by Marco Ferri 06/11/2026
Catégories: Interviews / Avis de non-responsabilité
L'artiste iranienne Atefeh Majidi Nezhad réinterprète l'architecture historique d'Ispahan à travers des colonnes de tissu et d'encre qui semblent suspendues dans le vide. À l’occasion de la Luxembourg Art Week 2026, elle présente une installation qui invite à réfléchir sur le poids de la mémoire, la fragilité des structures et la possibilité de réinventer le passé. L’artiste se confie à ce sujet dans cet entretien avec Marco Ferri.
Selon Giorgio Vasari, le dessin peut être considéré comme le père des trois arts ; en effet, toute œuvre d’architecture, de sculpture ou de peinture (avant de devenir telle) existe d’abord sous forme de dessin, conçu directement par l’intellect. Il s’agit d’un processus inévitable, quasi impossible à inverser : si une œuvre architecturale ou sculpturale acquiert une dimension tridimensionnelle au moment où elle se matérialise en tant qu’objet physique, elle perd cette dimension dès qu’elle redevient un simple dessin. Cela pourrait sembler un axiome, mais ce n’est pas toujours le cas.
Atefeh Majidi Nezhad (Ispahan, 1983) le sait bien. L’artiste iranienne est actuellement à l’honneur à la Luxembourg Art Week 2026 (qui se déroule dans le Grand-Duché de Luxembourg, niché entre la Belgique, la France et l’Allemagne) avec une installation intitulée « Revision : Zero-G Columns », issue de sa série « Columns ». L’œuvre s’inscrit dans le programme Art Walk: installée dans l’espace public, elle est accessible 24 heures sur 24, sept jours sur sept. Elle est donc visible en permanence.
Concrètement, l’artiste a réalisé 30 colonnes suspendues, hautes d’environ 3 mètres chacune. Peintes à l’encre sur un tissu maillé délicat et suspendues au plafond par des fils presque invisibles, elles semblent flotter dans le vide. Leurs formes s’inspirent du shabestan (la salle hypostyle) de la célèbre mosquée du Vendredi d’Ispahan, ainsi que du rythme architectural de la coupole du Taj al-Molk, en Iran. L’approche artistique d’Atefeh Majidi Nezhad dépouille ces colonnes monumentales de leur fonction porteuse et de leur poids historique, transformant des structures idéologiquement lourdes et autoritaires en éléments éphémères et flottants, qui invitent le public à réfléchir sur l’espace, le poids et la mémoire. Nous avons posé quelques questions à l’artiste, qui entretient un lien particulier avec l’Italie, pays où son travail a reçu d’importantes distinctions au cours des trois dernières années.
MF. Commençons par le début : quel a été ton parcours de formation?
AMN. Pablo Picasso a dit un jour : « L’art nettoie l’âme de la poussière de la vie quotidienne ». Je crois que chacun naît avec une porte grande ouverte sur l’art. Celui-ci sert de refuge à ceux qui sentent les mots leur rester coincés dans la gorge, à ceux qui peinent à exprimer leurs émotions. L’art est la voix éloquente de nos espaces silencieux. J’ai passé mon enfance en compagnie tranquille du papier : je créais de petites silhouettes, je dessinais des vêtements et des meubles sur leurs formes inanimées et je les rangeais dans un coin de mon imagination, en leur insufflant la vie. Dans ce monde de papier, c’était moi qui contrôlais tout ; même mes poupées naissaient du trait de mes mains. À dix ans, j’ai intégré l’Institut pour le développement intellectuel des enfants et des jeunes. Trois ans plus tard, à treize ans, j’ai entendu par hasard mon professeur d’arts plastiques parler à ma sœur : il lui confiait avoir remarqué en moi un talent particulier. Une vague d’enthousiasme m’a envahie et, à cet instant précis, le rêve de fréquenter une école d’art a pris racine dans mon cœur. Le chemin n’a pas été sans embûches : j’ai grandi dans un milieu où l’art n’était pas considéré comme un métier à part entière ; tout le monde s’attendait à ce que je devienne ingénieure ou médecin. J’ai tenu bon, j’ai suivi ma voie et j’ai fini par entrer dans ce monde magique, un royaume d’où l’on ne peut plus faire demi-tour. Mon parcours a commencé par des études de peinture à l’Université des Beaux-Arts d’Ispahan et s’est poursuivi jusqu’à l’obtention d’un master à l’Université de Téhéran.
Quel est ton parcours artistique ?
