von Redazione 15/10/2026
Kategorien: Ausstellungen / Haftungsausschluss
Vom 16. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 präsentiert das MAXXI in Rom die umfangreichste monografische Ausstellung, die Sophie Calle jemals in Italien gewidmet wurde. Parallel dazu gestaltet Tatiana Bilbao „Campo aperto“, eine Installation im Rahmen der neunten Ausgabe von NATURE, die vom Pelota-Spiel und der Beziehung zwischen Architektur und Gemeinschaft inspiriert ist.
Vom 16. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 zeigt das MAXXI in Rom zwei neue Ausstellungsprojekte: „Sophie Calle. Ehen, Trennungen und Beerdigungen inklusive, kuratiert von Simona Antonacci, in Galerie 2, sowie Campo aperto von Tatiana Bilbao Estudio im Gian-Ferrari-Saal im Rahmen der neunten Ausgabe des Programms NATURE 09. Die erste ist die umfangreichste monografische Ausstellung, die jemals in Italien über die französische Künstlerin realisiert wurde, und zeichnet über vierzig Jahre Forschung zu den Themen Erinnerung, Verlust und Abwesenheit nach; die zweite ist eine ortsspezifische Installation, die, inspiriert vom Pelota-Spiel der mesoamerikanischen Zivilisationen, die Beziehung zwischen Architektur, Raum und Gemeinschaft untersucht.
Sophie Calle. Hochzeiten, Trennungen und Beerdigungen inklusive
Welche Form hat das Ende einer Beziehung, eines Lebens oder eines Projekts? Und was bleibt nach einem Verlust zurück? Das sind einige der Fragen, die im Mittelpunkt von „Sophie Calle. Ehen, Trennungen und Beerdigungen inklusive, der Ausstellung, die das MAXXI – Nationalmuseum für Kunst des 21. Jahrhunderts in Rom der französischen Künstlerin vom 16. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 widmet. Die in der Galerie 2 gezeigte und von Simona Antonacci kuratierte ist die umfassendste Monografie, die jemals in Italien über das Werk von Calle realisiert wurde, und vereint acht Projekte, die zwischen 1978 und 2026 entstanden sind, ergänzt durch eine neue permanente Installation auf dem nicht-katholischen Friedhof für Ausländer in Rom.
Fotografien, Texte, Videos, Installationen und autobiografische Erzählungen bilden einen Parcours, der über vierzig Jahre Schaffen nachzeichnet und dabei die Grenzen zwischen Öffentlichkeit und Privatsphäre, Realität und Fiktion, Kunst und Leben hinterfragt. Liebe und Trennung, Trauer und Erinnerung, Sehnsucht und Abwesenheit, Scheitern und die Möglichkeit eines Neuanfangs bilden die zentralen Themen der künstlerischen Auseinandersetzung, bei der der Künstler persönliche und kollektive Erfahrungen als Ausgangsmaterial nutzt, um Werke anhand festgelegter Regeln, Gesten und Rituale zu schaffen.
Calles Arbeit entwickelt sich oft ausgehend von konkreten Situationen, Begegnungen und autobiografischen Begebenheiten, die einem Prozess der Beobachtung und Aufarbeitung unterzogen werden. Der Countdown vor dem Ende einer Beziehung, der Versuch, die letzten Augenblicke im Leben der Mutter zu dokumentieren, die Bestandsaufnahme nie vollendeter Projekte und die Begegnung mit Menschen, die zum ersten Mal das Meer sehen, werden zu Gelegenheiten, die Bedeutung des Endes und das, was es überdauern kann, zu hinterfragen. Verlust und Abwesenheit sind Zustände, durch die die Künstlerin die Möglichkeiten von Sprache und Bildern auf die Probe stellt.
Die Ausstellung verdeutlicht die Kontinuität einer künstlerischen Suche, die auch Unterbrechung und Scheitern in Elemente des künstlerischen Schaffens verwandelt. Was nicht bewahrt, verwirklicht oder erkannt werden konnte, findet im Werk einen neuen Platz, ohne dass die ursprüngliche Erfahrung notwendigerweise aufgelöst oder auf eine endgültige Erklärung zurückgeführt wird.
