第 30 届Artissima 艺术博览会即将拉开帷幕：11 月 2 日至 5 日，都灵 当代艺术博览会将吸引成千上万的游客前来参观。今年的主题是 "关怀关系"（Relations of Care），这是巴西圣保罗联邦大学人类学教授、巴西人类学家伦佐-塔代伊（Renzo Taddei）最近撰写的一篇文章中提出的概念。博览会的四个部分（主要部分、新作品、独白/对话 和艺术空间与版本），三个策划部分（绘画、现在的未来 和回到未来），181 个画廊，数百件作品。
每个艺术博览会的终极目标显然都是销售，将画廊主和收藏家聚集在一起。Artissima 是少数几个有在线目录的博览会之一，在目录中可以看到作品的价格，尽管不是所有作品（事实上，大多数作品的价格都是 “根据要求”）。我们在各个画廊中挑选了一些有趣的作品，其中许多作品的价格都是 “应要求 ”的，因此我们为每个价格区间挑选了一些作品，这些作品都来自允许我们公布作品价格的画廊（事实上，有些艺术家和画廊并不希望 公布其作品的价格）。以下是我们精选的 15 件作品，每件作品都附有价格（或价格范围）。
卡米尔-贝纳拉布-洛佩兹 1989 年出生于巴黎，是本届博览会上最......廉价的艺术家之一。作为一名雕塑家，她的作品融合了具象主义和抽象主义，直接从她的想象中塑造作品。“评论家玛尔戈-博诺佩拉（Margaux Bonopera）写道：”卡米尔-贝纳拉布-洛佩斯并不创作图像，而是利用他人的图像，这与其说是出于轻松，不如说是出于着迷。因此，她积累了各种文件，这些文件的不同来源使她的作品具有模糊的地位。无论是雕塑还是绘画，他的作品都试图创造出功能性和连贯性的实体，就像记忆一样，通过碎片、重新诠释和重写来发挥作用"。Signes是艺术家首次在 Artissima 展出的一系列新的小型作品。
沙米拉-阿沙（Shamilla Aasha）1977 年出生于津巴布韦，她作为一名生活在津巴布韦马塔贝莱兰地区的绍纳族和印第安族妇女，通过创作作品来探索自己的多元文化背景，作品涉及传统文化和习俗的融合问题，以及这些文化和习俗如何影响她本人及其社区其他妇女的身份、精神和社会地位。阿莎的作品融合了编织、挂毯以及与绘画理念和历史的互动。这些作品以软雕塑、用现成物品制作的挂毯和抽象刺绣的形式出现。她将这些作品形容为圣物，这是对其叙事的恰当比喻。由于艺术家使用了纸质图案、纺织品和缝线，这一隐喻得到了进一步延伸。除了艺术创作，莎米拉还通过她的阿莎儿童信托基金（Asha Children’s Trust）继续培养创造力，该组织致力于为有创造力的年轻人创造安全的空间，让他们在正规教育部门之外茁壮成长。
1992年出生的摩德纳艺术家朱利亚-波皮（Giulia Poppi）的雕塑借用了贾科莫-巴拉（Giacomo Balla）的作品名称。该作品由 Fuocherello 展出，这是一家首次参加 Artissima 展览会的画廊，在新作品展区展出了 Andrea di Lorenzo 以及 Giulia Poppi 的新作品。Giulia Poppi 的作品旨在通过雕塑形式来影响人们对周围空间的感知，其作品往往超越了物体本身的物理极限。在 Artissima 展览会上，波皮将展示一系列雕塑作品《WEICHWEISSWEICH》，这些作品是在卡拉拉制作的，在采石场使用大理石的过程中，在水和大理石的剧烈压力下形成，艺术家在采石场取回这些作品。尽管这些大理石是铁制的，但它们看起来轻盈、柔软、形状熟悉，与它们的暴力性质形成鲜明对比，见证了深刻的变化和景观伤痕。除了明确提及与都灵这座城市和作为画廊摇篮的工业现实息息相关的汽车工业之外，它们的着色也是为了混淆整个工艺流程，从甲虫身上......窃取涂装。
