en 2012.

Où voir les œuvres de Kounellis

Les œuvres de Kounellis, dont la plupart sont sans titre, se trouvent dans plusieurs musées italiens. Dans le nord de l’Italie, on peut citer le Museo San Fedele Sacello degli Asburgo, à Milan, le Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci, à Prato, et le Centro Arti Plastiche, à Carrare. Dans le centre, les œuvres de Kounellis se trouvent au MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo sez. d’arte figurativa, à Rome. L’œuvre Margherita di fuoco (1967) se trouve également à Rome, dans la collection Mario Pieroni.

Enfin, dans le sud de l’Italie, on peut voir ses œuvres à Naples, au Museo d’arte contemporanea Donnaregina MADRE et au Museo di Capodimonte ; à la Reggia di Caserta dans la Terrae Motus Collection et enfin à Palerme au Palazzo Riso - Museo Regionale d’Arte moderna e contemporanea.

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