Der Ausstellungsparcours beginnt ideell im Jahr 1978, als Calle, die damals noch kein Teil des Kunstsystems war, einige Grabsteine auf dem Friedhof von Bolinas in Kalifornien fotografierte. Die Inschriften, die sie dokumentiert, sind schlicht und beschränken sich darauf, familiäre Rollen wie „Brother“ und „Sister“ anzugeben. Es handelt sich um ihre ersten Fotografien, die Themen vorwegnehmen, die im Laufe ihres Schaffens immer wieder auftauchen werden: Identität, Abwesenheit, Verlust und der Versuch, das festzuhalten, was zum Verschwinden bestimmt ist. Die Serie „Le tombe“ bildet einen der zentralen Kernpunkte der Ausstellung und thematisiert von Beginn an die Beziehung zwischen Fotografie, Erinnerung und der Darstellung des Todes.
Den ersten Teil der Galerie eröffnet „Dolore squisito“, eines der symbolträchtigsten Projekte der Künstlerin. Sein Ursprung geht auf das Jahr 1984 zurück, als Calle nach Japan aufbrach und den Mann, den sie liebte, in Paris zurückließ. Am Ende der Reise besiegelt eine Nachricht, die sie in einem Hotel in Neu-Delhi erhält, das Ende der Beziehung. Aus dieser Erfahrung entsteht ein Werk, das sich aus über zweihundert Elementen – darunter Fotografien und Texte – zusammensetzt und auf einer doppelten zeitlichen Achse aufgebaut ist.
Der erste Teil folgt dem Countdown bis zum Tag der Trennung; der zweite, mit dem Titel „Nach dem Schmerz“, entfaltet sich durch die Wiederholung der persönlichen Erzählung, die nach und nach durch Zeugnisse anderer Menschen ergänzt wird. Calle bittet ihre Gesprächspartner, den schmerzhaftesten Moment ihres Lebens zu benennen, und verbindet so die individuelle Geschichte mit den Erfahrungen anderer. Die Wiederholung wird zu einem Verfahren, durch das die Erinnerung aus verschiedenen Perspektiven betrachtet wird und der persönliche Schmerz in Beziehung zum kollektiven Schmerz tritt.
Die Auseinandersetzung mit dem Unvollendeten steht hingegen im Mittelpunkt von „Catalogo ragionato dell’incompiuto“. In diesem Projekt sammelt Calle die Ideen, die sie nicht umsetzen konnte, die aufgegebenen Projekte, die gescheiterten Versuche und die Werke, die im Stadium der Absicht verblieben sind. Das Material ist als systematisches Verzeichnis des Möglichen organisiert, gegliedert in Gruppen von Fotografien oder gerahmten Dokumenten. Jedes Projekt wird von einem kurzen Text begleitet, in dem die Künstlerin die Gründe für den Abbruch erläutert.
Im Mittelpunkt des Parcours steht „Funerali inclusi“, ein Projekt, das aus den „Autobiografie“ stammt. Die Arbeit vereint kurze Erzählungen, die durch die Gegenüberstellung von Fotografien und Texten entstehen, in denen persönliche Episoden, Familienerinnerungen und kleine Rituale eine Biografie aus Fragmenten bilden. Die Erzählung verläuft, ohne eine endgültige Trennung zwischen Zeugnis und Erfindung zu ziehen: Die Grenze zwischen Wahrheit und narrativer Konstruktion bleibt bewusst ungewiss.
Das Thema des Todes nimmt in „Ich konnte den Tod nicht einfangen“ eine besonders direkte Form an, einem Video, das am Bett der Mutter der Künstlerin während der letzten Augenblicke ihres Lebens entstanden ist. Calle versucht, den genauen Moment des Ablebens festzuhalten, doch der letzte Atemzug entgleitet ihr. Das Aufnahmegerät, das es eigentlich ermöglichen sollte, ein Ereignis festzuhalten, stößt somit an eine Grenze: Die Kamera kann nicht festhalten, was die Künstlerin bewahren möchte. Das Werk konzentriert sich auf die Kluft zwischen der Absicht zu dokumentieren und der Unmöglichkeit, die Erfahrung des Verlusts vollständig zu kontrollieren.
Neben dieser Arbeit steht „Polo Nord“, das von einer späteren Abschiedsgeste erzählt. Während einer Reise in die Arktis vergräbt Calle ein Foto ihrer Mutter und einige ihrer Schmuckstücke in einem Gletscher und verwirklicht damit symbolisch den Wunsch ihrer Mutter, diesen Ort zu erreichen. Die Geste nimmt die Form eines persönlichen Rituals an, in dem die Gegenstände zu Mitteln der Verbindung mit einer verstorbenen Person und mit einem Wunsch werden, der sich zu Lebzeiten nicht erfüllen konnte. Die Reise und die Beisetzung verlagern die Erinnerung von der Ebene der Aufzeichnung auf die der Handlung und übertragen der Landschaft die Aufgabe, das Zurückgelassene aufzunehmen.
