by Redazione 15/10/2026
Catégories: Expositions / Avis de non-responsabilité
Du 16 octobre 2026 au 7 février 2027, le MAXXI de Rome présente la plus grande exposition monographique jamais consacrée à Sophie Calle en Italie. En parallèle, Tatiana Bilbao signe « Campo aperto », une installation de la neuvième édition de NATURE, inspirée du jeu de la pelota et de la relation entre l'architecture et la communauté.
Du 16 octobre 2026 au 7 février 2027, le MAXXI de Rome accueille deux nouveaux projets d’exposition : « Sophie Calle. Mariages, ruptures et funérailles compris, organisée par Simona Antonacci, dans la Galerie 2, et Campo aperto de Tatiana Bilbao Estudio, dans la Salle Gian Ferrari, dans le cadre de la neuvième édition du programme NATURE 09. La première est la plus grande exposition monographique jamais réalisée en Italie sur l’artiste française et retrace plus de quarante ans de recherche sur les thèmes de la mémoire, de la perte et de l’absence ; la seconde est une installation in situ qui, s’inspirant du jeu de la pelota des civilisations mésoaméricaines, explore la relation entre l’architecture, l’espace et la communauté.
Sophie Calle. Mariages, ruptures et funérailles compris
Quelle forme prend la fin d’une relation, d’une vie ou d’un projet ? Et que reste-t-il après une perte ? Telles sont quelques-unes des questions au cœur de « Sophie Calle. Mariages, ruptures et funérailles compris, l’exposition que le MAXXI – Musée national des arts du XXIe siècle de Rome consacre à l’artiste française du 16 octobre 2026 au 7 février 2027. Présentée dans la Galerie 2 et organisée par Simona Antonacci, cette exposition est la plus grande rétrospective jamais réalisée en Italie sur l’œuvre de Sophie Calle. Elle rassemble huit projets développés entre 1978 et 2026, auxquels s’ajoute une nouvelle installation permanente au cimetière non catholique pour étrangers de Rome.
Photographies, textes, vidéos, installations et récits autobiographiques tracent un parcours qui retrace plus de quarante ans d’activité, remettant en question les frontières entre vie publique et vie privée, réalité et fiction, art et vie. L’amour et la séparation, le deuil et la mémoire, le désir et l’absence, l’échec et la possibilité de recommencer constituent les principaux axes thématiques de la recherche de l’artiste, qui s’appuie sur des expériences personnelles et collectives pour créer des œuvres à travers des règles, des gestes et des rituels bien définis.
Le travail de Calle s’inspire souvent de situations concrètes, de rencontres et d’événements autobiographiques, soumis à un processus d’observation et de réélaboration. Le compte à rebours qui précède la fin d’une relation, la tentative de documenter les derniers instants de la vie de sa mère, l’inventaire des projets jamais menés à bien et la rencontre avec des personnes qui voient la mer pour la première fois deviennent autant d’occasions d’interroger le sens de la fin et ce qui peut y survivre. La perte et l’absence sont des conditions à travers lesquelles l’artiste met à l’épreuve les possibilités du langage et des images.
L’exposition rend compte de la continuité d’une recherche qui transforme même l’interruption et l’échec en éléments de construction artistique. Ce qu’il n’a pas été possible de conserver, de réaliser ou de connaître trouve dans l’œuvre une nouvelle place, sans que l’expérience originelle soit nécessairement résolue ou ramenée à une explication définitive.
Le parcours de l’exposition commence idéalement en 1978, lorsque Sophie Calle, encore étrangère au monde de l’art, photographie quelques pierres tombales au cimetière de Bolinas, en Californie. Les inscriptions qu’elle choisit de documenter sont essentielles et se limitent à indiquer des rôles familiaux, tels que « Brother » et « Sister ». Il s’agit de ses premières photographies, qui anticipent des thématiques qui reviendront tout au long de son parcours : l’identité, l’absence, la perte et la tentative de retenir ce qui est voué à disparaître. La série « Les tombes » constitue l’un des axes centraux de l’exposition et introduit d’emblée la relation entre la photographie, la mémoire et la représentation de la mort.
La première partie de la galerie s’ouvre sur *Dolore squisito*, l’un des projets les plus emblématiques de l’artiste. Son origine remonte à 1984, lorsque Calle part pour le Japon en laissant à Paris l’homme qu’elle aime. À la fin de ce voyage, un message reçu dans un hôtel de New Delhi marque la fin de leur relation. De cette expérience naît une œuvre composée de plus de deux cents éléments, entre photographies et textes, construite autour d’une double chronologie.
