Correggio sintió y conoció cada sentimiento y cada expresión humana, desde la alegre infancia hasta los amores físicos y familiares, pasando por la inmensa intensidad cultural de su época y, por último, los impulsos místicos y milagrosos de la historia sagrada, que realmente compartía. Este es el tema que ahora profundiza la gran exposición de Dresde dedicada a él. Artículo de Giuseppe Adani.
El título de la gran exposición dedicada a Allegri en Dresde resulta sorprendente; sin duda, se aleja de cualquier otra denominación habitual de un evento artístico, en particular de arte histórico. No cabe duda de que a lo largo de las distintas generaciones han existido pintores intimistas o provocadores, cuya materialidad pretendía abarcar reflexiones, llamamientos o mensajes morales, pero esta indicación de profundidad sobre el amplio espectro de los sentimientos humanos que ahora se aplica a Correggio resulta totalmente novedosa, y, sin embargo, sumamente justificada y viva. Las razones residen en la extraordinaria y acertadísima investigación del profesor Andreas Plackinger, quien ha comprendido el corazón y la sabiduría del artista, y que ahora nos ofrece esta demostración: Correggio «berührend menschlich»: humano de una manera conmovedora.
En primer lugar, el título parecería inaplicable si se lee a la ligera, al referirse a las obras maestras de la exposición, que son los cuatro maravillosos retablos de la Gemäldegalerie, y a muchas otras obras que muestran claramente su carácter sagrado. Nos sentimos conmovidos por este llamamiento tan inesperado, que despierta nuestra curiosidad en el sentido antiguo del término, ya que nos impulsa a buscar su razón de ser, es decir, esos rasgos que sin duda han detectado los comisarios de la exposición. Así, de este ilustre maestro del Renacimiento italiano destaca sobre todo su continua complejidad humana: Antonio Allegri vivió una plenitud existencial que le colmó de todas las experiencias y todos los conocimientos con una continuidad y una amplitud verdaderamente excepcionales.
Su tierra natal, tranquila en el gran valle del Pádano y ajena a las grandes escuelas, le permitió proyectar de todas las formas y en todo momento esa atención a lo visible y lo tangible que se le ofrecía en cada cosa: todos los tipos humanos con sus cuerpos, empezando por la infancia; todos los oficios del campo y de los talleres; el amplio universo vegetal y animal que siempre captó y hizo suyo, y también todos y cada uno de los cambios de la naturaleza y de las luces. Pero, junto a todo esto, Correggio sintió y conoció cada sentimiento y cada expresión humana: desde la alegre infancia, pasando por los amores físicos y familiares, hasta la amplísima intensidad cultural de su época, y, por último, los impulsos místicos y milagrosos de la historia sagrada, que realmente compartía.
El joven Correggio
Como primeras obras del joven Correggio, seleccionamos algunas composiciones que ya desde el principio resultan reveladoras.
«La Virgen de los limones», primer fresco de su juventud (h. 1506; Módena, Galería Estense). En la precoz «Virgen de los limones», pintada probablemente en la Porta Santa Maria de Correggio, observamos cómo la invocación a los patronos de la ciudad tiene lugar en una reunión campestre de lo más libre junto a las murallas, donde ángeles y santos acompañan con una espontaneidad muy familiar la acogida de la Virgen con Jesús, y donde —tras la extendida y auspiciosa hilera de limones— a la espontánea conversación entre San Francisco y San Quirino se contrapone la, increíble, de los dos conejos. He aquí ya a un pintor muy fresco y libre de los esquemas de la escuela.La cúpula de la Capilla de Mantegna (1507). Fresco en Sant’Andrea de Mantua. En la capilla de Mantegna (1507), fallecido el año anterior, Correggio sitúa el paso al cielo sobre nervaduras entrelazadas que sostienen también limones (frutos con un significado imperioso de sabiduría, vida y fuerza), con el cuidado preciso de añadir claveles y lirios, que son a su vez emblemas de la inteligencia y la gracia. Siempre es necesario prestar toda nuestra atención para comprender una obra de Correggio y hay que saber que en este artista nada —pero nada— se hace jamás «al azar».El «Matrimonio místico de Santa Catalina» (1510) de la Galería Nacional de Washington. El «Matrimonio místico de Santa Catalina», tan admirado por David Alan Brown, nos remite intensamente a la reflexión del joven Correggio sobre los tipos humanos, las expresiones faciales, los detalles compositivos que se derivan de la gestualidad directa de las personas y, por tanto, sobre los juegos figurativos que son fluidos, auténticos y no formales.Judit y su doncella con la cabeza de Holofernes (1510-1511), una extraordinaria incursión pictórica en la noche. Estrasburgo, Musée des Beaux-Arts. La sorprendente tabla con «Judit y su doncella» es un testimonio muy temprano de la atención prestada a la gama luminosa de cada momento vivido, que puede tener fuentes muy diversas, pero que también puede sumirse en la oscuridad nocturna total, como era habitual en la época de Correggio. He aquí, pues, una fuente interna que nuestro pintor domina con genio y un resultado auténtico. Una obra totalmente humana, muy poco común en la pintura italiana de principios del siglo XVI.La «Virgen de Viena» (1513), conservada en el Kunsthistorisches Museum. En la «Virgen de Viena», el simbolismo es omnipresente y protagonista: para descifrarlo se requiere una mente preparada y perseverante. Hay que tener en cuenta que toda la obra pictórica de Allegri tiene fuentes y expresiones simbólicas de gran profundidad. En esta pequeña obra, toda la atención se centra en la expresión facial de María (un perfil casi nunca presente en las obras de Correggio) y en la difícil pero espontánea actitud del Niño Jesús; pero también en todo el desarrollo del paisaje, sumamente minucioso y, al mismo tiempo, cargado de significados.
