por Marco Ferri 06/11/2026
Categorías: Entrevistas / Descargo de responsabilidad
La artista iraní Atefeh Majidi Nezhad reinterpreta la arquitectura histórica de Isfahán a través de columnas de tela y tinta que parecen suspendidas en el vacío. En la Luxembourg Art Week 2026 presenta una instalación que reflexiona sobre el peso de la memoria, la fragilidad de las estructuras y la posibilidad de reinventar el pasado. La artista lo cuenta todo en esta entrevista con Marco Ferri.
Según Giorgio Vasari, el dibujo puede considerarse el padre de las tres artes; de hecho, toda obra de arquitectura, escultura o pintura (antes de convertirse en tal) existe, ante todo, como dibujo, concebido directamente por el intelecto. Se trata de un proceso inevitable, casi imposible de invertir: si una obra arquitectónica o escultórica adquiere tridimensionalidad en el momento en que se materializa como objeto físico, pierde esa dimensión en cuanto vuelve a ser solo un dibujo. Podría parecer un axioma, pero no siempre es así.
Atefeh Majidi Nezhad (Isfahán, 1983) lo sabe bien. La artista iraní es actualmente una de las protagonistas de la Luxembourg Art Week 2026 (que se celebra en el Gran Ducado de Luxemburgo, situado entre Bélgica, Francia y Alemania) con una instalación titulada «Revision: Zero-G Columns», que forma parte de su serie «Columns». La obra forma parte del programa Art Walk: situada en el espacio público, es accesible las 24 horas del día, los siete días de la semana. Por lo tanto, siempre visible.
En esencia, la artista ha creado 30 columnas suspendidas, de unos 3 metros de altura cada una. Pintadas con tinta sobre un delicado tejido de malla y colgadas del techo mediante hilos casi invisibles, parecen flotar en el vacío. Las formas se inspiran en el shabestan (la sala hipóstila) de la famosa Mezquita del Viernes de Isfahán, así como en el ritmo arquitectónico de la cúpula del Taj al-Molk, en Irán. El enfoque artístico de Atefeh Majidi Nezhad despoja a las columnas monumentales de su función portante y de su peso histórico, transformando estructuras ideológicamente opresivas y autoritarias en elementos efímeros y flotantes, que invitan al público a reflexionar sobre el espacio, el peso y la memoria. Hemos planteado algunas preguntas a la artista, que mantiene un vínculo especial con Italia, país en el que su obra ha obtenido importantes reconocimientos en los últimos tres años.
MF. Empecemos por el principio: ¿cuál ha sido tu trayectoria formativa?
AMN. Pablo Picasso dijo una vez: «El arte limpia el alma del polvo de la vida cotidiana». Creo que todo el mundo nace con una puerta abierta de par en par hacia el arte. Este sirve de refugio para quienes sienten que las palabras se les atascan en la garganta, para quienes tienen dificultades para expresar sus emociones. El arte es la voz elocuente de nuestros espacios silenciosos. Pasé mi infancia en la tranquila compañía del papel: creaba pequeñas figuras, dibujaba vestidos y muebles sobre sus formas inanimadas y los guardaba en un rincón de mi imaginación, infundiéndoles vida. En ese mundo de papel, yo era quien controlaba todo; incluso mis muñecas nacían del trazo de mis manos. A los diez años, ingresé en el Instituto para el Desarrollo Intelectual de Niños y Jóvenes. Tres años después, a los trece, oí por casualidad a mi profesora de arte hablar con mi hermana: le confesaba que había detectado en mí un talento especial. Una oleada de entusiasmo me inundó el pecho y, en ese preciso instante, el sueño de estudiar en una escuela de arte echó raíces en mi corazón. El camino no estuvo exento de obstáculos: crecí en un entorno en el que el arte no se consideraba una profesión legítima; todos esperaban que me convirtiera en ingeniera o médica. Me mantuve firme, seguí mi propio camino y, al final, entré en este mundo mágico, un reino del que ya no hay vuelta atrás. Mi trayectoria comenzó con los estudios de pintura en la Universidad de Arte de Isfahán y continuó hasta obtener un máster en la Universidad de Teherán.
¿Cuál es tu trayectoria artística?