La première partie suit le compte à rebours jusqu’au jour de la séparation ; la seconde, intitulée « Après la douleur », se développe à travers la répétition du récit personnel, progressivement accompagné des témoignages d’autres personnes. Calle demande à ses interlocuteurs d’identifier le moment le plus douloureux de leur vie, rapprochant ainsi leur histoire individuelle des expériences d’autrui. La répétition devient un processus à travers lequel le souvenir est observé sous différents angles et la douleur personnelle entre en relation avec la douleur collective.
La relation avec ce qui ne s’accomplit pas est quant à elle au cœur de *Catalogue raisonné de l’inachevé*. Dans ce projet, Calle rassemble les idées qu’elle n’a pas réussi à concrétiser, les projets abandonnés, les tentatives infructueuses et les œuvres restées au stade de l’intention. Le matériel est organisé en un inventaire systématique du possible, articulé en ensembles de photographies ou de documents encadrés. Chaque projet est accompagné d’un texte synthétique dans lequel l’artiste explique les raisons de son interruption.
Au cœur du parcours se trouve *Funerali inclusi*, un projet tiré des *Autobiografie*. L’œuvre rassemble de courts récits construits à partir de la juxtaposition de photographies et de textes, dans lesquels des épisodes personnels, des souvenirs familiaux et de petits rituels composent une biographie par fragments. Le récit se déroule sans établir de séparation définitive entre témoignage et invention : la frontière entre vérité et construction narrative reste délibérément floue.
Le thème de la mort prend une forme particulièrement directe dans *Je n’ai pas pu capturer la mort*, une vidéo réalisée au chevet de la mère de l’artiste pendant les derniers instants de sa vie. Calle tente d’enregistrer le moment exact du décès, mais le dernier souffle lui échappe. Le dispositif de prise de vue, censé permettre de retenir un événement, se heurte ainsi à une limite : la caméra ne parvient pas à fixer ce que l’artiste souhaiterait conserver. L’œuvre se concentre sur le fossé entre l’intention de documenter et l’impossibilité de contrôler pleinement l’expérience de la perte.
À cette œuvre s’ajoute *Pôle Nord*, qui raconte un geste d’adieu ultérieur. Au cours d’un voyage dans l’Arctique, Calle enterre dans un glacier une photographie de sa mère et certains de ses bijoux, réalisant ainsi symboliquement le désir maternel d’atteindre ce lieu. Ce geste prend la forme d’un rituel personnel, dans lequel les objets deviennent des instruments de relation avec une personne disparue et avec un désir qui n’a pas pu s’accomplir de son vivant. Le voyage et l’enterrement font passer la mémoire du registre de l’enregistrement à celui de l’action, confiant au paysage la tâche d’accueillir ce qui est laissé.
Après avoir abordé la fin, l’exposition s’ouvre progressivement à la possibilité d’un nouveau départ. Dans *Perché*, des photographies cachées derrière des rideaux brodés sont révélées par un geste simple : le visiteur soulève le tissu et découvre l’image. Les mots qui accompagnent les photographies ne décrivent pas ce qui y est représenté, mais expliquent les raisons qui ont poussé l’artiste à les prendre. La relation entre l’image et le langage se construit ainsi à travers un décalage : la photographie montre quelque chose, tandis que le texte se concentre sur la motivation qui a déterminé sa réalisation.
Le parcours s’achève avec *Voir la mer*, une installation vidéo réalisée en 2011 à Istanbul. À cette occasion, Calle accompagne à la mer des personnes qui, bien qu’habitant à proximité de la côte, ne l’avaient jamais vue. La caméra enregistre leurs réactions sans s’immiscer de manière intrusive dans l’intimité de cette expérience. L’attention se déplace ainsi de l’histoire autobiographique de l’artiste vers celle des autres : la mer, élément géographique quotidien pour ceux qui la connaissent, devient une expérience nouvelle et individuelle, capable de revêtir des significations différentes pour chaque personne. Le partage d’un moment de découverte ouvre le récit à une dimension collective, où le geste artistique repose sur la rencontre et l’observation.
L’exposition est accompagnée d’un catalogue publié par Skira en deux éditions, italienne et anglaise, sous la direction de Simona Antonacci et Pippo Ciorra. L’ouvrage comprend des textes de Simona Antonacci, Sophie Calle, Pippo Ciorra, Yvonne A. Mazurek et Riccardo Venturi.
« L’exposition de Sophie Calle est pour nous un double motif de fierté », déclare Maria Emanuela Bruni, présidente de la Fondation MAXXI. « Tout d’abord parce que c’est grâce à des initiatives comme celle-ci que le MAXXI remplit pleinement sa mission de premier musée national d’art contemporain, en présentant pour la première fois à Rome et en Italie un panorama aussi vaste de l’œuvre d’une grande artiste internationale. De plus, c’est précisément à cette occasion qu’a été réalisée la première œuvre permanente du musée en dehors de son siège : une nouvelle intervention conçue spécialement pour la ville, née de la collaboration avec le cimetière non catholique pour étrangers de Rome. La tombe, qui renferme « les secrets des voyageurs », a été inaugurée par une performance intense de l’artiste. Un projet qui témoigne de la volonté du MAXXI d’étendre sa présence au-delà des espaces d’exposition, au cœur même du tissu urbain, en favorisant de nouvelles formes de relation entre l’art contemporain, les lieux et les communautés.