Nachdem sich die Ausstellung mit dem Ende auseinandergesetzt hat, öffnet sie sich nach und nach der Möglichkeit eines Neuanfangs. In „Perché“ werden hinter bestickten Vorhängen verborgene Fotografien durch eine einfache Geste enthüllt: Der Besucher hebt den Stoff an und entdeckt das Bild. Die Texte, die die Fotografien begleiten, beschreiben nicht das Dargestellte, sondern erläutern die Gründe, die die Künstlerin dazu bewogen haben, sie aufzunehmen. Die Beziehung zwischen Bild und Sprache entsteht so durch eine Verschiebung: Die Fotografie zeigt etwas, während sich der Text auf die Motivation konzentriert, die zu ihrer Entstehung geführt hat.
Den Abschluss des Rundgangs bildet „Voir la mer“, eine 2011 in Istanbul entstandene Videoinstallation. Bei dieser Gelegenheit begleitet Calle einige Menschen ans Meer, die, obwohl sie unweit der Küste leben, das Meer noch nie gesehen hatten. Die Kamera hält ihre Reaktionen fest, ohne invasiv in die Intimität des Erlebnisses einzugreifen. Der Fokus verlagert sich somit von der autobiografischen Geschichte der Künstlerin auf die der anderen: Das Meer, ein alltägliches geografisches Element für diejenigen, die es kennen, wird zu einer neuen und individuellen Erfahrung, die für jeden Menschen unterschiedliche Bedeutungen annehmen kann. Das gemeinsame Erleben eines Moments der Entdeckung eröffnet der Erzählung eine kollektive Dimension, in der die künstlerische Geste auf Begegnung und Beobachtung beruht.
Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der vom Skira-Verlag in einer zweisprachigen Ausgabe (Italienisch und Englisch) herausgegeben und von Simona Antonacci und Pippo Ciorra herausgegeben wurde. Der Band enthält Texte von Simona Antonacci, Sophie Calle, Pippo Ciorra, Yvonne A. Mazurek und Riccardo Venturi.
„Die Ausstellung von Sophie Calle ist für uns ein doppelter Grund zum Stolz“, erklärt Maria Emanuela Bruni, Präsidentin der MAXXI-Stiftung. „Erstens, weil das MAXXI mit Projekten wie diesem seinen Auftrag als führendes nationales Museum für zeitgenössische Kunst voll und ganz erfüllt und zum ersten Mal in Rom und in Italien einen so umfassenden Überblick über das Werk einer großen internationalen Künstlerin präsentiert. Zudem wurde eigens zu diesem Anlass das erste permanente Werk des Museums außerhalb seines Hauptsitzes realisiert: eine neue, speziell für die Stadt konzipierte Installation, die aus der Zusammenarbeit mit dem nicht-katholischen Friedhof für Ausländer in Rom hervorgegangen ist. Das Grabmal, das „die Geheimnisse der Wanderer“ birgt, wurde mit einer eindringlichen Performance der Künstlerin eingeweiht. Ein Projekt, das den Willen des MAXXI bezeugt, seine Präsenz über die Ausstellungsräume hinaus in das Stadtgefüge auszudehnen und neue Formen der Beziehung zwischen zeitgenössischer Kunst, Orten und Gemeinschaften zu fördern.
„Die Ausstellung bildet den Abschluss eines Weges, der vor zwei Jahren mit dem Erwerb von ‚L’Hôtel‘ begann und dank der Unterstützung der ‚Amici del MAXXI‘ ermöglicht wurde“, erklärt Lorenza Baroncelli, Direktorin für zeitgenössische Architektur und Design am MAXXI. „Neben ‚L’Hôtel‘ werden sechs neue Werke in den Bestand des Museums aufgenommen: eine Arbeit aus dem ‚Catalogo ragionato dell’incompiuto‘ und fünf Werke aus der Serie ‚Perché‘. Ein Kern, der den Willen des MAXXI bezeugt, eine Sammlung aufzubauen, die die Vielfalt der zeitgenössischen Fotografie widerspiegelt: von der Landschaftsdokumentation bis hin zu konzeptuellen Praktiken, vom Fotojournalismus bis hin zu den intimsten und autobiografischsten Formen, in denen Erinnerung, Fiktion und Erzählung zum Gegenstand des Werks werden.“
Tatiana Bilbao. „Campo aperto“
Vom 16. Oktober 2026 bis zum 7. Februar 2027 beherbergt das MAXXI zudem „Campo aperto“, eine ortsspezifische Installation , die von der mexikanischen Architektin Tatiana Bilbao für die neunte Ausgabe von NATURE 09 entworfen wurde , dem Programm, mit dem das Museum international renommierte Architekten einlädt, Interventionen zu realisieren, die sich mit den Räumen der Institution auseinandersetzen und durch ein dreidimensionales Projekt eine Synthese ihrer eigenen Forschung vermitteln. Das Werk ist in der Sala Gian Ferrari ausgestellt und verwandelt den Raum in eine Landschaft, die es zu erkunden und zu bewohnen gilt, in der der Besucher ein aktiver Teil des Erlebnisses ist.