科迪是一位生活和工作在澳大利亚墨尔本的艺术家，他探索社会心理问题，质疑我们对自身的认知以及现代心理结构的不稳定性。科迪创作的核心是探索情绪以及狂躁和专注两种精神状态之间的摇摆。他的作品挑战了一些问题，如我们对药物的依赖以及实时了解自身的复杂性。科迪的 “药丸雕塑 ”技术复杂而细致，反映了一种受控而平静的精神状态，向我们讲述了控制与失控、现实与虚构、健康与疾病之间的界限。尽管药片在我们的生活中司空见惯，能迅速止住各种疼痛，但在所有功能被放大并进行一定程度的模仿之前，我们可能无意中忽略了药片设计的微妙优雅。
绘画一直是安德烈娅-萨拉（Andrea Sala）艺术实践的基本组成部分，被理解为探索构成现实形式的主要工具，同时也是抽象和理解那些本质上不适合雕塑的元素的可能性。国家公园毯子》是萨拉最新创作的绘画系列：艺术家从研究属于不同起源民族历史的毯子开始。“艺术家说：”我对毯子的社会作用很感兴趣，我开始把它们想象成一种能够催化日常生活中的行为、思想和物品的展示，并将其理解为一种动态系统，它在时间和当下都发生了作用，并留下了所有痕迹。
瑞士艺术家马里乌斯-斯泰格出生于 1999 年，是 Artissima 展览会上最有趣的年轻艺术家之一。他的作品探讨了身份、真实性、人工化、消费主义以及人类与现代技术的关系等问题。他的作品以一种朴素而浪漫的视觉语言将真实的叙述与虚构结合在一起，对追求完美提出了具有讽刺意味的质疑。他的 “解构静物...... ”作品的整体美学在某种程度上让人联想到美国画家韦恩-蒂博（Wayne Thiebaud）的作品，通过图案的照明和表面的物理性来参照屏幕，从而传达数字世界。价格差异很大：我们在此展示的两米长的大型静物是最具挑战性的作品，而较小尺寸的作品（30 x 25）只需 1800 欧元即可带回家。
福尔蒂 1935 年出生于佛罗伦萨，是近五十年来当代表演艺术的代表人物之一。作为一名艺术家、编舞家、舞蹈家和作家，福尔蒂一直致力于寻找一种运动美学意识，并始终致力于实验和即兴创作。她通过动物研究、“新闻动画 ”apunto 和风景肖像画来研究物体和身体之间的关系，重新构建了表演和舞蹈的概念。拉法埃拉-科尔特斯带来了西蒙娜-福尔蒂（Simone Forti）的几部 “新闻动画”，代表了她看待新闻和社会政治世界问题的方式，成为探索语言及其与舞蹈、图像和音乐的交集的借口。
亚历山德罗-皮昂阿莫尔（Alessandro Piangiamore）的 "昨日插花"（Yesterday Ikebana）系列雕塑作品始于 2018 年，是在城市市场和街头丢弃的新鲜花朵上浇筑混凝土而制成的。作品的最终结果总是难以预测，旨在强调鲜花难以捉摸的脆弱与混凝土的坚硬之间的对比，将短暂的事物结晶为一种蚀刻的静物。然后，作品的雕塑性质通过图像表现得到重新诠释，“插花的昨天 ”被垂直悬挂在墙上。
托马斯-布兰比拉（Thomas Brambilla）在 Artissima 展出了马可-辛戈拉尼（Marco Cingolani）的新作，他是 20 世纪 90 年代至今意大利绘画界的绝对主角。在这些新作中，辛戈拉尼引用了奥维德《变形记》中的一段话来描述黄金时代：“黄金时代是第一个时代，那时既没有痛苦也没有悲伤[......]由神创造的第一批人生活在克洛诺斯时代。那是一个黄金时代，世界沉浸在永恒的春天里。大地自发地结出果实，无需耙子触碰，也无需犁铧撕扯。百灵鸟抚摸着无籽的花朵，庄稼和田野总是长满黄色的穗子，乳汁和花蜜的河流在大地上流淌”。