« L’exposition marque l’aboutissement d’un parcours entamé il y a deux ans avec l’acquisition de L’Hôtel, rendue possible grâce au soutien des Amis du MAXXI », affirme Lorenza Baroncelli, directrice du MAXXI Architecture et Design contemporain. « Aux côtés de *L’Hôtel*, six nouvelles œuvres viennent enrichir le patrimoine du musée : une œuvre tirée du *Catalogue raisonné de l’inachevé* et cinq œuvres de la série *Perché*. Un ensemble qui témoigne de la volonté du MAXXI de constituer une collection reflétant la pluralité de la photographie contemporaine : de la documentation du paysage aux pratiques conceptuelles, du photojournalisme aux formes les plus intimes et autobiographiques, où mémoire, fiction et récit deviennent la matière même de l’œuvre ».
Tatiana Bilbao. Campo aperto
Du 16 octobre 2026 au 7 février 2027, le MAXXI accueille également « Campo aperto », une installation in situ conçue par l’architecte mexicaine Tatiana Bilbao pour la neuvième édition de NATURE 09, le programme par lequel le musée invite des architectes de renommée internationale à réaliser des interventions capables de dialoguer avec les espaces de l’institution et de restituer, à travers un projet tridimensionnel, une synthèse de leur recherche. L’œuvre est exposée dans la salle Gian Ferrari et transforme l’espace en un paysage à explorer et à habiter, dans lequel le visiteur participe activement à l’expérience.
Le projet s’inspire du jeu de la pelota, l’une des pratiques les plus importantes des civilisations mésoaméricaines. Cette activité, souvent considérée uniquement sous son aspect ludique, jouait en réalité un rôle complexe dans la vie des communautés : elle était liée à la religion, à l’organisation sociale, à la vie et à la fertilité, et constituait un rite collectif. Le terrain représentait un lieu symbolique où s’établissaient des liens entre l’individu et la communauté, le monde humain et le monde surnaturel, la vie et la mort. À partir de cette tradition, Bilbao développe une réflexion sur la relation entre l’architecture et les relations humaines.
L’installation se compose de deux grands plans inclinés opposés et d’une tour centrale qui s’élève vers le plafond du musée. La disposition des éléments définit un espace dynamique, construit à travers l’interaction entre les surfaces, les volumes et les parcours. La structure entre également en dialogue avec la lumière et avec l’architecture conçue par Zaha Hadid, établissant ainsi un lien direct avec l’espace qui l’accueille.
La réflexion de Bilbao s’articule autour d’une succession d’actions et de conséquences : le corps participe au jeu, le jeu favorise la rencontre et la rencontre contribue à la formation d’une communauté. Dans cette perspective, la ville est considérée comme le résultat des relations qui s’établissent entre les personnes et des espaces qui rendent ces relations possibles. « Campo aperto » traduit cette idée en une structure à traverser, dans laquelle l’expérience physique du visiteur joue un rôle central dans la compréhension du projet.
L’œuvre dialogue également avec le patrimoine du MAXXI grâce à l’intégration de deux œuvres issues de la collection du musée, sélectionnées par Bilbao elle-même pour leur capacité à explorer le jeu en tant qu’outil de connaissance et de relation à l’espace. Dans un espace intimiste, conçu comme un lieu de découverte, sont présentés « Labirinto dei ragazzi » du cabinet BBPR et « Il Commutatore », manifeste-performance d’Ugo La Pietra.
Le public est également accueilli par un grand « collage de collages », une composition qui rend compte de la diversité de la production architecturale et artistique du cabinet Tatiana Bilbao.
NATURE est le programme promu par le département d’architecture et de design contemporain du MAXXI, dirigé par Lorenza Baroncelli, qui invite des architectes de renommée internationale à se confronter aux espaces du musée à travers la réalisation d’installations in situ. Conçu par Pippo Ciorra, le programme en est à sa neuvième édition et a vu, au fil des ans, la participation de Francesco Venezia, West 8, Campo Boeza, UNStudio, Álvaro Siza, Michele De Lucchi, Mario Botta et Maria Giuseppina Grasso Cannizzo.
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| Au MAXXI de Rome, Sophie Calle explore la notion de fin, tandis que Tatiana Bilbao repense l'espace communautaire |
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