by Emanuela Zanon 23/10/2026
Catégories: Bilan de l'exposition / Avis de non-responsabilité
Fourrure noire, moquette blanche et cheminées transformées en pattes : le duo Cuoghi Corsello transforme le MAMbo de Bologne en un animal, et l’exposition « Tra le nuvole » invite à percevoir l’espace avec son corps, à travers une œuvre qui renouvelle la recherche de deux artistes ayant grandi au sein de la contre-culture bolognaise. La critique d’Emanuela Zanon.
Ceux qui ont fréquenté Bologne dans les années 90 se souviennent certainement d’une oie stylisée aux pattes longues et articulées qui se poursuivait d’une rue à l’autre sur les murs, portails, volets roulants et armoires électriques, dont les apparitions semblaient indiquer l’existence d’un réseau de conduits secrets qui, reliés entre eux, dessinaient la carte alternative d’une métropole parallèle, parcourue par des interconnexions soustraites à la cartographie officielle. Il s’agissait de Pea Brain, à la fois la créature et le pseudonyme sous lequel Monica Cuoghi (Mantoue, 1965) avait commencé à parsemer l’espace urbain de la capitale émilienne au milieu des années 80, destinée à devenir l’un des symboles de son association avec Claudio Corsello (Bologne, 1964), qui, à cette époque, signait les murs sous le nom de CK8. Lancée en 1986, leur collaboration allait se consolider en 1989 pour former une identité unique. À cette époque, animée par l’effervescence des centres sociaux, du graffiti et d’une contre-culture qui cherchait dans les recoins de la ville ses propres lieux de rassemblement, Cuoghi Corsello a pratiqué un art de la frontière, fait d’interventions spontanées dans l’espace public, d’installations éphémères et d’objets trouvés, réfractaires aux logiques du marché. C’était la même constellation dans laquelle évoluait la Mutoid Waste Company, un collectif britannique qui, dès 1990, avait trouvé à Santarcangelo di Romagna, dans le village de Mutonia, la base de ses sculptures assemblées à partir de ferraille et de carcasses de voitures, et au sein de laquelle la communauté bolognaise du graffiti, de Dado à Rusty, avec laquelle Cuoghi elle-même allait se mesurer, transformait les murs en une programmation collective. Bologne, d’ailleurs, avait été l’une des premières villes européennes à reconnaître à ce langage une dignité muséale : en 1984, Francesca Alinovi avait fait venir à la Galerie d’Art Moderne les figures de proue du graffiti new-yorkais avec l’exposition « Arte di Frontiera ». Trente ans plus tard, la situation semblait s’être inversée. En 2016, Blu effaça ses propres fresques murales bolognaises en signe de protestation contre une exposition qui en retirait d’autres de leurs emplacements d’origine, les soustrayant ainsi à la collectivité, consacrant par un geste iconoclaste l’incompatibilité entre cette culture et le musée. À l’opposé, dix ans plus tard, Cuoghi Corsello a choisi de s’exposer au MAMbo avec « Tra le nuvole », acceptant de se confronter à l’institution muséale sans renier l’éthique de ses débuts, profondément enracinée dans la pratique du squat, la reconquête d’espaces abandonnés transformés en lieux de vie et de création. Ce n’est pas la première fois que le duo se confronte à une institution muséale : Cuoghi Corsello a participé à la XIIe Quadriennale de Rome en 1996, dans la section consacrée aux dernières générations, à « Rolando » au MACRO en 2017 et à la Quadriennale FUORI de 2020, toujours selon ses propres conditions et en préservant l’autonomie de sa recherche.
En l’espace d’une décennie, le duo s’est installé dans trois complexes industriels désaffectés du quartier Mazzini : les anciens Magazzini Generali rebaptisés Giardino dei Bucintori (1994-1996), l’ancienne usine de matelas Silma, devenue Cime Tempestose (1996-2001) et, enfin, l’ancienne concession FIAT (2001-2005). Ils les ont transformés en lieu de vie, en atelier et en œuvre totale, où chaque geste domestique, du déplacement d’un meuble à la disposition des pierres ramassées dans la cour, acquérait la valeur d’une composition, selon une idée, revendiquée par les artistes eux-mêmes, qui faisait de la vie quotidienne une installation en perpétuelle évolution. Les anciennes usines, conçues pour rythmer le travail en série, étaient ainsi soustraites à leur vocation productive et rendues à un temps libre et rituel, où la pratique artistique coïncidait avec un choix de vie et une forme de résistance à la normalisation. Outre les murs et les espaces occupés, le duo s’est exprimé à travers la musique, la vidéo, la bande dessinée, la photographie, les constructions électromécaniques et les sculptures lumineuses au néon, peuplant cet univers de personnages féériques et irrévérencieux tels que Petronilla, Bello, Suf ou Schifio, chacun doté de sa propre biographie (Petronilla, hybride entre un canard et un organe sexuel féminin né en 1992 des métamorphoses de Pea Brain ; Bello, un sourire à l’expression niaisque tracé sur un caisson lumineux et depuis lors reproduit à l’identique en néons ; Suf, la signature d’une petite fille qui aspire à dessiner au moins suffisamment de lettres ; Schifio, démon gardien de la ville).
