American Gothic: l'une des peintures américaines les plus célèbres au monde est née d'une maison

Une rencontre fortuite avec une maison a donné naissance à l’une des plus célèbres peintures américaines: American Gothic de Grant Wood (Anamosa, Iowa, 1891 - Iowa City, 1942). L’artiste avait été invité durant l’été 1930 par Edward Rowan, directeur de la Little Gallery de Cedar Rapids (Iowa), à organiser une exposition d’art dans la petite ville d’Eldon, située dans l’État de l’Iowa, dans le comté de Wapello. Il s’agissait d’une sorte d’expérience de diffusion de l’art dans les zones rurales du Midwest: “M. Rowan annonce”, rapporte leOttumwa Courier, le journal du comté de Wapello, “que le travail de promotion des beaux-arts vise à montrer que la petite communauté du Midwest, complètement isolée de certains contacts, répondra avec la plus grande chaleur lorsqu’on lui donnera l’occasion d’apprécier les beaux-arts”. L’expérience a duré un mois et comprenait une exposition d’un artiste différent chaque semaine, des cours de dessin et d’aquarelle pour les enfants, et des cours de musique pour les enfants plus âgés ; c’est à l’occasion d’une de ces expositions hebdomadaires auCentre d’art d’Eldon que Grant Wood a été invité par Rowan et a eu l’occasion de visiter la ville.

Et c’est lors d’une visite avec un certain John Sharp, étudiant en art à l’université de l’Iowa qui fréquentait souvent la Little Gallery et connaissait donc Rowan, que l’artiste vit pour la première fois la maison qui inspira le gothique américain. Il fut particulièrement fasciné par la grande fenêtre gothique située en haut de la façade, qu’il qualifia cependant de presque prétentieuse pour une si petite maison. D’après les différentes recherches effectuées sur la maison, il semble que cette grande fenêtre en arc brisé ait été utilisée pour faire entrer ou sortir des meubles de l’étage supérieur, car l’escalier intérieur était trop étroit pour cela. Cependant, l’introduction de fenêtres gothiques dans les maisons était typique d’un style bien connu qui a commencé à se répandre aux États-Unis au milieu du XIXe siècle, le " Carpenter Gothic", qui avait le mérite d’ajouter des détails gothiques extravagants et élégants à de petites et humbles maisons pour les embellir sur le plan architectural. Les éléments caractéristiques étaient, par exemple, les toits à forte pente et les pignons, le bardage en planches de bois, les porches avec des balustrades sculptées et les fenêtres en arc brisé. Ce style permettait de construire des maisons rapidement et à moindre coût grâce à l’abondance du bois disponible et à l’invention des scies à chantourner, qui permettaient de reproduire les finitions des cathédrales gothiques en maçonnerie sur le bois de ces cottages de campagne. Cependant, lorsque Grant Wood a vu la maison d’Eldon, nous étions à l’été 1930, et le style gothique charpentier n’était plus considéré comme à la mode, mais plutôt comme démodé, car après plus de cinquante ans, le style architectural dans lequel les maisons étaient construites avait changé. L’artiste a immédiatement fait un dessin de la maison, puis une fois rentré dans son atelier de Cedar Rapids, où il travaillait, il a terminé la peinture. Il a également pensé à ajouter à la scène les éventuels habitants de cette maison, et qui auraient-ils pu être si ce n’est les “Goths américains”, comme il les a appelés ? Il demande à sa sœur et à son dentiste de lui servir de modèles et, une fois le tableau terminé, il l’envoie à l’Art Institute of Chicago pour qu’il soit exposé dans le cadre de l’exposition annuelle de peintures américaines du musée, et il est accepté.

Mais qui étaient les véritables propriétaires de la maison “gothique” d’Eldon ? En réalité, la maison a eu plusieurs propriétaires au fil des ans. Les premiers furent M. et Mme Dibble, Catherine et Charles, qui la firent construire entre 1881 et 1882 (c’est pourquoi la maison est également connue sous le nom de Dibble House). Cependant, il semble qu’ils aient perdu la maison à cause d’impôts impayés et qu’elle ait été vendue, passant de propriétaire en propriétaire. Jusqu’à ce que, en 1991, Carl E. Smith, alors propriétaire, décide d’en faire don à la State Historical Society of Iowa, une société historique qui sert de dépôt historique officiel pour l’État de l’Iowa. De 1991 à 2014, cette société a continué à louer la maison, demandant aux locataires d’agir également en tant que gardiens en son absence, puisque le siège de la société se trouve à près de deux heures de route de Dibble House. Le propriétaire actuel est l’État de l’Iowa. Elle est également inscrite au Registre national des lieux historiques depuis 1974, et à côté d’elle a été ouvert en juin 2007 l’American Gothic House Center, qui comprend une galerie d’exposition, une salle multimédia et une boutique de souvenirs, pour raconter l’histoire de la maison devenue célèbre grâce à la peinture de Grant Wood, à travers des visites et des circuits.