La primera madurez. 1515 - 1522
Esa plenitud que debemos llamar humana, Antonio Allegri la vive y la pinta a partir de 1515, cuando realiza la Virgen de San Francisco y la convierte en un amplio símbolo de su canto pictórico, casi un poema que le acompañará a través de temas cada vez más ricos y más queridos. Tras otras obras de gran interés, pintó al fresco toda la Sala de San Pablo en el monasterio benedictino femenino del mismo nombre, en Parma.
En pleno apogeo de su intensa y ricísima carrera artística, Correggio recoge el tema alegórico y el del encuentro hipostático entre la divinidad y la humanidad, en los que esta última actúa como protagonista dichosa de un designio divino. En ese empeño, que supera las fuerzas intelectuales, cognitivas y de ejecución material habituales, nuestro artista va más allá de cualquier creación pictórica anterior y se puede decir que participa plenamente —de forma emotiva y activa— en los actos que representa en sus figuras.
La Virgen de San Francisco (óleo sobre tabla, 299 x 245 cm), que en su día se encontraba en la iglesia titular de Correggio. Dresde, Gemäldegalerie. El trazo espacial parte de la tierra de Israel, bañada por las aguas del Jordán, ascendiendo hacia el paisaje «actual» de la llanura y las colinas del Pádano, y se sumerge en ese cielo que se ha abierto, salpicado de querubines, desde donde descienden María y el Niño. Todo es inmediato, participativo, y cada figura es comunicativa, tanto dentro como fuera del espacio del cuadro. Las gigantescas columnas conservan su encanto en el honor que rinden, y flanquean con solemnidad el escenario bíblico sobre el que se alzan las figuras sagradas. Los cielos descienden a la profundidad humana.El héroe coronado de roble, detalle de un fresco (1518) de la Cámara de San Pablo en Parma. En este magnífico proyecto, de carácter monumental, Correggio concentra una «energheia» explícitamente heroica, que es la fuerza humana a la que se le encomendó la tarea divina de gobernar la tierra, con la dedicación volitiva y decidida de su papel consciente.La Diana conductora (1518). Fresco sobre la chimenea de la Cámara de San Pablo. Esta figura es una síntesis, curiosamente espléndida, de los valores humanos que deben acompañar cada acto de la vida orientada hacia la eternidad. Y es nuestro Antonio, que cuenta con una formación marcadamente benedictina, quien crea mediante la imagen una sabiduría antigua, incluso mitológica, en la persona de una diosa, y la convierte en emblema de una elección que será irreversible en su orientación hacia el cielo.El Retrato de Verónica Gàmbara, condesa de Correggio (1521-1522). San Petersburgo, Museo del Hermitage. Allegri concentra en esta figura la sabiduría, la poesía, la capacidad de gobierno, la dulzura de carácter y esa entrega al destino que es también una cualidad espiritual que reside en lo más profundo del alma.La Alegoría de la Sabiduría o de la Virtud, témpera al óleo sobre lienzo (1522). París, Museo del Louvre. El cuadro (al que se empareja el «del Vicio») supuso para Correggio una reflexión arraigada y profunda que encaja perfectamente con el tema de la exposición. En la parte inferior se articulan los símbolos de las virtudes cardinales, otorgadas por el cielo para guiar la vida humana. Aquí, sin duda, la dama vestida de claro que se sienta abajo a la izquierda las domina a todas mediante la exhibición de sus respectivos símbolos: la serpiente = la prudencia, la espada = la justicia, el mordisco = la templanza, la piel de león = la fortaleza. A nuestra derecha se encuentra, en cambio, la estudiosa de la geografía y del cosmos. La Sabiduría reina dominando toda desviación pecaminosa con los signos de la victoria: la lanza rota y el yelmo derrocado. Ella es el punto de encuentro entre lo humano y lo divino: sobre ella se deposita, de hecho, una corona y en su boca se cruzan exactamente las dos grandes diagonales del cuadro. Por encima, con una maravillosa inventiva pictórica, planean las Tres Virtudes Teologales: la Fe en blanco, la Esperanza en verde y la Caridad triunfante en rojo.
