里尔克眼中的罗丹：瑞士一场展览展现了雕塑与诗歌之间的对话

奥古斯特·罗丹（巴黎，1840年—穆东，1917年）的雕塑作品再次成为瑞士马蒂尼皮埃尔 ·吉亚纳达基金会展览的焦点，此次展览通过一个前所未有的展览项目，聚焦艺术与诗歌之间的关系。 2026年6月26日至11月22日，每天10点至18点，观众可参观由维罗妮克·马蒂乌西策划的 “里尔克眼中的罗丹”（ Rodinselon Rilke） 展览， 该展览由维罗妮克·马蒂乌西策划，由巴黎罗丹博物馆与皮埃尔·贾纳达基金会联合举办，旨在通过二十世纪德语世界最伟大的诗人之一——莱纳·玛利亚·里尔克（布拉格，1875 – 蒙特勒，1926年）——这位20世纪德语世界最杰出的诗人之一——的敏锐洞察与文字，为这位法国大师的作品提供了全新的解读视角。 奥古斯特·罗丹已是第四次成为该基金会备受瞩目的特邀嘉宾，但此次展览聚焦于一个全新的主题：雕塑家与那位凭借非凡解读能力洞悉其作品的诗人之间所展开的深刻对话。 本次展览（点击此处查看更多信息）将带领观众踏上一段由多个章节组成的诗意之旅，展览通过罗丹的杰作以及里尔克文集中的精选片段构建而成——里尔克恰好在展览开幕前一百年离世。

该项目的核心是一个根本性问题：里尔克究竟是谁？这位年轻诗人曾于1903年出版了关于奥古斯特·罗丹的专著，该书已成为有史以来献给这位雕塑家最重要的著作之一。 莱纳·玛利亚·里尔克于1875年出生在布拉格，他的童年充满了孤独。 高中毕业后，他攻读文学专业，并于1896年发表了第一批诗作。他的艺术造诣很快与雕塑艺术交织在一起：他娶了雕塑家克拉拉·韦斯特霍夫为妻，后者曾于1900年在短暂运营的罗丹学院进修过。 正是得益于一项编辑委托，这段注定要深刻影响他一生的关系才得以建立。当时，一位德国出版商委托里尔克撰写一部关于罗丹的专著。两人于1902年在巴黎首次相遇，那时这位雕塑家已跻身国际声望的巅峰。 这位年轻诗人与大师之间很快建立起一种特殊的关系。罗丹很欣赏里尔克的到来，而诗人也前往雕塑家居住的穆东（Meudon）住了一段时间，以便近距离观察他的创作并为撰写专著做准备。

该专著于1903年3月出版，成为一首颂扬罗丹天才的赞歌。该作品被视为了解这位雕塑家的奠基之作，并成为全球翻译版本最多的罗丹相关书籍之一。 罗丹本人收到了一本该书，决定将其翻译成法语，并在阅读内容后，认可了这位年轻作者的才华，并向他表达了感谢。

两人在随后的几年里保持着密切联系。1905年，里尔克重返巴黎，罗丹再次邀请他前往穆东，并为他提供了一座小亭子作为创作工作室。这位雕塑家还委托里尔克处理一些秘书工作，以在经济上支持他。 在随后的十一年里，艺术与诗歌始终是他们关系的核心，这段关系以持续的交流和相互的创作影响为特征。里尔克视罗丹为现代雕塑之父，认为他是那位能够打破学院派束缚、让材质重现人类存在的运动、情感与复杂性的艺术家。 罗丹以自由不羁的态度 处理人体，甚至将其碎片化乃至残缺化，这对诗人而言是一座取之不尽的灵感源泉。