Creo que llega un punto de inflexión en el que una persona elige su camino con una profunda convicción interior. Es el momento en el que el arte deja de ser una simple pasión y se convierte en lo que realmente eres. Recuerdo con total claridad el día en que esta toma de conciencia se afianzó en mí: fue el día de la evaluación de los proyectos finales. El doctor Halimi, mi profesor de pintura avanzada, observó mi trabajo y exclamó con entusiasmo: «¡Te sumerges sin miedo en el corazón del océano!». Sin embargo, en ese mismo instante, ¡me puso la nota más baja de toda la asignatura! Al principio, estaba en la gloria por el hecho de que se hubiera reconocido mi talento. Pero unos días después, cuando vi la nota (14 sobre 20), mi mundo se derrumbó. Aún hoy, no sabría decir si se trató de una forma velada de ánimo o de una manera sutil de menospreciarme. Sin embargo, ese momento marcó el verdadero comienzo de mi trayectoria. Fue entonces cuando me vinieron a la mente las palabras de Vincent van Gogh: «Hay una tormenta en el mar, pero el secreto para sobrevivir es no olvidar nunca la llamada de la orilla». Esta perspectiva despertó en mí una determinación rebelde: seguir siendo artista, seguir creando y afirmar mi identidad artística. Ha sido un camino que me ha enseñado el verdadero significado de la perseverancia y la resiliencia.
¿Qué premios o reconocimientos has recibido?
El momento que guardo más profundamente en mi corazón, y que me ayuda a mantenerme firme en este camino, es haber ganado el segundo premio («Lorenzo el Magnífico») en la XIV Bienal de Florencia, en 2023. Para un artista, un reconocimiento así es como para un alpinista poder por fin dejar en el suelo una mochila pesada, para recuperar el aliento. Ese respiro te recuerda que debes caminar con paso más ligero, pero al mismo tiempo más firme: sabes muy bien que te esperan ascensos aún más empinados, ascensos que exigirán aún más de tu espíritu y de tu fuerza.
Así pues, también hace falta una buena dosis de resiliencia…
¿Resiliencia? Mi respuesta es sencilla: la estoy viviendo ahora mismo. Me encuentro en el corazón del Gran Ducado de Luxemburgo: la Luxembourg Art Week de 2026. Sin embargo, cuando presenté mi candidatura para la Luxembourg Art Week de 2026, mi vida era completamente diferente. Había vuelto a Isfahán para cuidar de mi padre, justo en plena guerra. Internet estaba bloqueado en todo el país; una VPN costaba una fortuna y la conexión pendía de un hilo, a punto de romperse en cualquier momento. En aquellos días difíciles, me vino a la mente una frase de Albert Camus: «En lo más profundo del invierno, aprendí por fin que dentro de mí hay un verano invencible». Me dije a mí misma que tenía que encontrar una forma de salvarme a mí misma y a mis sueños de todo aquel caos. Contra todo pronóstico y a pesar de todas mis dudas: aquí estoy, en la Luxembourg Art Week 2026.
Bien, pues, ¿intentamos describir tu arte, sus características y tus fuentes de inspiración?
En la Luxembourg Art Week 2026 presento un nuevo capítulo del proyecto en el que llevo trabajando una década: una relectura y revisión de la arquitectura histórica de Isfahán. «Revision: ZeroG Columns» es una instalación de columnas suspendidas, inspirada en la Mezquita del Viernes (Jameh Mosque) de Isfahán y en sus doce siglos de transformaciones arquitectónicas. A través de esta obra, sigo explorando la relación entre la arquitectura histórica, el paso del tiempo y la fragilidad de las estructuras. Las he creado utilizando una malla transparente y capas de tinta. Al no tener que soportar ya el peso de la piedra o los ladrillos, se han vuelto ligeras, casi flotantes. Cuando la luz (natural o artificial) atraviesa la malla, proyecta sobre el suelo, las paredes y el techo sombras tenues, titilantes, casi espectrales; es como si las columnas respiraran en el punto donde el aire se encuentra con la luz. Con cada movimiento del observador, la densidad de la tinta y la transparencia de la malla cambian, jugando con la frontera entre la presencia y la ausencia. Para mí, este proyecto gira en torno al concepto de durabilidad. Las columnas conservan su identidad histórica y, sin embargo, su relación con la gravedad y con el vacío que las rodea se ha transformado radicalmente. Jacques Derrida escribió: «La deconstrucción no es una simple destrucción; es una forma de lectura que revela significados ocultos». Suspender estas columnas encarna precisamente esto: desafían el poder y la autoridad de la arquitectura sólida, revelándose al mismo tiempo como un gesto de profundo cuidado y ternura. Además, exponer esta obra en un lugar orientado hacia la ciudad integra el arte directamente en el ritmo de la vida cotidiana. Sin necesidad de cruzar el umbral de una galería, los transeúntes se detienen y viven un momento de reflexión y curiosidad en medio del ajetreo de una jornada intensa. Las raíces de la serie «Revision» se hunden en la mezquita Jameh de Isfahán; su forma cuadrada representa la estabilidad y la permanencia en el mundo físico. Sin embargo, para mí, este edificio también forma parte de la vida interior y de la experiencia vivida por las personas que lo frecuentan. El arquitecto y teórico Christian Norberg-Schulz escribió: «Un lugar no es solo geografía física; es una cualidad del ser que moldea la identidad y la memoria humanas». Isfahán es mi ciudad natal y estas columnas forman parte de mi inconsciente visual; trabajar con ellas significa reinterpretar mi memoria personal en el marco de una historia compartida.