Je crois qu’il arrive un moment décisif où l’on choisit sa voie avec une profonde conviction intérieure. C’est le moment où l’art cesse d’être une simple passion et devient ce que l’on est vraiment. Je me souviens très clairement du jour où cette prise de conscience s’est imposée à moi : c’était le jour de l’évaluation des projets de fin d’études. Le docteur Halimi, mon professeur de peinture avancée, a observé mon travail et s’est exclamé avec enthousiasme : « Tu plonges sans crainte au cœur de l’océan ! ». Et pourtant, au même instant, il m’a attribué la note la plus basse de toute la promotion ! Au départ, j’étais aux anges que mon talent ait été reconnu. Mais quelques jours plus tard, quand j’ai vu la note (14 sur 20), mon monde s’est effondré. Encore aujourd’hui, je ne saurais dire s’il s’agissait d’une forme voilée d’encouragement ou d’une manière subtile de me rabaisser. Et pourtant, ce moment a marqué le véritable début de mon parcours. C’est alors que les paroles de Vincent van Gogh me sont revenues à l’esprit : «Il y a une tempête en mer, mais le secret pour survivre est de ne jamais oublier l’appel du rivage ». Cette perspective a fait naître en moi une détermination rebelle : rester une artiste, continuer à créer et affirmer mon identité artistique. Ce parcours m’a appris le véritable sens de la persévérance et de la résilience.
Quels prix ou distinctions as-tu reçus ?
Le moment qui me tient le plus à cœur, et qui m’aide à rester fidèle à cette voie, est l’obtention du deuxième prix (« Lorenzo il Magnifico ») à la XIVe Biennale de Florence, en 2023. Pour un artiste, une telle reconnaissance, c’est comme pour un alpiniste qui peut enfin poser son lourd sac à dos par terre pour reprendre son souffle. Ce répit te rappelle qu’il faut marcher d’un pas plus léger, mais en même temps plus assuré : tu sais très bien que des ascensions encore plus raides t’attendent, des ascensions qui exigeront encore davantage de ton esprit et de ta force.
Il faut donc aussi une bonne dose de résilience…
De la résilience ? Ma réponse est simple : je la vis en ce moment même. Je me trouve au cœur du Grand-Duché de Luxembourg : Luxembourg Art Week, 2026. Et pourtant, lorsque j’ai déposé ma candidature pour la Luxembourg Art Week 2026, ma vie était complètement différente. J’étais retournée à Ispahan pour m’occuper de mon père, en plein cœur de la guerre. Internet était bloqué dans tout le pays ; un VPN coûtait une fortune et la connexion ne tenait qu’à un fil, prête à se rompre d’un instant à l’autre. En ces jours difficiles, une phrase d’Albert Camus m’est revenue à l’esprit : « Au plus profond de l’hiver, j’ai enfin appris qu’il y a en moi un été invincible ». Je me suis dit que je devais trouver un moyen de me sauver, moi et mes rêves, de tout ce chaos. Contre toute attente et malgré tous mes doutes : me voici à la Luxembourg Art Week 2026.
Bon, alors, essayons de décrire ton art, ses caractéristiques et tes sources d’inspiration ?
À la Luxembourg Art Week 2026, je présente un nouveau chapitre du projet sur lequel je travaille depuis une décennie : une relecture et une réinterprétation de l’architecture historique d’Ispahan. « Revision : ZeroG Columns » est une installation de colonnes suspendues, inspirée de la mosquée du Vendredi (Jameh Mosque) d’Ispahan et de ses douze siècles de transformations architecturales. À travers cette œuvre, je poursuis mon exploration de la relation entre l’architecture historique, le passage du temps et la fragilité des structures. Je les ai réalisées à l’aide d’un filet transparent et de couches d’encre. N’ayant plus à supporter le poids de la pierre ou des briques, elles sont devenues légères, presque flottantes. Lorsque la lumière (naturelle ou artificielle) traverse le filet, elle projette sur le sol, les murs et le plafond des ombres tenues, vacillantes, presque spectrales ; c’est comme si les colonnes respiraient là où l’air rencontre la lumière. À chaque mouvement de l’observateur, la densité de l’encre et la transparence du filet changent, jouant sur la frontière entre présence et absence. Pour moi, ce projet s’articule autour du concept de durabilité. Les colonnes conservent leur identité historique, mais leur rapport à la gravité et au vide qui les entoure a été radicalement transformé. Jacques Derrida a écrit : « La déconstruction n’est pas une simple destruction ; c’est une manière de lire qui révèle des significations cachées. » La suspension de ces colonnes incarne précisément cela : elles défient le pouvoir et l’autorité de l’architecture solide, tout en se révélant comme un geste de profonde attention et de tendresse. De plus, exposer cette œuvre dans un lieu ouvert sur la ville intègre l’art directement dans le rythme de la vie quotidienne. Sans avoir à franchir le seuil d’une galerie, les passants s’arrêtent spontanément, vivant un moment de réflexion et de curiosité au cœur de l’agitation d’une journée intense. Les racines de la série « Revision » plongent dans la mosquée Jameh d’Ispahan ; sa forme carrée symbolise la stabilité et la permanence dans le monde physique. Cependant, pour moi, ce bâtiment fait également partie de la vie intérieure et de l’expérience vécue par les personnes qui le fréquentent. L’architecte et théoricien Christian Norberg-Schulz a écrit : « Un lieu n’est pas seulement une géographie physique ; c’est une qualité de l’être qui façonne l’identité et la mémoire humaines ». Ispahan est ma ville natale et ces colonnes font partie de mon inconscient visuel ; travailler avec elles, c’est relire ma mémoire personnelle au sein d’une histoire partagée.