展览路线象征性地从基金会的大厅开始，展出的是一尊1903年的巨型石膏雕塑《思想者》，这是罗丹整个艺术生涯中最著名的作品之一。 这件作品最初设计用于安置在《地狱之门》的顶部，是艺术家最具象征意义的创作之一。 对其的解读至今仍未定论：这究竟是沉浸于对自身作品冥想的诗人但丁，还是审判灵魂的米诺斯？罗丹将《思想者》描述为 一个面对人类灵魂折磨而沉思的男子。 而里尔克则从这一形象中捕捉到了身体向思想的彻底转化，将人物描述为一种沉默而专注的存在：一个“沉思而沉默”的男子，其全部体力都转化为精神能量。 这位诗人的引文引导参观者解读作品，并引出了展览的核心主题：不仅要观赏雕塑，更要通过诗意的视角去理解它们。

展览导览部分汇集了档案资料、里尔克致罗丹的信件，以及1903年出版的著名专著。该专著至今仍被视为关于罗丹艺术批评文献中的重要参考，也是展览沿途所引用的主要来源。

展览的前几章专门探讨了那些处于等待状态、慵懒而悬停的身体形态。罗丹在其整个职业生涯中，始终将人体视为塑性与诗意的表达工具，致力于塑造慵懒的姿态、感性的姿势、扭曲的体态以及蜿蜒的线条。 他的雕塑往往仿佛定格了某种内在的瞬间，将灵魂的状态转化为物质形态。

展出的作品中包括1885年的青铜雕塑《达娜伊德》，其中女性躯体的起伏曲线化作了绝望与永恒未竟之境的象征。 这位年轻女子因痛苦而精疲力竭、佝偻着身子，面容被遮掩，仿佛被压倒在地。里尔克将这件雕塑解读为：视线沿着人物的背部缓缓延伸，直至那被石块封存的恍惚面容，以及那只仍保留着最后一丝生命迹象的手。

另一个重要章节专门介绍了《地狱之门》，该项目源于罗丹对但丁《神曲》——尤其是《地狱篇》——的深入研读。 通过数百个形象，这位雕塑家展现了人类灵魂的激情、痛苦与折磨，着重表现了光与影的对比以及材质的表现力。 随着时间的推移，这些表现形式逐渐呈现出愈发强烈的色情色彩，将艺术家的想象世界引向了与夏尔·波德莱尔审美情趣相近的境界。本展区展出了罗丹最著名的作品之一——1885年创作的、经过着色处理的石膏群雕 《吻》。 这件雕塑讲述了保罗·马拉泰斯塔与弗朗切斯卡·达·里米尼之间那段悲剧性的爱情故事——他们正是但丁《地狱》第二圈中的主角。尽管题材源于戏剧性的历史事件，但作品凭借其精妙的构图以及对极致和谐瞬间的刻画而引人注目。 里尔克正是从这两位恋人身体中生命力的均衡分布中，找到了这件作品具有普世魅力的原因。

展览随后深入探讨了肖像画这一题材，罗丹凭借超越简单写实再现的能力，在此领域开辟了创新之路。 艺术家虽仍以人体为参照，却打破了传统模式，转而专注于材质、表面处理以及塑形所展现的揭示人物心理的能力。展出的头像和半身像系列 见证了这种对面相特征的持续探索，直至外貌的相似性与性格的展现融为一体。 1911年创作的陶土作品《乔治·克莱蒙梭头像》便是如此，罗丹在其中再现了这位法国政治家神秘、自豪且坚定的性格。里尔克在这件作品中看到了雕塑家通过面容探索人类各个方面的能力。

另一章专门探讨了1902年的石膏雕塑《雅典之死》，在这幅寓言作品中，一位赤身裸体、垂死挣扎的女子象征着这座古城的衰落。 这尊横卧在残破柱子上的雕像，成为一个时代终结的象征。里尔克从作品中解读出雅典的蜕变——这座曾是美丽与荣耀化身的城市，如今已不复存在。

