参观艺术家的工作室，就像被邀请进入一个秘密花园，必须蹑手蹑脚，以免打扰未来作品的地下萌芽。可以感受到的期待感是作品在空灵的直觉领域和原材料之间低声摆动的回声，这些原材料很快就会通过艺术家触发这两个维度之间相遇的姿态，赋予作品实质的表现力。在达维德-贝纳蒂（Davide Benati，1949 年出生于雷焦艾米利亚）的作品中，“花园 ”的比喻再恰当不过了，他的工作室是一个孵化的地方，各种形式在这里绽放，然后绽放，在纸张和画布的腐殖土上留下自己的色彩印记，它们有着难以捉摸的植物血统。四十多年来，这位在雷焦艾米利亚的 Palazzo da Mosto 举办大型个展的艺术家一直以大自然的形式为灵感来源，他将大自然的形式进行提纯、综合，并将其转移到其他地方的色调和抒情中，自然主义只是一种遥远的回忆。正是在此次展览之际，贝纳蒂打开了他于 2020 年搬入的工作室的大门，该工作室位于雷焦艾米利亚的 Via Emilia Santo Stefano，是连接里米尼和皮亚琴察的罗马大动脉的一条人行斜坡。
艺术家每天清晨都会去那里，在散步结束时，他都会沿着小时候的路线走一走，那时他从乡下坐公共汽车来到城里上中学。他的创作过程就是从这种敏感的听觉开始的，听觉是对命运或机遇提供给眼睛的事物上刻下的符号的听觉，这是他祖传的 本领，尤其是在他到东方旅行之后，这种本领更加敏锐，他的诗学的主要概念就来自东方。当他打开工作室的窗户，让空气和光线进入室内，使他的想象在空间中栩栩如生时，真正的工作就开始了。贝纳蒂说：“我总是利用自然光进行创作，即使自然光并不存在。”冬日清晨的微光洒满了我们在工作室前厅看到的两幅画作。第一幅是《Segreta》系列（1998 年）中的布面油画和尼泊尔纸木刻，在这幅画中，神秘暗室入口的黑色轮廓像幽灵一样从虚无的红色背景中浮现出来，与佛教僧侣袈裟的颜色相同。这幅画源自他在加德满都一条破旧的小巷中发现的一个神圣祭坛入口的拓印印象。
他对尼泊尔的迷恋可以追溯到 1977 年的尼泊尔之行，当时他还是布雷拉艺术高中的一名教师，在迷失方向的时刻，他决定将目光投向东方，以回应他对铅质年代紧张气氛的存在疏离感，并为自己的艺术寻找新的方向。贝纳蒂是杂食一代的儿子，当时在意大利，这一代人正在与观念贫乏主义者或分析画家进行较量，对绘画工具进行反思，寻找绘画的零度，而来自大西洋彼岸的行动绘画和波普艺术则对这一代人产生了强烈的刺激。与他的同事们一样，这位艺术家也希望尽可能多地进行实验，而他在艺术学院接受的扎实而多方面的培训则为他提供了支持，让他了解了从水彩画、油画到壁画和墙面钢笔画等所有可能的技法的秘密。他在布雷拉（Brera）艺术学院接受的培训并不能让他满意，他发现学院的教学与更多的艺术热点问题脱节，而在他 1968 年搬到的米兰，他试图学习他所看到的新艺术家的技法。但转折点的开端是对梵高在阿尔画的朗洛瓦桥的记忆，他小时候在父亲购买的 1952 年在米兰王宫举办的荷兰画家画展的目录中看到了这幅画，日本艺术在 19 世纪 “为年轻的西方艺术家澄清了许多观念”，对日本艺术的影响非常大。
在尼泊尔，指导他的理念是，在他后来的所有研究中从未放弃的理念，即仍然认为东西方桥梁是活跃的，并在他所看到的周围事物中寻找其迹象。正是在第一次加德满都之行（之后是 1984 年和 1995 年）中，他在路上的纪念品小摊上遇到了一种纸，这种纸将彻底改变他的艺术创作。他向我们展示了一张薄如蝉翼的丝绸纸，这种纸制作精良，如今被称为 “丝绸纸”，艺术家仍然从他信任的尼泊尔卖家那里购买。它几乎是透明的，是一种大气的白色，似乎是用来承载光线的，非常轻，不规则的编织本身就预示着无穷无尽的图像。这不是一种用于绘画的纸张，甚至不是水彩画纸，因为当它被色彩浸润和耗尽时非常脆弱。这就是为什么艺术家最初只敢在纸上做一些轻微的、限定范围的标记，让纸片自由地漂浮在空中，“就像风中的纸片”。随着时间的推移，他越来越清晰地意识到，他要把在画中瞥见的形式表现出来，为此他需要一个能够容纳更多颜料的支架。因此，从某一时刻开始，画纸会分两层粘在画布上，而画布上已经涂抹了两层白色涂料，画纸本身变成了一种物质釉，就像壁画中的 “tonachino”，人们必须在上面尽情作画。
在画室里，我们发现一块准备作画的大画布垂直地靠在墙上，在光线的照射下，画布上的孔隙和纹路显露出来，有些人可能会认为这本身就是一幅完成的作品。为了探索这块肥沃的土地上即将发生的事情，贝纳蒂想象着将蒸馏草本植物编织成的固有形状绘制成画，并开始对大自然的轮廓进行重复创作。贝纳蒂用帆布加固纸张，使画面具有质感和深度，他可以在表皮上刷上几百遍，因为纸张具有吸收性，就像壁画一样。有了这种准备工作，就有了将水彩画叠加在透明纸上的可能性，直到水彩画成为一个躯体，将一种快速的技术转化为一个可以持续数月的过程，在这个过程中，人们可以看到所有褪色的步骤。仿佛目光穿透了画面或多或少被色彩浸染的面纱，“触觉 ”地感知到其不同程度的饱和度。与此同时，表面的形状像音符一样演奏和舞动，让对自然基质的参照淡化为一种非常优雅的色调，仍然理想地保留了自然的芬芳。马蹄莲的花、睡莲的叶、装有罂粟种子的带核蒴果以及许多其他植物品种，都成为将模棱两可的形式带入这个世界的借口，让人们可以进行多种解读。如果一朵花可以同时被视为眼睛、性别、水母或凝视，那么它总是一个不可重复的绝对美的标本，因为它不稳定，充满张力。
