Chez Fabio et Virginia Gori, où tous les éléments sont des œuvres d'art

Une maison habitée, une collection omnivore et un sens de l’accueil qui plane dans l’air. S’il est vrai que l’art conceptuel aura atteint son apogée lorsqu’il sera possible de louer un artiste et de le garder avec soi pendant un certain temps, dans la maison de Fabio et Virginia Gori à Prato, cela semble s’être réellement produit. Beaucoup d’œuvres, denses, dialoguant les unes avec les autres, mais surtout un concept d’art total construit à travers les relations, la passion et l’amour d’être ensemble avec les artistes. Oui, parce que sans les artistes, la Casa Gori n’aurait ni toit, ni sol, ni portes, ni escaliers, ni peut-être même de murs (on se demande s’il y en a sous le tapis d’œuvres !). Je me réfère en particulier aux œuvres structurelles présentes, le sol en marbre de Sol LeWitt, la lucarne de Piero Dorazio, la porte de Christiane Lohr, les mains courantes de Gianni Ruffi et Francesco Carone, le plafond d’ombre de Fabrizio Corneli, la fresque de Roberto Barni et le volet en bronze de Giuseppe Spagnulo. Il a commencé à collectionner Fabio (à l’âge de vingt ans, lorsqu’il pouvait gagner ses premiers sous) en achetant une œuvre d’Enrico Castellani au marchand d’art Maurizio Corraini. Ce Castellani, signe évident de la clairvoyance du collectionneur, est toujours là, dans la maison, avec un millier d’autres œuvres qui constituent aujourd’hui le patrimoine artistique. En tant que membre de la famille, aucune œuvre n’a jamais été vendue, car chacune représente un morceau de vie...

CC. En vous rencontrant, vous ne pouvez pas ignorer une tradition d’art et de collection. Pouvez-vous nous en parler brièvement ?

FG. Mon père Giuliano a acheté un premier noyau d’œuvres d’artistes toscans à partir de 1946 (il avait seize ans !). Ce fut le début d’une grande passion qui ne s’est jamais éteinte et qui se poursuit encore aujourd’hui. Dans les années 1950 et 1960, la maison familiale de Prato subit plusieurs transformations pour faire de la place à la collection qui ne cesse de s’agrandir. Cependant, ce n’est qu’au printemps 1970 que la collection est transférée à la Fattoria di Celle, un lieu choisi pour faire place à un projet visionnaire d’art environnemental. L’idée est de subvertir le système de l’art contemporain qui, dans la seconde moitié du XIXe siècle, a vu l’artiste s’éloigner de ses mécènes parce qu’il était filtré par des intermédiaires et des galeristes. La volonté est de réactiver le mécénat et la relation directe avec les artistes qui sont invités à Celle pour une résidence et pour créer des installations conçues pour ce lieu. Une démarche précoce et précurseur du terme abusif de site-specific qui décrit bien la relation intime avec le territoire et la nature que Giuliano a voulu établir à Santomato di Pistoia. Depuis 1982, la Fattoria est ouverte sur rendez-vous et gratuitement au public qui souhaite la visiter.

Fabio enfant et le monde de l’art. Quels sont vos souvenirs ?

Mon père est dessinateur et, dès notre plus jeune âge, il nous a impliqués, mes frères et moi, dans le monde de l’art, aidé par ma mère Pina qui a su jouer le rôle de médiateur pour nous rapprocher de l’art tout en nous laissant l’espace nécessaire à la récréation et à l’amusement. Mais ce n’est certainement pas un hasard si Patrizia, Paolo, Stefania del et moi-même (en raison de notre différence d’âge, j’aime nous appeler quatre enfants uniques) sommes tous des amateurs d’art et des collectionneurs, chacun avec ses propres prédilections. Mon père avait une trentaine d’années, j’étais enfant, et il m’emmenait avec lui dans les ateliers d’artistes. C’était à la fois le jeu et la vie pour moi. D’ailleurs, lorsque je suis allée à l’école, j’ai été surprise de découvrir que pour d’autres enfants, cette dimension n’existait pas. Je garde un souvenir impérissable de la visite des ateliers de Renato Guttuso et de Zoran Muši&ccaron, dont nous avons une pièce dans notre collection. Une fois, nous sommes allés à l’Angelo à Venise, un restaurant qui était un véritable repaire d’artistes, et j’ai commencé à reconnaître les auteurs sur le mur. Le propriétaire pensait que je savais lire et écrire et jetait un coup d’œil aux légendes des œuvres. Lorsque lui et les autres clients de la salle ont appris que je n’étais pas encore à l’école, je suis devenu une sorte d’attraction et ils m’ont fait deviner beaucoup de noms.

