Un rayon de lumière très chaude, d’un jaune doré comme le soleil filtrant à travers le brouillard de la lagune vénitienne, enveloppe la silhouette solitaire d’un pèlerin qui s’est arrêté au sommet d’un éperon rocheux : il a de longs cheveux ondulés qui lui tombent sur les épaules, le regard fixé vers le haut dans une extase contemplative imprégnée de recueillement mystique, tandis que, d’un geste mesuré, il écarte le pan de sa robe pour montrer la plaie de la peste gravée sur sa cuisse. À ses côtés, accroupi parmi les rochers, un chien au regard attentif veille sur sa solitude, symbole de cette fidélité providentielle qui a nourri et secouru le saint pendant les jours les plus sombres de la maladie et de l’exil. C’est une image d’une intense charge spirituelle et d’une extraordinaire maîtrise picturale, contenue dans les dimensions réduites d’une petite toile de seulement 44,5 sur 32,5 centimètres. Il s’agit d’un tableau inédit représentant saint Roch avec son chien, attribuable à Giambattista Tiepolo (Venise, 1696 – Madrid, 1770). L’œuvre, une huile sur toile de base, a été présentée par la galerie Santa Tecla srl lors de la XXXIVe édition de la Biennale internationale des antiquaires de Florence, où elle est mise en vente (prix demandé : 195 000 euros) et où elle peut être admirée jusqu’au 4 octobre, et constitue une acquisition d’une importance considérable pour les études consacrées au maître vénitien ; elle rouvre le chapitre fascinant lié à ses célèbres « variations sur le thème » dédiées au saint thaumaturge.
La redécouverte de ce tableau ramène l’attention critique sur un phénomène de collection et de dévotion tout à fait particulier dans la Venise du début du XVIIIe siècle: c’est l’historien de l’art Antonio Morassi qui, en 1950, a identifié pour la première fois l’existence d’un ensemble de petites toiles de format similaire réalisées par Giambattista Tiepolo sur une période d’environ une décennie. Au départ, le célèbre spécialiste avait recensé treize exemplaires conservés dans différentes collections privées, les qualifiant de « variations sur un thème, riches en fantaisie et en surprises », capables de démontrer « comment un grand artiste peut créer et recréer le même sujet sans jamais se répéter ».
Les recherches ultérieures ont confirmé et élargi l’intuition de Morassi. En 1962, poursuivant ses investigations, le chercheur a porté à dix-huit le nombre de toiles autographes identifiées, auxquelles Aldo Rizzi a ajouté un autre exemplaire la même année. D’autres ajouts ont été apportés en 1993 avec la monographie sur le peintre éditée par Massimo Gemin et Filippo Pedrocco, qui ont publié deux autres œuvres inédites. La récente mise au jour de cette nouvelle version élargit encore davantage la compréhension de l’exploration de ce thème par Tiepolo, soulignant la capacité de l’artiste à produire de multiples interprétations d’un même sujet tout en conservant une fraîcheur d’invention constante.
Mais quelle est la raison qui pousse le peintre à réaliser un nombre aussi important de petites œuvres liées au saint guérisseur ? Comme l’ont mis en évidence les études de Morassi, l’explication réside dans l’intense dévotion populaire et dans l’influence de la puissante confrérie vénitienne dédiée à saint Roch, dont Tiepolo lui-même était peut-être membre. La demande de ces tableaux de salon a probablement trouvé son origine dans le grand succès remporté par l’exposition d’une œuvre de jeunesse de l’artiste, *La Noyade du Pharaon*, présentée en 1716 à l’occasion de la fête du saint patron et accueillie avec un enthousiasme unanime par les intendant de l’époque. À la suite de ce succès, les riches membres de la Scuola Grande de Saint-Roch demandèrent à Giambattista de réaliser des images de dévotion dédiées à leur saint protecteur.
Dans la Venise du début du XVIIIe siècle, la production de ces « images pieuses » d’auteur, pour ainsi dire, ne répondait pas seulement à des motivations religieuses, mais reflétait également un statut social. Pour confirmer ce phénomène, des œuvres sur un thème similaire figurent de manière symétrique dans les catalogues d’autres célèbres peintres vénitiens contemporains de Tiepolo, en premier lieu Giambattista Pittoni et Sebastiano Ricci. Eux aussi se sont vu commander des toiles destinées à la dévotion privée, œuvres qui soulignent ainsi le rôle central de l’art pictural dans la vie spirituelle et sociale de la Sérénissime.
La version de Santa Tecla srl montre un saint pèlerin représenté avec de longs cheveux flottants, un saint qui incarne une figure à la fois sereine et résolument fière. Il porte une robe d’un bleu vif et profond, symbole d’humilité mais aussi cadre chromatique conçu pour mettre en valeur la sainteté attestée par la plaie visible sur sa cuisse. Un manteau blanc, emblème de la pureté divine, repose sur ses épaules, tandis que le personnage se dresse sur un éperon rocheux qui évoque l’isolement spirituel et la dureté de l’épreuve à laquelle le saint s’est soumis au cours de son pèlerinage incessant.
La pose, marquée par une légère tension dynamique, suggère un mouvement d’ascension vers Dieu qui transfigure la souffrance du chemin. Le visage absorbé et contemplatif révèle un profond mysticisme, accentué par la lumière divine mystique aux teintes jaune doré qui enveloppe la scène comme la brume sur la lagune vénitienne. Élément incontournable de la composition, le chien est le symbole de la sollicitude, de la fidélité et de l’aide divine dont le saint a bénéficié pendant sa période d’exil et de maladie. Sa présence aux côtés du pèlerin équilibre non seulement la composition figurative, mais confère également de l’épaisseur et de la profondeur au récit visuel. À l’arrière-plan, le paysage se présente comme essentiel et à peine esquissé, tout en conservant une tonalité théâtralement dramatique.
Un parallèle stylistique immédiat s’établit avec le Saint Roch conservé au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, en France, dont cette petite toile semble presque être une image en miroir. Les deux tableaux partagent la même physionomie du personnage principal, la même palette et un usage mesuré du clair-obscur, où les contrastes dramatiques entre lumière et ombre intensifient la charge émotionnelle de la représentation. Le souci du détail apporté aux vêtements et au rocher confère un fort sentiment de réalisme, tandis que les tons chauds et terreux dominants sont habilement rehaussés par le bleu éclatant de la tunique.
Quant à la datation de cette série, l’historiographie critique a avancé différentes hypothèses. Antonio Morassi avait situé la réalisation des différents exemplaires entre 1730 et 1735. Rodolfo Pallucchini a quant à lui proposé une chronologie plus précise, limitant la réalisation de la série à la période 1732-1733. Récemment, le chercheur Keith Christiansen a confirmé cette approche, situant la petite toile en question au tout début des années 1730.
Le parcours de cette œuvre dans les collections atteste de sa valeur historique et artistique : avant d’arriver entre les mains de son propriétaire actuel, à Londres, la toile a fait partie de la prestigieuse collection Brauer, puis a été vendue aux enchères chez Clarke à New York. Un parcours de collection remarquable pour une toile précieuse redécouverte, qui apporte un élément fondamental à la maîtrise créative inépuisable de Giambattista Tiepolo.
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| Un Giambattista Tiepolo redécouvert : un « Saint Roch » inédit présenté à la BIAF |
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