Pour en revenir à l’homme et à la femme représentés posant devant la maison, un choix qui renvoie probablement à la coutume répandue parmi les photographes voyageurs de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle de faire poser leurs sujets devant les maisons, et qui témoigne également de l’attachement profond des gens à leur maison dans l’Amérique rurale, il s’agit en réalité d’un choix de l’artiste: lorsque Wood a vu la maison gothique américaine pour la première fois, il n’y avait personne à l’intérieur. La scène qui semble si réaliste ne l’est pas en réalité. Même les modèles, sa sœur Nan Wood Graham et son dentiste, le Dr Byron Henry McKeeby, ne correspondent pas exactement aux personnages représentés: la femme a un visage plus allongé que celui de sa sœur et semble plus démodée, tandis que l’homme lui ressemble un peu plus, même s’il est plus âgé en réalité. Plus important encore, les deux n’ont jamais posé ensemble. On ne sait pas non plus quelle était la relation entre l’homme et la femme représentés dans le tableau: père et fille ? Mari et femme ? Dans une lettre, le peintre définit la femme comme la “grande fille” de l’homme, mais cela reste ambigu à ce jour. Ce qui est certain, c’est que son intention était de représenter deux habitants “typiques” du Midwest devant la maison à l’ancienne. Comme l’explique Sarah Kelly Oehler, conservatrice d’art américain, l’artiste a associé la femme aux éléments domestiques de la maison, tout en liant l’homme à la grange et aux travaux agricoles. Wood a placé une fourche (à l’origine un râteau, comme le montre l’une des premières esquisses au crayon de l’American Gothic) dans la main de l’homme représenté et a ajouté une grange sur le côté de la maison. Les dents de la fourche sont ensuite répétées à la fois dans les coutures de la salopette portée par l’homme et dans les rayures de la chemise, mais aussi dans les lignes de la maison. Notons également la répétition du motif du tablier de la femme et celui des rideaux que l’on aperçoit derrière la fenêtre cintrée. Par la répétition des formes, l’artiste veut créer des liens entre les personnages et les éléments de la maison ; c’est un moyen d’unifier l’ensemble de la composition. Même la fenêtre gothique, si on la regarde de près, est composée de deux arcs égaux qui se rejoignent ensuite à la pointe du grand arc: la composition de la fenêtre se répète dans l’ensemble de la composition du tableau si l’on considère les deux figures humaines debout côte à côte comme les deux arcs égaux et que le toit de la maison les rejoint de la même manière que la pointe du grand arc de la fenêtre rejoint les deux arcs plus petits.

La maison gothique américaine d’

othique américaine

Les plantes du porche constituent un autre point d’intérêt: il s’agit d’un bégonia “beefsteak” et d’une langue de belle-mère (cette dernière, selon Wanda Corn, auteure de Grant Wood: The Regionalist Vision, pourrait faire allusion à la robustesse des femmes dans l’Amérique rurale) ; dans sa forme, cependant, le bégonia aux feuilles de beefsteak fait écho aux arbres qui poussent derrière la maison et la grange et, dans une certaine mesure, aux cheveux de la femme, tandis que les trois feuilles de la langue de la belle-mère font écho aux dents de la fourche, aux coutures de la salopette et aux rayures de la chemise. Les mêmes plantes apparaissent également dans une autre œuvre de Grant Wood, Woman with Plants, dans laquelle le peintre représente sa mère avec le bégonia “beefsteak” à ses côtés et un pot de langue de belle-mère à la main ; les deux tableaux ont également en commun la bordure en zigzag des tabliers des deux femmes, qui portent toutes deux une broche en forme de camée.

Cependant, ce qui ressort le plus de ce tableau est l’expression stoïque et impassible des deux figures humaines, un homme et une femme sans sentiments, au regard vide. Peut-être Wood avait-il des sentiments mitigés à l’égard des habitants “typiques” de l’Amérique rurale ? Ou voulait-il donner une expression concrète à des gens humbles qui acceptent passivement le cours de la vie ?

