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Federico Giannini 
@federicogiannini1
04/11/2026
Catégories: Interviews / Avis de non-responsabilité
Que pense l’un des plus grands peintres italiens contemporains des salons d’art et du marché de la collection ? Nous en discutons avec Daniele Galliano, qui, dans cet entretien avec Federico Giannini, nous explique pourquoi acheter de l’art n’est pas un privilège réservé à quelques-uns (et il en va de même pour la compréhension de l’art) et pourquoi, avant tout, il faut apprendre à regarder et à choisir ce qui nous plaît.
Que pense l’un des plus grands peintres italiens contemporains des salons d’art et du marché de la collection ? Nous en discutons avec Daniele Galliano (Pinerolo, 1961), l’une des figures les plus intéressantes de la peinture italienne contemporaine. Actif sur la scène artistique turinoise depuis le début des années 90, il a développé au fil de sa carrière un langage pictural personnel, capable de traverser différents imaginaires et sensibilités, en dialogue constant avec le cinéma, la littérature, la bande dessinée et la musique. De ses premières expositions internationales, notamment à la Galerie nationale de Rome et à la galerie Annina Nosei de New York en 1996, à sa participation à la Biennale de Venise, son parcours s’est articulé entre de grandes institutions et des collaborations avec des figures de proue de la culture visuelle et musicale. Dans cet entretien avec Federico Giannini, partant d’une réflexion sur Artissima et sur les transformations du marché de l’art, Galliano aborde certaines des questions centrales du débat artistique contemporain. De la difficulté à reconnaître le talent d’un jeune artiste au rôle de la qualité picturale, de la marginalisation progressive de la peinture au sein du système institutionnel à la fonction culturelle des salons et des galeries, son regard s’attarde sur les contradictions d’un monde dans lequel les dynamiques économiques et les mécanismes de légitimation risquent parfois de l’emporter sur la valeur des œuvres. Mais le propos s’étend également à la relation entre l’art et le public, à la nécessité de rendre l’expérience esthétique accessible et à la vitalité particulière de la scène artistique turinoise. Il en ressort une conception de l’art aussi éloignée de la spéculation que de l’autoréférentialité : une expérience à cultiver à travers la fréquentation des expositions, l’éducation du regard et le plaisir de la découverte. Car, comme le rappelle Galliano, une œuvre n’est pas seulement un objet à posséder ou un investissement, mais quelque chose capable de s’insérer dans la vie quotidienne, de l’accompagner et même de la changer.
FG. Comment as-tu trouvé Artissima cette année ?
DG. Je ne sais pas, je ne suis pas de ces artistes qui suivent tout de manière méthodique, car cela ne fait que m’embrouiller les idées. Sans compter, d’ailleurs, qu’on s’arrête toutes les minutes pour saluer quelqu’un, ce qui fait qu’on ne voit pas grand-chose. En tout cas, d’habitude, je flâne en attendant qu’une belle œuvre m’interpelle.
Et qu’est-ce qui t’a interpellé lors de cette édition ? As-tu trouvé quelque chose d’intéressant ?
Eh bien, cette année, j’y suis allé pour une interview, puis pour la remise du Prix Luca Beatrice, et je n’ai pas eu l’occasion de faire des visites approfondies. Qu’est-ce que j’ai vu ? J’ai vu un De Chirico, des Parmiggiani, des Paladino. Il y avait sans doute aussi beaucoup de nouvelles peintures, mais je ne saurais le dire avec certitude. Je ne suis pas la personne la mieux placée pour répondre à ces questions, car je suis tellement distrait (et je pense que c’est aussi l’un de mes atouts) que je n’arrive pas à observer les choses de manière méthodique.
Mais le simple fait que tu me cites comme éléments les plus intéressants un De Chirico, un Paladino, un Parmiggiani me semble très révélateur de la qualité générale des nouvelles propositions, appelons-les ainsi.
Et pourtant, Artissima était aussi née comme un salon expérimental, dédié aux jeunes. Et quand l’économie allait mieux (pas tant que ça, mais tout de même un peu mieux qu’aujourd’hui), il y avait une véritable incitation à acheter : tout le monde rentrait chez soi avec quelque chose, et ceux qui n’avaient pas acheté là-bas achetaient ensuite à Paratissima ou ailleurs. Il y avait des œuvres qui ne coûtaient pas cher.