Que signifie pour toi de présenter une œuvre aussi intime en dehors de ton pays ?
Ma réponse au présent ne consiste pas en une représentation directe de l’instabilité ; je cherche plutôt à créer les conditions pour que l’idée même de stabilité soit remise en question. Mon travail n’offre pas au public des vérités absolues ou immuables, mais l’invite à saisir la fragilité, la fluidité et les différentes perspectives. Pour moi, présenter cette installation dans différents pays n’est pas un simple déplacement géographique, mais plutôt un déplacement spatial et sémantique. Edward Said a fait remarquer : « Les idées et les formes, lorsqu’elles voyagent et s’inscrivent dans de nouveaux contextes, acquièrent de nouveaux langages et établissent des relations imprévisibles avec leurs nouveaux réceptacles. » Lorsqu’une forme familière arrive sur une nouvelle terre, sa signification change. L’installation établit un dialogue vivant avec les différentes couches de la ville qui l’accueille, se transformant en quelque chose qui existe dans une dimension intermédiaire : entre la « mémoire de l’origine » et la « réalité de la destination ».
Verrons-nous à nouveau tes œuvres en Italie ? Et si oui, quand ?
Les idées qui sous-tendent mon travail, tout comme mes expériences passées en Italie, notamment à la Biennale de Florence, ont pour moi une valeur inestimable. Je nourris un profond désir de retourner en Europe, afin de tisser des liens plus solides et plus vivants à travers des projets qui permettent à une œuvre d’art de naître naturellement d’un contexte et d’une géographie spécifiques, en respirant en harmonie avec la lumière, l’architecture et le monde environnant.
Essayons d’imaginer : est-il possible de créer un pont artistique entre l’Iran et l’Italie ?
L’Iran comme l’Italie reposent sur les fondements d’une histoire et d’une architecture qui s’étendent sur des millénaires. À cet égard, je pense au séjour de Pier Paolo Pasolini à Ispahan ; il s’y était rendu pour tourner *La Fleur des mille et une nuits*, fasciné par la magie de la mosquée Jameh, et avait braqué son objectif au cœur de cette architecture enchanteresse. Cela démontre à quel point un espace physique en Iran peut inspirer un esprit créatif italien, et inversement. Je crois qu’un dialogue authentique et sincère entre les scènes artistiques contemporaines est possible. Hans-Georg Gadamer a écrit : « La conversation est un processus au cours duquel deux personnes parviennent à se comprendre mutuellement… c’est une fusion d’horizons ». Même lorsque les circonstances politiques et les pressions économiques rendent l’acte créatif difficile, l’art reste un refuge : un espace vital où la curiosité s’éveille, où une conversation s’engage et où une compréhension plus profonde entre les personnes peut s’épanouir.
Quelle est la situation dans ton pays ?
Dans le monde de l’art (et en Iran, plus particulièrement), le parcours est loin d’être simple. Pourtant, de nombreux artistes continuent d’expérimenter et de tracer leur propre chemin, indépendant et authentique. Le plus grand défi pour un artiste émergent est de trouver un terrain solide au milieu des eaux tumultueuses du monde de l’art actuel ; des eaux que l’ensemble de la communauté artistique mondiale est appelée à traverser. Pour un artiste iranien, cependant, le fardeau est encore plus lourd. D’après mon expérience personnelle, je peux affirmer que le problème ne réside jamais dans le manque d’idées, de créativité ou de talent. Le véritable défi consiste à trouver la force d’aller de l’avant, ainsi que les ressources et le soutien nécessaires pour rendre l’acte créatif possible. Comme l’a dit Friedrich Nietzsche : « Celui qui a une raison de vivre peut supporter presque n’importe quelle manière de vivre. » Je crois que lorsqu’un artiste est animé par la passion et la foi en l’acte créatif, il parviendra à se frayer un chemin à travers la roche dure de la réalité ; car la volonté de créer est toujours plus forte que n’importe quel obstacle.
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