C’est précisément la représentation de ces deux personnes en ces termes qui a suscité de nombreuses critiques, tant de la part des critiques d’art que des citoyens eux-mêmes. Comme nous l’avons mentionné plus haut, le tableau a été accepté à l’exposition annuelle de peintures américaines organisée par l’Art Institute of Chicago et a remporté la médaille de bronze du Norman Wait Harris Prize avec un prix en espèces de 300 USD. En novembre 1930, elle a été achetée par l’institution, où elle est toujours conservée aujourd’hui. Après l’attribution du prix, l’image du tableau a commencé à circuler dans les journaux, ce qui a déclenché une réaction négative de la part des habitants de l’Iowa, offensés d’être dépeints comme des puritains moroses, démodés, arriérés, sinistres et fondamentalistes. Les critiques ont interprété l’œuvre comme une satire de l’arriération des habitants du Midwest. Wood précise dans une lettre de 1941 qu’il n’a pas voulu faire de cette peinture une satire, qu’il n’a pas voulu caricaturer les habitants, mais que “les gens qui se sentent offensés par la peinture sont ceux qui pensent qu’ils ressemblent aux sujets représentés”. American Gothic se voulait une image incarnant l’éthique et les vertus puritaines qui caractérisaient positivement l’Amérique rurale ; il s’agissait d’offrir uneimage positive des valeurs de cette Amérique, avec une vision rassurante au début de la Grande Dépression.

La représentation des deux personnages d’American Gothic a probablement été influencée par la peinture de la Renaissance du Nord, en particulier la peinture allemande, car en 1928, soit deux ans avant de réaliser le célèbre tableau, Grant Wood avait effectué un voyage formateur en Allemagne, à Munich, qui l’avait conduit à abandonner le style impressionniste qu’il avait travaillé par le passé. Il abandonne le style impressionniste qu’il avait étudié en Europe au début de sa carrière et dont il s’était senti le plus proche jusqu’alors (Loch Vale, également conservé à l’Art Institute of Chicago, en est un exemple) au profit d’une peinture plus nette, plus réaliste, plus détaillée et parfois plus hiératique, notamment en ce qui concerne les sujets. Avec Thomas Hart Benton et John Steuart Curry, Grant Wood est considéré comme l’un des représentants du régionalisme américain, un mouvement artistique qui s’est développé en Amérique dans les années 1930 et une partie des années 1940 et qui privilégie les thèmes figuratifs et locaux, dépeignant des scènes du Midwest rural et du folklore américain, un style réaliste et des sujets facilement reconnaissables comme des personnes “typiques” de cette région spécifique et de ces lieux locaux. Jeune homme, il s’inscrit à la Handicraft Guild de Minneapolis, puis à la School of the Art Institute de Chicago, où il apprend le travail du métal, mais après avoir voyagé plusieurs fois en Europe pour avoir un aperçu des tendances modernes, il les rejette et retourne en Amérique, dans l’Iowa, réalisant que l’art américain doit exprimer ses traditions et dépeindre ses lieux et ses habitants.

En plus d’être l’une des peintures américaines les plus célèbres au monde, American Gothic est également devenue l’une des plus parodiées. Sarah Kelly Oehler estime que cela est dû en partie à la controverse initiale suscitée par le tableau lorsqu’il a commencé à circuler dans la presse, mais que cela a certainement à voir avec la composition de l’œuvre elle-même et la manière dont l’artiste a peint les figures humaines d’une manière si proche et, surtout, sans émotion. “Ma théorie, dit-il, est que leurs expressions stoïques - leurs visages sont vraiment vides - ouvrent la porte à la parodie de ce tableau. Mais plus important encore, ce tableau en est venu à représenter une certaine perspective des valeurs américaines”. “Finalement, ce tableau est devenu un lieu de critique sociale - il peut être transformé de tant de façons, en utilisant des célébrités que nous reconnaissons ou simplement différents types de personnes - comme un moyen d’aborder des questions plus larges sur la société américaine, la politique, l’histoire et ainsi de suite. La peinture était déjà célèbre et ces parodies continuent à la rendre célèbre et pertinente”, conclut l’universitaire. En fait, si vous faites une recherche rapide sur le web, vous verrez toutes sortes de parodies, des Simpsons aux Minions, des chats à une grande variété de personnages d’animation, des personnalités politiques, y compris Trump, aux stars de la musique. Disney l’a même mentionné dans La Belle et la Bête. Elle a également inspiré Gordon Parks, l’un des plus célèbres photographes documentant la vie des Afro-Américains au XXe siècle: en 1942, il a réinterprété la peinture de Grant Wood dans une photographie à laquelle il a donné le même titre, American Gothic, dans laquelle il a fait poser Ella Watson, une femme de ménage afro-américaine de la Farm Security Administration à Washington, avec une serpillière et un balai devant le drapeau des États-Unis d’Amérique.

Ainsi, l’homme et la femme peints par Wood peuvent devenir n’importe quel autre sujet ou personnage, et le tableau n’en est que plus pertinent. Qui sait ce que l’artiste penserait de cette évolution continue de son œuvre.

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