Et maintenant, alors ?
Aujourd’hui, la clé de la collection, c’est de savoir repérer un artiste qui a un potentiel, un avenir, une œuvre valable, novatrice. Ce n’est pas donné à tout le monde, mais ceux qui y parviennent achètent les œuvres pour une bouchée de pain, et en l’espace de quelques saisons, celles-ci peuvent parfois donner des résultats, des performances surprenantes.
Comment fais-tu pour savoir quand un tableau d’un peintre, que tu n’as peut-être jamais vu auparavant, mérite ton attention ?
Personnellement, j’ai eu des occasions incroyables que je n’ai pas su saisir. Je me souviens qu’il y a de nombreuses années, j’ai eu l’occasion d’acheter un tableau de Schifano alors qu’il ne coûtait encore pas cher… mais je n’arrêtais pas de remettre ça à plus tard, en me répétant « je le ferai plus tard », « je le ferai plus tard », puis finalement il est mort et aujourd’hui, il n’est plus facile de trouver ses tableaux importants à petit prix. Et à l’époque, j’aurais même pu faire un échange de marchandises… ! Quoi qu’il en soit, pour te dire, je suis devenu davantage collectionneur de photographie que de peinture, et en matière de photographie, je n’ai pas raté une seule occasion : j’ai par exemple acheté des œuvres de Shirin Neshat et de Wolfgang Tillmans alors qu’elles ne coûtaient encore pas cher. Puis j’ai acheté des œuvres de Manuel Ocampo (j’ai un de ses magnifiques tableaux), de Stanley Whitney, j’ai des photographies de Richard Billingham, de Zwelethu Mthethwa, j’ai beaucoup de photos de Schifano, celles qu’il avait ensuite abîmées (ce n’est pas comme avoir un beau tableau, mais bon… ). Bref, j’avais l’œil. Je choisissais surtout des œuvres qui me ressemblaient : je peignais à l’époque les mêmes choses que Tillmans photographiait, sans que nous nous soyons jamais rencontrés… des choses comme les coulisses de concerts, les boîtes de nuit. C’étaient des artistes avec lesquels j’avais des affinités, et qui se trouvaient parfois à ma portée, et avec lesquels je finissais par devenir ami.
Aujourd’hui, si tu allais à un salon, comment ferais-tu pour te rendre compte qu’un peintre, peut-être jeune, a du talent ?
Eh bien, ça se voit. Nous avons été témoins du cas de Nicola Samorì : il a connu le succès presque immédiatement. Au début, c’était un peintre comme tant d’autres, mais on voyait tout de suite qu’il s’agissait d’un phénomène surnaturel.
Et qu’est-ce qui, selon toi, fait d’un peintre un phénomène surnaturel ?
La qualité de la peinture.
C’est-à-dire ?
C’est difficile à dire. Le simple fait de parler d’une chose qu’il faut voir est en soi un peu contradictoire, non ? Mais je me rends compte que, parmi les collectionneurs que je connais, les plus attentifs, ceux qui repèrent tout de suite le tableau le plus génial par rapport à un autre, sont ceux qui se sont plus ou moins essayés à la peinture. Parce que si on n’a pas la moindre idée de ce que c’est… J’ai moi-même enseigné à l’Académie et j’essayais d’expliquer aux étudiants que seules des heures et des heures de travail et un dévouement total peuvent donner des résultats : c’est ainsi qu’on apprend à connaître les pinceaux et ce qu’on peut en tirer. On n’y parvient qu’après un travail considérable. Et c’est ce travail qui te permet ensuite de comprendre le travail qui se cache derrière un tableau, même celui réalisé en deux minutes. Comme l’a répondu Picasso : « Je ne l’ai pas fait en une minute, je l’ai fait en quarante ans et une minute ». Car on ne peut faire deux gestes picturaux que lorsqu’on a derrière soi des années et des années d’expérience picturale.
Que penses-tu de la situation de la peinture en Italie aujourd’hui ?
Tout d’abord, nous avons une Biennale où il n’y a pas un seul artiste italien, à l’exception du Pavillon italien, où l’on place encore un Italien, mais peut-être que cela changera là aussi. C’est une honte absolue… comme si nous n’avions pas de peintres, voire d’artistes, en Italie, alors que nous en avons en abondance. Ces dernières années, la peinture a prouvé qu’elle savait se défendre, en ce sens qu’elle a démontré qu’elle savait raconter la réalité (et faire bien d’autres choses encore) mieux que n’importe quel autre médium. Pense, même en regardant hors d’Italie, à la force de Neo Rauch, de Sasnal, de toute cette bande de peintres vraiment extraordinaires, alors que pour le reste, on continue à voir des répétitions des années 70 qui sont parfois même embarrassantes.