Comment est né votre projet de collection personnelle et comment s’est-il développé ?

En fait, il n’y avait pas de projet à l’origine. Lorsque Virginia et moi nous sommes mariés et avons commencé à fonder une famille, nous nous sommes retrouvés à rénover un petit bâtiment dans le centre historique de Prato. Aujourd’hui, il est étrange de penser cela, mais nous n’avions même pas l’idée de rester dans cette maison de façon permanente. La première œuvre a été le sol réalisé par Sol LeWitt, qui travaillait alors à la Fattoria di Celle. L’artiste était très réticent à l’idée de réaliser une œuvre en marbre, un matériau qui ne lui appartenait pas et qu’il considérait même comme antithétique par rapport à sa méthode de conception. Après plusieurs confrontations intenses, je ne cacherai pas qu’il a été satisfaisant de le persuader que le matériau pierreux n’était qu’un outil pour réaliser le sol, à tel point qu’après l’intervention avec nous, l’artiste a réalisé d’autres œuvres en marbre, l’une à Celle et l’autre dans le parc Padula à Carrare. À partir de ce moment-là, le projet a commencé à se préciser dans notre esprit, et l’idée d’avoir une maison qui non seulement rassemblerait des œuvres qui étaient le fruit de notre passion de collectionneur, mais qui prévoirait également des interventions structurelles des artistes dans la maison, a pris forme. L’aspiration est devenue de faire de la maison elle-même une œuvre d’art.

En ce sens, quelles sont les interventions les plus significatives ?

Après le sol de Sol Le Witt, qui a également réalisé une bibliothèque dans la maison, il y a eu la lucarne de Piero Dorazio, la porte de Christiane Lohr, les rampes de Francesco Carone et Gianni Ruffi, les tables de Massimo Biagi et Roberto Crippa, les fontaines dans le jardin de Luigi Mainolfi et Giuseppe Spagnulo. Parallèlement, les achats (que je préfère appeler “rencontres avec les œuvres”) mais surtout les amitiés avec les artistes se sont poursuivis. Presque toutes les œuvres que nous possédons sont le résultat d’une connaissance et d’une fréquentation des artistes, d’un échange, d’une prise en compte de leurs suggestions et d’une interaction avec eux dans notre maison. C’est ainsi que je me retrouve à vivre comme j’ai toujours voulu le faire, en compagnie d’œuvres qui sont devenues partie intégrante de ma vie. Pour certaines d’entre elles, nous ressentons une affection indescriptible car elles représentent des moments passés et partagés avec d’autres personnes animées par la même passion. Ainsi, notre collection privée est devenue une photographie du parcours de notre vie.

Parmi ces rencontres, pourriez-vous nous parler de l’une d’entre elles ?

Pendant de nombreuses années, j’ai été un ami et un visiteur fréquent de Francesco Conz, qui m’a permis d’expérimenter directement le climat Fluxus et de le vivre de près. Ensemble, nous avons partagé de nombreuses expériences ! Je me souviens de la fois où il a amené Philip Corner, Geoffrey Hendricks et Alain Arias-Misson chez nous pour donner un concert dans le jardin, juste pour notre famille, ou d’une autre occasion où il a organisé, pour quelques amis seulement, un dîner dans une casse à Vérone, puis tous ensemble nous avons aidé l’artiste Jean François Bory à dorer de vieilles machines à écrire pour l’une de ses installations. Je pourrais raconter des dizaines d’autres situations, des expériences extraordinaires, jamais banales. L’art de Conz était vraiment un art qui coïncidait parfaitement avec la vie et y participer signifiait avant tout vivre Fluxus avec lui et les principaux artistes de ce mouvement (pour utiliser un mot inexact). Même lorsqu’il a eu un grave accident, lorsqu’il était complètement malade, il a voulu continuer à promouvoir ces artistes et leur façon d’exprimer l’art.