Las cúpulas y los grandes lienzos religiosos o profanos
Presentamos aquí, a modo de ejemplo, dos imágenes relacionadas con las dos cúpulas con frescos más famosas de todo el Renacimiento. Se trata de dos «hapax» incomparables cuya interpretación solo es posible mediante visitas de plena inmersión y mediante otros tantos estudios específicos muy detallados. Con motivo de la exposición de Dresde se ha anunciado una especie de reconstrucción de los frescos de Correggio para los peinetas y la cúpula de la catedral de Parma
Agradezco al profesor Andreas Plackinger su correspondencia artística y sus elogios; sobre todo, por habernos brindado esta exposición que realmente revela el gran espíritu de Correggio. También agradezco sinceramente al doctor Paulin Schwarze.
Basílica de San Juan Evangelista en Parma. Fresco en el interior de la cúpula, 1520. En él se admira el descenso desde el «cielo de los cielos» de Jesús en persona, entre los apóstoles, para llamar a su lado a San Juan moribundo. En esta creación sagrada y embriagadora sentimos la dulzura verdaderamente paradisíaca de Dios, traducida de forma maravillosa en plena verdad visible por el alma profundamente humana y conmovedora de Correggio.Iglesia Catedral, es decir, el Duomo de Parma. Un fresco de enormes dimensiones que abarca desde los penachos hasta el tambor, y toda la magnífica superficie de la cúpula. 1530-1533. Aquí ofrecemos únicamente una visión general de la obra que marca la cúspide artística y el reflejo de todo pensamiento, tanto humano como trascendente, de Correggio. «La cúpula más bella que se ha pintado jamás y que jamás se pintará» (Anton Raphael Mengs).La Adoración de los pastores, conocida como «La Noche», óleo sobre tabla (1522-1530). Dresde, Gemäldegalerie. Un cuadro muy querido por Correggio y ejecutado con todo su corazón. Aquí, la profundidad humana es un abrazo completo. Jesús nace de forma virginal y derrama esa luz que será espiritual para siempre, pero que Antonio, pintor de genio inmediato, hace resplandecer auténticamente sobre los cuerpos y los rostros de sus humildes y primeros visitantes, mientras los espíritus celestiales revolotean en el cielo. Es uno de los cuadros más famosos del mundo, y sobre él podemos decir que el autor es verdaderamente profundo, aunque de forma mística, humano.La Virgen de San Sebastián, óleo sobre tabla abovedada (1524-1525). Dresde, Gemäldegalerie. Reunidos entre la pradera y las nubes, en la parte inferior se encuentran los tres santos protagonistas: San Sebastián y San Roque, a ambos lados, afirman que se ha producido una grave pestilencia en Módena, mientras que el obispo San Geminiano, protector de la ciudad, da testimonio de la gracia obtenida con el fin de dicho contagio. Una composición tumultuosa, muy animada, encajada entre la tierra y el cielo gracias a la mediación de dos angelitos que son auténticos niños regordetes y que Correggio elige para invitar a la visión maravillosa y luminosísima de la Virgen, que desciende a observar llevando al Niño Jesús, el verdadero dispensador de la gracia. El arco paradisíaco palpita con cabecitas angelicales, como en la reciente cúpula de San Juan, pero las invitaciones a la correspondencia entre la tierra y el cielo provienen de las maravillosas ángeles a los lados de María. Y allá abajo, en el fondo, una presencia humana inocente da las gracias ofreciendo el símbolo de la ciudad: es la famosa «Modanina» de Correggio, que el pintor crea como signo de su propio corazón y del de todo un pueblo.La Virgen de San Jorge, óleo sobre tabla (1528-1532). Virgen con el Niño y los santos Juan Bautista, Geminiano, Jorge y Domingo. Dresde, Gemäldegalerie. Se trata de un retablo de enormes dimensiones, concebido para la dichosa oración de toda la ciudad de Módena. Aquí, Correggio, que ya volaba por los espacios celestiales e inefables bajo la cúpula de la catedral de Parma, quiso dejar verdaderamente un himno de alegría plena. El fondo es el de un oratorio abierto hacia las colinas; la composición es simétrica y escalonada, y también aquí el espacio que recorren los santos y los querubines se prolonga idealmente hacia nosotros, al igual que nos llega la mirada de San Juan y San Jorge. La fiesta queda reflejada en las flores y en los ángeles que sostienen los elementos decorativos, pero sobre todo en la plena serenidad de la conversación sagrada que se está desarrollando, y en el increíble juego de los querubines que juegan con las armas y se esconden entre las piernas de los santos principales. Aquí se encuentra todo el espíritu de Correggio.Júpiter y la ninfa Io, óleo sobre lienzo (1530-1532). Viena, Kunsthistorisches Museum. Este amor total, esperado, deseado y ahora, por fin, poseído por la ninfa del río, es plasmado por Correggio en una visión, pictóricamente prodigiosa, que resulta mucho más íntima que tangible. Es un amor que culmina en la plenitud del éxtasis del cuerpo y del alma, en el que el propio pintor parece participar con su corazón.
El autor de este artículo: Giuseppe Adani
Membro dell’Accademia Clementina, monografista del Correggio.
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