¿Qué significa para ti presentar una obra tan íntima fuera de tu país?
Mi respuesta al presente no consiste en una representación directa de la inestabilidad; más bien intento crear las condiciones para que se cuestione la propia idea de estabilidad. Mi obra no ofrece al público verdades absolutas o inmutables, sino que le invita a percibir la fragilidad, la fluidez y las diferentes perspectivas. Para mí, presentar esta instalación en distintos países no es un simple desplazamiento geográfico, sino más bien un desplazamiento espacial y semántico. Edward Said señaló: «Las ideas y las formas, cuando viajan y se insertan en nuevos contextos, adquieren nuevos lenguajes y establecen relaciones impredecibles con sus nuevos receptáculos». Cuando una forma familiar llega a una tierra nueva, su significado cambia. La instalación entabla un diálogo vivo con las capas de la ciudad que la acoge, transformándose en algo que existe en una dimensión intermedia: entre la «memoria del origen» y la «realidad del destino».
¿Volveremos a ver tus obras en Italia? Y si es así, ¿cuándo?
Las ideas que sustentan mi trabajo, así como mis experiencias anteriores en Italia, en particular en la Bienal de Florencia, tienen para mí un valor inestimable. Siento un profundo deseo de volver a Europa para forjar vínculos más sólidos y vitales con proyectos que permitan que una obra de arte brote de forma natural de un contexto y una geografía específicos, respirando en armonía con la luz, la arquitectura y el mundo que la rodea.
Intentemos imaginarlo: ¿es posible tender un puente artístico entre Irán e Italia?
Tanto Irán como Italia se asientan sobre los cimientos de una historia y una arquitectura que abarcan milenios. A este respecto, me viene a la mente la estancia de Pier Paolo Pasolini en Isfahán; allí se desplazó para rodar *La flor de las mil y una noches*, fascinado por la magia de la mezquita de Jameh, y situó su objetivo en el interior de esta arquitectura encantadora. Esto demuestra cómo un espacio físico en Irán puede inspirar a una mente creativa italiana, y viceversa. Creo que es posible un diálogo auténtico y sincero entre las escenas artísticas contemporáneas. Hans-Georg Gadamer escribió: «La conversación es un proceso en el que dos personas llegan a comprenderse mutuamente… es una fusión de horizontes». Incluso cuando las circunstancias políticas y las presiones económicas dificultan el acto creativo, el arte sigue siendo un refugio: un espacio vital en el que se despierta la curiosidad, se inicia una conversación y puede florecer un entendimiento más profundo entre las personas.
¿Cómo es la situación en tu país?
En el mundo del arte (y en Irán, concretamente) el camino dista mucho de ser sencillo. Sin embargo, muchos artistas siguen experimentando y trazando sus propios caminos, independientes y auténticos. El mayor reto para un artista emergente es encontrar un terreno firme entre las aguas turbulentas del mundo actual del arte; aguas por las que toda la comunidad artística global está llamada a navegar. Para un artista iraní, sin embargo, la carga es aún mayor. Por experiencia propia, puedo decir que el problema nunca es la falta de ideas, creatividad o talento. El verdadero reto consiste en encontrar la fuerza para seguir adelante, junto con los recursos y el apoyo necesarios para hacer posible el acto creativo. Como dijo Friedrich Nietzsche: «Quien tiene un porqué para vivir puede soportar casi cualquier cómo». Creo que, cuando en un artista arden la pasión y la fe en el acto creativo, este logrará abrirse camino a través de la dura roca de la realidad; porque la voluntad de crear es siempre más fuerte que cualquier obstáculo.
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.