工作室中悬挂的第二幅作品是 "Encantadas“系列中的三联画，在这幅作品中，多中心斜坡上闪烁着深浅不一的紫色和蓝色，几乎让人联想到水下环境，这似乎是由于光的毛细管渗透而形成的，而光实际上是一种微妙的材料。这种美学以一种典范的方式体现了两种视觉流派的交汇：东方的固体和空隙的平衡，西方的色彩智慧和超越支撑平面的空间感。标题是对赫尔曼-梅尔维尔（Herman Melville）同名短篇小说的致敬，在该小说中，加拉帕戈斯群岛（Galápagos Islands）被命名为 ”加拉帕戈斯“，这是一个充满欺骗性的群岛，那里生活着畸形的生物，是雾中的致命幽灵，”质疑人们对事物的凝视"。
当偶然瞥见的一片树叶或一种颜色在他脑海中产生共鸣，成为一种形式和信号的源泉时，他便开始了漫长的图像处理过程，并从构思的角度对这些形式和信号进行再加工，首先是绘制大量的小图（保存在盒子里），有时是自动绘制的，有时则是漫不经心地绘制，这些小图将成为构思的矩阵。然后，以更具体的方式在法布里亚诺纸上绘制一系列较大尺寸的水彩画，从空间扫描、色彩选择和形式的相互定位等方面确定作品的结构。
我们走近他的工作台，这是一块由两个画架支撑的木板，在上面，超出画纸尺寸的绘画行为留下了被时间冲淡的和谐的痕迹重叠：事实上，每一笔都是横向的，以避免不必要的滴落，并让艺术家在身体上完全控制空间，他将空间解释为一个无限变化的剧场，这些简单而精确的手势来自对书法家的研究。我们翻阅了一本在设计阶段创作的水彩画集，在这本画集中，作品以较小的形式完全呈现，由于纸张成分的不同，色调更加明亮和浅显。贝纳蒂解释说，在这个阶段，“作品在他的脑海中已经完成”，但在画布上之前，他不能犯错，他必须记住手势的节奏和力度，以准确复制他脑海中的形象。
他将一张白纸铺在桌子上，然后将一支宽大、扁平的中国毛笔浸入颜料桶中（颜料桶和许多其他颜料桶一起放在他身后的架子上）。毛笔相对于平面的角度，以及笔毛浸润的水的有控制的释放，这些合成的点缀将他的表现语汇中一些最常见的形式带到了表面上看似静默的表面，这些形式已经在湿润、增厚和遮蔽中颤抖。目睹这些充满想象力的异形的出现，我们就会明白，在他的作品中，即使是压力和色彩持久性的细微差别，也会扰乱图像的氛围，从而产生完全不同的视觉生境，即使使用的是相同的形式。“在这场游戏中，”他说，"一切都是追逐，关注的始终是内部平衡、节奏、清晰度，有时是不确定性。因此，最终呈现在画布上的绝不是一幅事先绘制好的草图的简单转移，而是与素材进行的活生生的对话，这种对话将使纸上水彩画中尚未确定的东西得以实现，使其得以完成。
我们有些依依不舍地准备离开这个最终的花园，在这里，思想似乎变得更加敏锐，情感轻盈地融入画中。在告别之前，我们将目光停留在与入口走廊相连的其他房间的门槛上（我们不能进入这些房间），在那里我们远远地瞥见了其他工作台和许多画作，它们都靠在墙上，以便展示背面，我们可以在背面读到有关标题和创作年份的手写注释。有些画作被塑料保护膜包裹着，有些则没有，我们可以想象，这表明艺术家与这些画作一直保持着联系。关于其作品的同步性，贝纳蒂告诉我们：“时不时地，你会忘记自己在等待某件事情发生时创作的作品，它们似乎已经老去，但当你在一段时间后再次找到它们时，它们又重新活跃起来：你再次看着它们，意识到它们在等着你。对我来说，绘画就是不断地进入、走出和回到作品中。有时我看着我的画，什么也没发生，有时我听到一个声音，让我惊慌失措，我想知道：什么会再次发生？这是一个伟大的游戏，促使人们相信在某些方面是野蛮的时刻”。
我们离开时，带着一丝窥探的意味，偷看了书店的书架，上面摆满了文学和艺术书籍，以及印有他多年来举办的众多展览邀请函的卡片，这些都是他研究一贯性的具体表现，成熟的研究使他的作品更加饱满，却没有留下疲惫的痕迹。现在，我们邀请您去雷焦艾米利亚参观他的个人展览，马格尼尼宫基金会为您提供了一个宝贵的机会，让您用自己的视线沉浸在他多姿多彩的视觉世界中，在一次真正的 “陶醉 ”之旅中追溯他的成长历程，策展人沃尔特-瓜达尼尼（Walter Guadagnini）将他的研究成果正确地定义为 “僻静但在世纪之交的意大利艺术中却具有最重要的意义”。
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