黄金时代被描述为一个没有苦难和劳作的时代，那里从不缺乏食物，每个人都能与自然和谐相处，直到宙斯废黜克洛诺斯，导致人类慢慢衰落，黄金时代才宣告结束。奥维德的作品以此为主题，宣传奥古斯都皇帝的统治，传播在共和国末期可怕的内战之后恢复古代辉煌的思想。几个世纪以来，许多艺术家以奥维德为榜样，在寓言和象征意义上表现了这一主题，尤其是在绘画中，这一主题被以不同的方式重新诠释，并根据精神和社会观念加以调整。马尔科-辛戈拉尼（Marco Cingolani）在这一系列由金色颜料铸模和色彩痕迹组成的新画作中就是想这样做：利用奥维德的故事，他继承并重新诠释了黄金时代，现在又向我们展示了一个新的开端。事实上，辛格拉尼已经摆脱了他在上世纪八九十年代声名鹊起的最初的具象主义，但他对色彩的驾驭能力和他作品中一直存在的几乎难以察觉的轮廓依然清晰可辨。
1989 年出生的以色列艺术家伊塔马尔-戈夫（Itamar Gov）的装置作品引用了拜占庭历史学家尼凯塔-乔尼阿特斯（Niketa Choniates）的话，他在 1204 年第四次十字军东征期间抨击了十字军对君士坦丁堡的破坏："啊，帝国之城，坚固之城，伟大国王之城，至高者的帐幕，仆人们的赞美和歌颂，外国人心爱的避难所，城市皇后中的皇后，歌中之歌，辉煌中的辉煌，世界罕见奇观中的罕见奇观，是谁把我们从你身边夺走，就像亲爱的孩子从他们崇拜的母亲身边夺走一样？我们将何去何从？该装置将 Choniates 的文字安装在脚手架上，让人联想到老式酒店屋顶上的招牌。然而，这块牌子却意在保留一种潜在的模糊性：它的摆放位置--脱离了任何实用功能，被放置在一个封闭的房间里，而不是在高高的屋顶上闪闪发光--证明了某种失败，一种无法完全实现的承诺，指出了为所有外国人提供避难所的承诺与等待这些外国人的具体现实之间的鸿沟，远离他们曾经的家园。针对历史、意识形态和美学之间错综复杂的关系，伊塔马尔-戈夫的创作侧重于雕塑和空间装置，以及图形和视频作品，并与各种形式的个人、集体和机构记忆进行交流。他使用多种视觉和理论工具进行创作，其项目的出发点是对文化传统、惯例和被认为不言自明的姿态持怀疑态度。Gov 的作品以持续研究为基础，围绕艺术与政治的交叉点，突出已知与假设之间的紧张关系，挑战事实与虚假、记忆与想象之间的清晰界限。
在这批 Artissima 精选作品中，我们不能不提到将代表意大利参加下一届威尼斯双年展的艺术家：马西莫-巴托里尼（Massimo Bartolini）。马西莫-巴托里尼（Massimo Bartolini）是少有的在 Artissima 画册中公布价格的 “大牌 ”艺术家之一：这要归功于 Magazzino 画廊，它是少数几家（也是极少数为知名艺术家提供作品的画廊之一）采用这一策略的画廊之一。Magazzino 展出了几件作品：其中最新的一件是 2022 年的作品《Rugiada》，这件作品是用搪瓷在铝板上绘制的，属于巴托里尼数年来一直创作的系列作品，他最近还在去年普拉托佩奇中心举办的大型个展《Hagoromo》中展出了这件作品。Rugiada是一系列绘画作品，在这些作品中，铝板上覆盖着五彩缤纷的彩虹色，然后再涂上模拟露水的人工乳液。“虽然这些作品看似抽象的形式，但这些单色作品却让人联想到巴托里尼作品的主题之一：自然景观，”策展人卢卡-塞里沙（Luca Cerizza）在《Hagoromo》的文字中解释道。“正如标题所示，’露水’实际上可以理解为露水沉淀的窗户，从中可以看到不断变化的风景，正如绘画的颜色会随着观众的移动而变化。这些作品在绘画的二维性和雕塑的三维性之间、在背景（风景）和前景（露水）之间、在运动和静止之间制造了一种张力”。
