Achille Funi. Maestro del siglo XX entre la historia y el mito


Achille Funi fue un pilar de la expresión artística italiana del siglo XX y su ciudad prepara con acierto una solemne exposición en el Palazzo dei Diamanti en octubre. Un perfil del gran artista.

Achille Funi fue uno de los pilares de la expresión artística italiana del siglo XX y su ciudad prepara una solemne exposición en el Palazzo dei Diamanti en octubre. El pintor nació en Ferrara en 1890 y murió en Appiano Gentile (Como) en 1972. Su vida creativa ocupó, pues, todo el arco más azaroso de la cultura y el arte italianos del “siglo corto”, y hay que reconocer que -dentro de todas las aventuras, reveses, influencias éticas, literarias y políticas- siempre le guió la íntima vocación de cantar la continuidad de la efusión figurativa del alma italiana. La referencia al pilar no es una simple metáfora de utilidad, sino que pretende indicar un papel estructural, como ocurre en la arquitectura, donde tal miembro portante varía en los distintos contextos estilísticos, pero conserva la necesaria tarea de la fuerza que permite reinar al edificio. En esto, la fuente incesante de la obra de Funi era enérgica, coherente, fluidificada por la sangre latina y movida por el aliento mediterráneo.

Antes y después de la Gran Guerra -más allá de las estériles “vanguardias” francesas- el inquieto frenesí del futurismo (no sin verdaderos acentos utópicos), la oscilante búsqueda del realismo mágico, el último puntillismo y el nuevo simbolismo trans-real le pasaron de largo: de todas estas olas bañistas evitó el enredo, recibiendo más bien sus secretos núcleos. La exposición, comisariada por Nicoletta Colombo, Serena Redaelli y Chiara Vorrasi, mostrará claramente la personalidad incondicional de Achille Funi a lo largo de las décadas en las que Italia quiso dotarse de un carácter diferenciado entre los pueblos europeos, y dará testimonio del papel central desempeñado por el artista de Ferrara. Algunos han dicho que de su juventud estetiana siempre trajo consigo el alegre estrabismo de Schifanoia, su visión amplia y luminosa, su optimismo interior y su brillante gama de colores; a nosotros nos parece que también trajo consigo la calma satisfecha de ese personaje de abril, que se sienta con los brazos cruzados, tranquilo en su pensamiento interior, contemplando la alegría de la tierra ducal. Ciertamente, la profecía de Margherita Sarfatti sobre la extensión del campo del impulso creativo de Funi se vio confirmada por su vocación por los frescos sobre grandes superficies, y luego por su nombramiento como profesor para esta aplicación, ahora rara y difícil, en la Academia de Brera: cátedra que ocupó hasta después de la Segunda Guerra Mundial.



El catálogo de la exposición, que promete ser de gran importancia, iluminará los múltiples contextos que acompañaron y reflejaron la fuerte personalidad de Funi. Funi estaba rodeado de conocidos actores de la pintura italiana e internacional con los que se medía sin sumisión. Ciertamente tenía una atención destilada por Cézanne y Picasso y un diálogo riguroso de canto firme con el miticismo imaginativo de De Chirico y Savinio (en cierto modo también ellos de Ferrara) y con la pintura libélica de De Pisis (éste de Ferrara y poeta), siempre necesaria para quien luego tendría que enfrentarse a hazañas caballerescas de ensueño en los metros de Boiardo.

Aquí, la exposición traerá al Palazzo dei Diamanti muchas de sus numerosas obras transportables, pero además de las obras maestras que han marcado las diversas décadas activas del artista -recogidas en sedes europeas- invitará también a observar y disfrutar del “Mito de Ferrara”, es decir, el admirable ciclo de frescos de la Sala dell’Arengo del Ayuntamiento de Ferrara, incluido en sus asombrosos cartones. En este avance nos abstenemos de hacer un recorrido por el vasto espejo crítico que la prensa y la industria editorial les harán, pero sí queremos advertir a los lectores de la fascinación plenificante que les ofrecerá la personalidad de Virgilio Socrates Achille Funi, y que les ofrecerá, como siempre, la bella Ferrara, con su perenne condición de Ciudad de las Maravillas.

Ofrecemos aquí una breve selección de las obras del pintor.