展览还特别关注“手”——这是罗丹创作中一个独立且反复出现的元素。对这位雕塑家而言，手不仅仅是身体的某个部位，而是能够表达情感、讲述故事的独立主体。无论是被孤立、放大、组合，还是与其他碎片结合，它们都成为了现代雕塑的一种真正语言。

展出的作品中包括 一尊创作于1906年之前的石膏雕塑《 紧握的大手与恳求者》。 该作品展现了一只强有力且充满威胁感的手，正俯视着一位双手合十、姿态恳求的女性形象。这一创作探索深深吸引了里尔克，他从罗丹的研究中发现了那些独立的手——它们仿佛拥有自己的生命，能够独立于身体之外表达情感。

展览随后专门开辟了一个展区，展示罗丹自19世纪90年代起创作的素描作品。艺术家面对真人模特进行创作，目光始终不移，起初也不刻意关注画纸：他先用铅笔快速勾勒轮廓，随后用水彩加以润色。那些以柬埔寨 舞者和神话人物普西刻 为主题的系列作品，展现了一种理解素描的新方式，这种方式基于动作的迅捷与捕捉瞬间的能力。

《向左侧三四分之三视角的柬埔寨舞者》创作于1906年，采用墨水、铅笔、水彩和水粉画在薄纱纸上，源于罗丹在巴黎普雷卡泰兰（Pré Catelan）与柬埔寨皇家芭蕾舞团的相遇。 这位雕塑家被舞者们的动作深深吸引，甚至追随她们前往马赛，继续为她们写生。在他的画作中，他将注意力集中在舞者的姿势、手臂、双手和双腿的动作上，定格了运动中转瞬即逝的瞬间。 里尔克将这些作品定义为“瞬间与近乎难以察觉之物的记录”，能够展现深刻的启示。而对“普西刻” 这一形象的探索，则 通过脱离背景的素描来实现 ，这些作品以女性身体的性感与自由为主要表现。 罗丹以绝对独立的视角处理裸体题材，创作出的作品中，笔触的迅捷成为一种表达手段。里尔克欣赏这些作品，因其能以寥寥数笔的简练线条，凝练出饱满的形态与纯粹的姿态。

展览的尾声再次将话语权交给了里尔克。从1902年起长达十余年间，巴黎是他生活的中心，在这里，与罗丹的相遇、与这位雕塑家的交往、对博物馆的参观以及与艺术的对话，都深刻影响了他的写作。 这一艺术遗产贯穿于1907年和1908年出版的《新诗集》之中。

展览的结尾部分不再借助诗歌来阐释罗丹，而是展现了罗丹如何帮助重塑了里尔克自身的创作世界。 高潮部分是解读《阿波罗的古风躯干》——这是里尔克最著名的诗作之一，其结尾诗句已具有象征意义：“你必须改变你的生活”。

最后一部分专门探讨里尔克与瓦莱州的关系——诗人正是在这片土地上度过了生命的最后几年。1921年6月28日，里尔克定居于瑞士西耶尔，搬进了他的赞助人维尔纳·莱因哈特购置的穆佐城堡。

时至今日，里尔克的记忆在“贵族之乡”（Noble-Contrée）依然鲜活，里尔克基金会于1986年在此成立，次年里尔克博物馆也随之建立。 现任馆长马塞尔·莱珀博士为该项目贡献了一篇收录于图录中的文章，并提供了与诗人生平相关的珍贵文献。其中包括里尔克写给爱德华·科罗迪的一封手写信，该信件由莱昂纳德·吉安纳达购得，并于2021年捐赠给里尔克基金会。

莱纳·玛利亚·里尔克于1926年在沃州瓦尔蒙特诊所去世，安葬于瓦莱州的拉龙。 因此，“里尔克眼中的罗丹”展览不仅是对两位欧洲文化巨匠的致敬，更讲述了一次能够永远改变人们看待雕塑、诗歌以及物质与精神之间关系方式的相遇。

里尔克眼中的罗丹：瑞士一场展览展现了雕塑与诗歌之间的对话

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