Organisée par Lorenzo Balbi et Fulvio Chimento et articulée en deux phases distinctes, dont la première vient d’être inaugurée dans la Sala delle Ciminiere, « Parmi les nuages » renonce à la formule de la rétrospective et transpose au sein d’un musée municipal la même radicalité avec laquelle, il y a trente ans, le duo occupait des usines abandonnées. Au lieu d’une anthologie d’œuvres historiques, Cuoghi Corsello choisit d’accomplir un geste unique, qui s’approprie l’architecture tout entière et la transforme en un corps vivant. Le protagoniste de cette intervention est Quadrupede, l’un de ses personnages les plus énigmatiques, né sous forme de bande dessinée en 1994 et que le duo reconnaît depuis lors dans les objets les plus divers : une vieille poutre appuyée sur deux tréteaux, les tubes de soutien d’un rideau, la fourrure sur laquelle une amie pranéthérapeute imposait ses mains. Dans les bandes dessinées originales, tracées à la plume avec un trait essentiel et enfantin, la créature a le corps cylindrique d’un tronc, quatre pattes trapues et un museau tubulaire semblable à un conduit de cheminée. Elle monte les escaliers, se recroqueville pour dormir, se contorsionne dans des poses improbables, se laisse enlacer et transporte sur son dos ceux qui lui demandent de faire un tour, avec ce mélange de candeur et d’absurde qui caractérise l’imaginaire du duo. Revue aujourd’hui, cette silhouette tubulaire semble presque annoncer la cheminée. Quadrupede possède un museau démesuré et des sens différents de ceux des humains, qui lui permettent de s’orienter dans des dimensions de l’existence qui nous sont inaccessibles, et incarne avec une efficacité particulière le statut des créatures du duo : des fragments de monde érodés et recyclés dans lesquels les artistes ont toujours identifié une forme de vie latente. À Bologne, en 2000, l’exposition « Quadrupedi » à l’atelier Ercolani en avait rassemblé un premier troupeau, tandis que dans le projet « Quadrupedi al pascolo », organisé par Gabriele Tosi pour Localedue, les sculptures étaient mises à l’abri la nuit dans la galerie comme dans une étable et sortaient le jour pour paître sur la place voisine, parmi les passants. Une image générée par l’intelligence artificielle en 2024 montre enfin la créature marchant au-dessus d’une mer de nuages, ses pattes noires et poilues enfoncées dans le blanc, vision dont découlent le titre de l’exposition et la transformation de l’espace d’exposition.
La Sala delle Ciminiere constitue le cœur de l’exposition du MAMbo, qui occupe depuis 2007 l’ancien Forno del Pane, une boulangerie municipale construite pendant la Première Guerre mondiale pour garantir du pain à prix réglementé à la population, puis reconvertie en musée selon un projet du cabinet d’Aldo Rossi en collaboration avec Arassociati. Pour deux artistes qui se sont toujours attachés à remodeler des espaces désaffectés, le choix d’un bâtiment industriel rendu à la ville semble répondre à cette logique des correspondances que Cuoghi Corsello a toujours aimé reconnaître dans les événements. Au rez-de-chaussée, sous une toiture soutenue par des fermes métalliques en arc, deux hautes cheminées en maçonnerie témoignent encore de la fonction d’origine du bâtiment. Cuoghi Corsello les recouvre à la base d’une fourrure synthétique noire à poils longs et, plus haut, d’un tissu sombre, les transformant ainsi en pattes d’un Quadrupède noir qui repose sur le dos d’un deuxième exemplaire, blanc, coïncidant avec le sol recouvert d’une moquette d’un blanc immaculé. Les pièces adjacentes, vidées de tout objet et revêtues du même blanc, sont éclairées par de larges panneaux au plafond qui éblouissent le regard et effacent les angles, créant ainsi une sorte d’espace résiduel dilaté à l’infini. Le visiteur se retrouve ainsi à parcourir un cadrage partiel de deux corps démesurés, dont l’intégralité dépasse les murs du musée et reste confiée à l’imagination : il marche sur le dos de l’animal blanc et peut effleurer le poil des pattes de celui qui est noir, sans pouvoir en embrasser les proportions réelles du regard.