Autorretrato (1908; acuarela y lápiz sobre papel; Colección particular)

Autorretrato (1908; acuarela y lápiz sobre papel; Colección particular) Ejecutado poco después de su llegada a Milán, constituye prácticamente una base programática. El rostro franco del artista de 18 años se yuxtapone a su propia imagen, reproducida en un mármol antiguo. Esta especie de reflejo volitivo marca una vocación que siempre será una guía.
Maternidad (1920-1921; óleo sobre lienzo; Colección particular)

Maternidad (1920-1921; óleo sobre lienzo; Colección particular) Bellamente estructurada, esta maternidad, que tiene toda la fuerza de la tradición de Ferrara, llega tras sus estudios académicos, tras los choques recibidos de las vanguardias y tras la Primera Guerra Mundial, que obligó al arte europeo a un “regreso” constructivo. Funi, que participó en la creación del grupo “Novecento”, se encontró en un terreno agradable y fértil. El cuadro declara claramente la plena posesión de la forma por parte del pintor.
Tierra (óleo sobre lienzo; Colección Gaspare Tosi)

La terra (óleo sobre lienzo; Colección Gaspare Tosi) Nitida offerta, quasi un invito alla partecipazione celebrativa dei frutti dei campi. El nuevo Aquiles siente en sí mismo las raíces de la vasta llanura sobre el río y funde intensamente la realidad visual con todo el palpitar del espíritu que trasciende la inmediatez de los sentidos para adentrarse en el misterio de la vida.
Autorretrato con jarra azul (1920; óleo sobre lienzo; Génova, Palacio Ducal)

Autorretrato con jarra azul (1920; óleo sobre lienzo; Génova, Palazzo Ducale) Casi una proclamación sobre sí mismo: la asunción de un nombre campestre y una madurez decisiva. Estamos en el año de la “vuelta al orden” y Funi se presenta perentoriamente en el candelero del arte.
Paisaje (1930; óleo sobre lienzo; Ferrara, Museo de Arte Moderno)

Paisaje (1930; óleo sobre lienzo; Ferrara, Museo de Arte Moderno) Ojo de pintor total, Funi no descuidó ninguna emoción receptiva. Aquí, con un puro juego de colores, crea la profundidad del paisaje, las referencias armónicas y la propia atmósfera.
Roman Veduta (c. 1930; Ferrara, Museo de Arte Moderno)

Veduta romana (c. 1930; Ferrara, Museo de Arte Moderno) Mientras las dos décadas de entreguerras acentuaban un nacionalismo vacío, Achille Funi parece haberse replegado en silenciosas y evocadoras contemplaciones arqueológicas, apenas perturbadas por elementos intrusos. No se oye en su pintura la diana sonora, los clamores y los cantos de batalla; si acaso, el recuerdo de una historia lejana, solemne, algo dispersa.
Publio Horacio, tras su victoria en el famoso duelo, mata a su hermana Camila, casada con un Curiazio. (1930-1932; óleo sobre lienzo; Museen zu Berlin)

Publio Horacio, tras su victoria en el famoso duelo, mata a su hermana Camila, novia de un Curiacio (1930-1932; óleo sobre lienzo; Museen zu Berlin) Casi la cúspide de una labor historiográfica dirigida a la forma extrema del orgullo romano, aquí la versión pictórica estigmatiza el acto sacrificial en pocos, muy pocos elementos. Una verdadera competición con la escultura que se recuerda evidentemente en la figura de Venus suprema en el centro de la escena. Se trata de una pintura que supera todas las dudas formales.
Venus latina (1930; óleo sobre lienzo; colección particular)

Venus latina (1930; óleo sobre lienzo; Colección particular) Venus, como diosa de la contemplación suprema, iba a ser amada y pintada muchas veces, sobre todo tras sus viajes a Roma y Pompeya.
Diana (1930; óleo sobre lienzo; colección particular)

Diana (1930; óleo sobre lienzo; Colección particular) Un cuadro que figura entre los numerosos desnudos femeninos que se hicieron más densos a finales de los años veinte, pero que aquí, en su evocación mítica, alcanza una ligereza extraordinaria y poética. No se puede olvidar un paralelismo con la ligereza tan cercana a los cuadros de De Pisis, también de Ferrara.
La caída de Faetón, del ciclo mural de Arengo en Ferrara (1934 - 1938)