Das Projekt geht vom Pelota-Spiel aus, einer der bedeutendsten Praktiken der mesoamerikanischen Zivilisationen. Diese Aktivität, die oft ausschließlich in ihrer spielerischen Dimension betrachtet wird, spielte in Wirklichkeit eine vielschichtige Rolle im Leben der Gemeinschaften: Sie war mit Religion, sozialer Organisation, Leben und Fruchtbarkeit verbunden und stellte einen kollektiven Ritus dar. Das Spielfeld stellte einen symbolischen Ort dar, an dem das Individuum und die Gemeinschaft, die menschliche und die übernatürliche Welt sowie Leben und Tod miteinander in Beziehung traten. Ausgehend von dieser Tradition entwickelt Bilbao eine Reflexion über das Verhältnis zwischen Architektur und menschlichen Beziehungen.
Die Installation besteht aus zwei großen, einander gegenüberliegenden schrägen Ebenen und einem zentralen Turm, der sich zur Decke des Museums erhebt. Die Anordnung der Elemente definiert einen dynamischen Raum, der durch das Zusammenspiel von Flächen, Körpern und Wegen entsteht. Die Struktur tritt zudem in einen Dialog mit dem Licht und der von Zaha Hadid entworfenen Architektur und stellt so eine direkte Beziehung zu dem Raum her, in dem sie sich befindet.
Bilbaos Überlegungen entwickeln sich ausgehend von einer Abfolge von Handlungen und Konsequenzen: Der Körper nimmt am Spiel teil, das Spiel fördert die Begegnung und die Begegnung trägt zur Bildung einer Gemeinschaft bei. Aus dieser Perspektive wird die Stadt als Ergebnis der Beziehungen verstanden, die zwischen den Menschen entstehen, sowie der Räume, die diese Beziehungen ermöglichen. „Campo aperto“ setzt diese Idee in eine durchquerbare Struktur um, in der die körperliche Erfahrung des Besuchers eine zentrale Rolle für das Verständnis des Projekts einnimmt.
Das Werk setzt sich zudem mit dem Bestand des MAXXI auseinander, indem es zwei Werke aus der Sammlung des Museums integriert, die von Bilbao selbst aufgrund ihrer Fähigkeit ausgewählt wurden, das Spiel als Instrument der Erkenntnis und der Beziehung zum Raum zu untersuchen. In einem intimen Raum, der als Ort der Entdeckung konzipiert ist, werden „Labirinto dei ragazzi“ des Büros BBPR und „Il Commutatore“, ein Manifest-Performance von Ugo La Pietra, präsentiert.
Das Publikum wird zudem von einer großen „Collage aus Collagen“ empfangen, einer Komposition, die die Vielfalt des architektonischen und künstlerischen Schaffens des Büros Tatiana Bilbao widerspiegelt.
NATURE ist das vom Departement für zeitgenössische Architektur und Design des MAXXI unter der Leitung von Lorenza Baroncelli geförderte Programm, das international renommierte Architekten dazu einlädt, sich durch die Realisierung ortsspezifischer Installationen mit den Räumen des Museums auseinanderzusetzen. Das von Pippo Ciorra konzipierte Programm findet nun bereits zum neunten Mal statt und konnte im Laufe der Jahre die Teilnahme von Francesco Venezia, West 8, Campo Boeza, UNStudio, Álvaro Siza, Michele De Lucchi, Mario Botta und Maria Giuseppina Grasso Cannizzo verzeichnen.
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| Im MAXXI in Rom setzt sich Sophie Calle mit dem Ende auseinander, Tatiana Bilbao überdenkt den Gemeinschaftsraum |
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