作为意大利当代艺术中最负盛名的艺术家之一，马里内拉-塞纳托雷（Marinella Senatore）在马佐莱尼（Mazzoleni）展出了装置作品和一些多联画，如这幅《让它发光》（Make it shine）。玛丽内拉-塞纳托雷的作品以抵抗美学为创作实践基础，其作品的关键在于广场等相遇空间之间的相互联系以及社会参与的变革力量。她的发光作品和霓虹灯作品关注社区以及艺术和参与的变革力量。这些作品旨在通过赋权和光的力量来赞美个人和社区，比如她的天花板灯。试图捕捉光的能量也体现在拼贴画中：乐谱、照片、素描和移动剪影都是从叙事舞蹈学校的瞬间中推导出来的，叙事舞蹈学校是他在 2012 年推出的最著名的参与性项目，十多年来，23 个国家的 800 万人参与了该项目。
Lia Rumma 一如既往地带来了其顶尖艺术家吉尔贝托-佐里奥（Gilberto Zorio）。吉尔贝托-佐里奥创作的艺术作品捕捉了化学过程、机械转换和能量交换，暗指进化和人类生存。佐里奥使用了一种特定的、极具辨识度的视觉语汇--五角星，在他的艺术作品中，五角星成为运动、能量和转化的象征。根据贫困艺术（Arte Povera）的原则，他在作品中使用传统的非艺术材料，如脚手架金属、泡沫和牛皮。羊皮纸上的记忆》是这位生于 1944 年、不屈不挠的皮埃蒙特艺术大师的最新作品之一，在这幅作品中，经典的钢制星星被固定在不规则的羊皮纸背景上。
今年在 Artissima 展出的还有莱安德罗-埃利希（Leandro Erlich）如今著名的 “云 ”系列作品之一。埃利希说，“云 ”系列 “随着时间的推移而变化，就像云一样不断变化和转变”。“当时，我正在为日本的一栋建筑设计一个项目，需要制作能挡风的屏风。我最初的尝试促成了第一件作品《云》的诞生，它是由几片玻璃合成的，从合适的角度观察，会呈现出三维图像。虽然我有时会从一开始就计划好一件作品，并在创作过程中知道自己的方向，但这个系列的作品是一种持续的体验，云就在这种体验中出现。我并不认为一种方法优于另一种方法，直观的制作过程与完整的计划相比，但作为一名艺术家，我欣赏这种更加模糊和偶然的体验。就像一个想法，云既真实又虚幻。大气层中的云一直是人类投射的屏幕，但同时它们也不过是瞬间发生的事件，作家乔恩-穆阿勒姆（Jon Mooallem）称之为 ”蒸气的阴谋“。然而，我们一直在仰望天空，寻找征兆和信号。我们看到的是与我们的解释相关的想象和感觉，例如罗夏克测试或其他人的意图，或者其他许多我们用心灵去感知的东西”。
最后，让我们以一个无需介绍的名字结束。Tornabuoni Arte 为 Artissima 带来了伟大的 20 世纪艺术作品，其中还有卢西奥-方塔纳的三件杰出作品，它们都挂在同一面墙上：三件《空间概念》，属于 “切割”（leAttese）和 "洞"系列。这些作品的价格显然是博览会上最高的。
本文作者 : Ilaria Baratta
Giornalista, è co-fondatrice di Finestre sull'Arte con Federico Giannini. È nata a Carrara nel 1987 e si è laureata a Pisa. È responsabile della redazione di Finestre sull'Arte.
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