La caída de Faetón, del ciclo mural en el Arengo de Ferrara (1934 - 1938) La celebración de los acontecimientos míticos y simbólicos de la ciudad se llevó a cabo junto con su discípula Felicita Frai, implicando cultura, literatura y creatividad durante cuatro años. El ciclo colmó la intensa inclinación del artista hacia los frescos en grandes espacios, como ocurrió también en otros diversos recintos civiles y religiosos.
San Jorge
San Jorge
Los cruzados en Jerusalén, del ciclo de murales de Arengo en Ferrara (1934 - 1938)

Los cruzados en Jerusalén, del ciclo mural del Arengo de Ferrara (1934 - 1938) Dos hermosas piezas del ciclo del Mito de Ferrara, pintadas en el vestíbulo del Palacio Municipal. Aquí, el santo libertador de las aguas mefíticas, personificado por el dragón, afirma la victoria de los ciudadanos sobre las dificultades del entorno y lo convierte en el protector por excelencia. La escena de los cruzados en el rescate del Santo Sepulcro de Jerusalén está vinculada al tema cristiano de la fe y canta las páginas sublimes del poema de Torquato Tasso.
Medoro y Angélica, del ciclo mural de Arengo en Ferrara (1934 - 1938)

Medoro e Angelica, del ciclo mural del Arengo de Ferrara (1934 - 1938) El detalle muestra un famoso pasaje de Orlando Furioso, cuando la princesa oriental, enamorada del apuesto bribón sarraceno “se di disio non vuol morir rompe ogni freno” (si no quiere morir, rompe todas las ataduras) y los dos se besan apasionadamente. La epopeya de Ariosto se recoge también en la larga trama al fresco de Achille Funi.
Dibujo astrológico.

Dibujo astrológico Y aquí está la mano diestra del maestro que se ejerce, punzante y complaciente, sobre las figuras del ciclo simbólico-astrológico, como veremos más ampliamente en la exposición.

Notas biográficas

Virgilio Socrates Funi nació en Ferrara en 1890, de padre ya bondeno y madre trabajadora que juntos regentaban una panadería. De los 12 a los 15 años asistió a la Escuela de Arte “Dosso Dossi”, y después la familia se trasladó a Milán. De 1906 a 1910 asistió a cursos de pintura en la Academia de Bellas Artes de Brera con el impecable maestro Cesare Tallone. Estudió anatomía y se interesó por la escultura antigua. Entre 1914 y 1916, se acercó a los futuristas y gozó de la estima de Boccioni; incluso después de la guerra, sin abandonar la vena clásica se midió con los tiempos. En este tránsito, dejó sus dos nombres de pila - Virgilio Sócrates, o “poesía y sabiduría”, expresión conmovedora de la orientación de su padre - para elegir el nombre de “Aquiles”, como signo de fuerza. (Curiosamente, observamos el periodo en que un tal Giuseppe De Chirico quería llamarse Giorgio, su hermano Savinio, y un tal Tibertelli firmaba sistemáticamente como De Pisis). De Chirico se mantuvo fiel a su vocación deamor corporis adhiriéndose al grupo “Novecento” de Margherita Sarfatti entre 1922 y 1924 y desarrollando una búsqueda de nueva nobleza. Así cubriría los veinte años entre las dos guerras, casi con aristocracia desprendida, no lejos de Casorati, y afrontando las ocasiones de una aspiración oculta, la del fresco sobre vastas dimensiones: de la Iglesia de Cristo Rey en Roma, al Palacio Municipal de Ferrara, al Palacio de Justicia de Milán. Ni siquiera le faltó un gran mosaico en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Reconocido como Maestro desde 1939, enseñó pintura al fresco en Brera; a partir de 1945, después de la guerra, enseñó y dirigió la Accademia Carrara de Bérgamo, volviendo más tarde a la cátedra de pintura al fresco y a la dirección de Brera. Vivió entonces varios años de actividad, reclamado en diversas ciudades y honrado por la crítica más atenta. Falleció en Appiano Gentile en 1972.

Se agradece a Serenella Redaelli, Anja Rossi, Simone Raddi; al Ayuntamiento de Ferrara y al fotógrafo Gianni Porcellini.


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