Avec votre frère Paolo, vous partagez GoriLab et Arte in Fabbrica, deux projets de mécénat industriel. En quoi consistent-ils ?

Avec GoriLab, l’idée était d’impliquer des artistes, des designers et des architectes dans la production de nouvelles œuvres d’art, d’objets ou de créations en dehors des limites de la production et du marché ; de libérer leur créativité inexprimée au sein d’un “atelier” pour donner forme à des formes inhabituelles, hybrides, innovantes et contemporaines. Arte in Fabbrica, quant à lui, est né au sein de l’entreprise familiale, au sein de Gori Tessuti e Casa, répondant au désir de pouvoir suivre les différentes phases de la conception et de la réalisation des expositions, d’accompagner les artistes jour après jour, avec une attention particulière portée à leur travail. des artistes jour après jour, avec des projets créés expressément pour les espaces de l’entreprise et le désir d’impliquer les employés, les clients et tous ceux qui, en visitant les espaces de l’entreprise, expriment leur curiosité à l’égard de ces nouvelles expériences. La complexité de l’usine, qui compte plus de 10 000 000 de mètres de tissu, associée à des meubles rares et à un artisanat de haut niveau, crée un monde de couleurs et d’architecture fantastique qui a inspiré les deux éditions réalisées respectivement avec Vittorio Corsini et Flavio Favelli.

Quelques-uns des artistes présentés dans la collection Carla Accardi, Philip Akkerman, Pierre Alechinsky, Antonello Ghezzi, Arman, Roberto Barni, Luciano Bartolini, Massimo Biagi, Alighiero Boetti, Liu Bolin, Umberto Buscioni, Pier Paolo Calzolari, Carmelo Cappello, Ugo Carrega, Francesco Carone, James Casabere, Antonio Catelani, Umberto Cavenago, Mario Ceroli, Giacinto Cerone, Sandro Chia, Giuseppe Chiari, Fabrizio Corneli, Vittorio Corsini, Roberto Crippa, Riccardo Dalisi, Gino De Dominicis, Piero Dorazio, Daniela De Lorenzo, Fabio De Poli, Anne Katrine Dolven, Jean Dubuffet, Paolo Fabiani, Flavio Favelli, Carlo Fei, Chang Fei, Giosetta Fioroni, Jean Michel Folon, Alberto Garutti, Alberto Giacometti, Luca Gilli, Hossein Golba, Federico Gori, Simone Gori, Renato Guttuso, Al Hansen, Geoffrey Hendricks, Emilio IsgróBen Jakober, Menashe Kadishman, Kaarina Kaikkonen, Dani Karavan, Alison Knowles, Joseph Kosuth, Jannis Kounellis, Ketty La Rocca, Wifredo Lam, Leoncillo Leonardi, Sol Le Witt, Christiane Lohr, Loredana Longo, Arrigo Lora Totino, Luigi Mainolfi, Esko Mannikko, Robert Mappletorphe, Giuseppe Maraniello, Umberto Mariani, Roberto Matta, Eliseo Mattiacci, Fabio Mauri, Marco Mazzucconi, Fausto Melotti, Alessandro Mendini, Luciano Minguzzi, Charlotte Moorman, Otto Muhl, Zoran Music, Davide Nido, Dennis Oppenheim, Giovanni Ozzola, Nam June Paik, Mimmo Paladino, Luca Pancrazi, Giulio Paolini, Antonio Paradiso, Ben Patterson, A.R.Penk, Giuseppe Penone, Mauro Petroni, Robert Pettena, Lamberto Pignotti, Pino Pinelli, Fausto Pirandello, Paolo Piscitelli, Michelangelo Pistoletto, Fabrizio Plessi, Luca Pozzi, Arnulf Rainer, Renato Ranaldi, Michal Rovner, Gianni Ruffi, Pietro Ruffo, Tomas Soos, Giuseppe Spagnulo, Daniel Spoerri, Aldo Spoldi, Mauro Staccioli, Graham Sutherland, Higuchi Tatsuya, Marco TirelliGiuliano Tomaino, Sandra Tomboloni, Moussa Traore, Janaina Tschare, Spencer Tunik, Nils Udo, Ben Vautrier, Antonio Violetta, Li Wei, Fen Weng, Joel Peter Witkin, Josè Yaque, Gilberto Zorio.

Avertissement : la traduction en anglais de l'article italien original a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.