Dépouillée de ses aménagements habituels, l’architecture s’offre au regard dans sa structure nue (les arcs métalliques qui soutiennent la voûte, les piliers sombres alignés le long des murs comme des côtes, les deux fenêtres carrées en haut au fond), se déguisant en animal pour révéler sa propre anatomie. C’est un minimalisme hétérodoxe, dépourvu de la rigueur géométrique et glaciale de celui de l’histoire : les cheminées poilues, avec leurs mèches effilochées le long des arêtes comme une crinière agitée par le vent, conservent l’ironie et la tendresse des personnages du duo, et marquent l’entrée de la bande dessinée dans le monde de l’architecture. Du « Déjeuner en fourrure », avec lequel Meret Oppenheim, en 1936, recouvrait une tasse à thé de fourrure, aux monuments emballés par Christo et Jeanne-Claude, le revêtement a souvent dépouillé les objets de leur fonction pour les restituer au regard avec une évidence inédite. Cuoghi Corsello en propose une déclinaison affectueuse et domestique, où la fourrure transforme le conduit d’un four industriel en un membre animal et la cheminée, emblème du travail du XXe siècle, en une patte à caresser. Le public pénètre dans la salle pieds nus, en rangeant ses chaussures dans des sacs compostables personnalisés par les artistes, et avance sur une surface moelleuse qui amortit les pas et éveille toutes les autres facultés, avec une efficacité de stimulation perceptive que de nombreuses expositions se disant immersives poursuivent en vain, et qui découle ici d’une rare simplicité de pensée et de matériaux. En tirant parti des capacités sensorielles alternatives de Quadrupede, le visiteur est invité à percevoir l’espace à travers la plante du pied, le silence (ou les interactions avec les autres visiteurs) et la lumière diffuse, et finit par se sentir rapetissé, presque dématérialisé, tel un minuscule hôte qui se faufile entre les pattes d’un géant ou en explore le ventre. Cette évocation prend une profondeur supplémentaire si l’on considère l’histoire du bâtiment : le four qui, il y a un siècle, nourrissait la ville devient le ventre d’une créature fantastique, et le musée, de simple réceptacle d’œuvres, se transforme en organisme qui accueille ses visiteurs comme une source de nourriture.
Le contexte dans lequel ce projet a vu le jour contribue également à rehausser sa valeur. Dans une période marquée par une réduction progressive des ressources allouées à la culture publique, qui a également touché les musées municipaux de Bologne (la responsable du secteur des musées municipaux de Bologne, Giorgia Boldrini, a elle-même évoqué le poids des coupes budgétaires imposées aux collectivités locales et l’absence de renouvellement du personnel, soulignant la nécessité pour chaque musée de renoncer à une gestion autonome de son budget au profit d’économies d’échelle), « Tra le nuvole » a été réalisée avec des moyens modestes, grâce au soutien technique d’entreprises du secteur textile et à une collecte de fonds lancée via l’Art Bonus. Le résultat démontre à quel point la force d’une idée peut compenser la modicité du budget, lorsqu’elle naît d’une recherche intelligente, sincère, étrangère aux pressions du marché et, de ce fait, capable de conserver, quarante ans après ses débuts, la fraîcheur de l’inspiration originelle. Peu de matériaux, une intuition claire et la confiance dans la capacité d’empathie du public suffisent à produire une expérience d’une intensité surprenante, preuve que la pauvreté des moyens coïncide depuis toujours, pour Cuoghi Corsello, avec la condition première d’une poétique fondée sur la soustraction et la réinvention. À la fin de l’exposition, la moquette sera récupérée et transformée en nouveau fil, selon une logique de valorisation qui reprend, dans une version actualisée, la pratique du recyclage que le duo cultive depuis l’époque des squats, lorsque les meubles, poupées et peluches récupérées parmi les déchets devenaient des catalyseurs magiques d’un enchantement quotidien.
Le 19 novembre, à l’approche de la clôture de la première phase, le groupe RN, fondé dans les années 80 et composé aujourd’hui de Claudio Corsello à la basse, Monica Cuoghi à la harpe et au chant et Ico à la batterie, célébreront à l’extérieur du musée le rituel des moquettes, destiné à mettre en scène les œuvres restées longtemps enroulées en vue du deuxième acte. À partir du 2 décembre, en effet, la Sala delle Ciminiere changera de visage pour accueillir une vaste sélection de la production picturale du duo réalisée entre 2001 et 2021 : moquettes, draps et toiles préparées, certaines peintes et d’autres laissées intactes. Au vide suspendu du premier chapitre succédera donc le repeuplement, et le Quadrupède immaculé qui accueille aujourd’hui les visiteurs cédera la place à ce que le texte d’exposition présente comme ses rêves, évoqués sans aucune hiérarchie, comme si la créature, après avoir digéré le musée, en restituait le contenu onirique.
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