Tu veux bien citer quelques peintres italiens qui, selon toi, méritent d’être remarqués aujourd’hui ?
Je viens d’organiser ici une exposition de Giuseppe Mulas, un jeune peintre très doué. Ensuite, parmi les jeunes, je citerais Davide Serpetti, Silvia Negrini, Silvia Paci. Ce sont ceux qui me viennent spontanément à l’esprit.
Pour en revenir au salon : selon toi, est-ce utile pour le public ? Je veux dire ceux qui viennent, regardent et ne demandent même pas les prix… bref, le public qui va au salon juste pour… voir sans toucher ?
Tout à fait. Ça affine un peu ton regard sur la beauté, donc c’est bénéfique. Et puis il y a aussi un certain type d’art (qui ne me parle peut-être pas beaucoup), l’art conceptuel, un art qui, au lieu de te donner des réponses, te pose des questions, te fait réfléchir. Oui, c’est utile. À mon avis, c’est très bénéfique.
Donc, pour toi, le salon a encore une vocation culturelle, en plus de la vocation commerciale.
Au salon, pour le meilleur ou pour le pire, on voit les artistes en vogue mais aussi les classiques, un peu de tout : ça permet de prendre le pouls de la situation, de voir ce qui se passe. Art Basel en est un exemple parmi d’autres. Bien sûr, on peut ensuite se rendre à la Biennale, mais tous les phénomènes de la Biennale y sont représentés, et pas seulement cela, car on peut les comparer à Picasso, à Dubuffet, aux grands maîtres ; c’est donc très utile. D’autant plus que certaines choses imposées de force par les galeries du régime ne trouvent parfois aucun écho auprès du public… et à juste titre, car ce sont des trucs qui ne communiquent rien à personne. La peinture, en revanche, est un langage universel, comme la musique. Paradoxalement, on a érigé des barrières du genre « ça n’a plus de sens de peindre », des propos complètement absurdes qui indiquent probablement un changement de perspective : au lieu d’une perspective tendant vers l’absolu, vers le haut, on en a adopté une qui regarde le trou du cul. Et avec ça, on n’avance pas beaucoup.
C’est ainsi que s’impose l’idée que l’art contemporain est une chose que seuls quelques-uns peuvent comprendre, alors qu’en réalité, c’est exactement le contraire. N’est-ce pas ?
C’est exactement le contraire, oui ! Et paradoxalement, cela vaut aussi pour les choses les plus abstruses : je pense par exemple à certaines installations d’Anselmo qui sont pourtant très évocatrices, très puissantes. Un bon artiste reste toujours bon, quel que soit le langage utilisé.
Il y a aussi d’autres barrières. Par exemple, beaucoup pensent que l’art est un luxe réservé à quelques privilégiés, mais en réalité, aujourd’hui, beaucoup peuvent acheter une œuvre d’art, beaucoup peuvent faire un tour à Artissima et trouver quelque chose d’abordable, quelque chose qu’ils peuvent acheter pour quelques centaines d’euros.
Oui, l’art contemporain est accessible à tous les budgets, car, comme je te le disais tout à l’heure, on achète un jeune artiste dès sa première exposition, et en général, un jeune artiste coûte 500, 1 000 ou 1 500 euros. Je me souviens qu’en 1993 ou 1994, j’avais vu pour la première fois une installation de Tony Oursler et il y avait cette galerie française, dont je ne me souviens plus du nom, qui présentait une installation magnifique, composée notamment d’un magnétoscope et d’un projecteur. Je suis allé demander le prix et on m’a répondu que cela coûtait un million et demi de lires. Instinctivement, j’ai demandé au galeriste : « Mais vous me donnez aussi la vidéo et le projecteur ? ». Tout était compris. Imaginez un peu : on pouvait acheter tout ça pour presque rien. Et c’est toujours comme ça, même aujourd’hui. Pour te citer un autre exemple, je me souviens que dans les années 80, il y avait un cheminot collectionneur, avec un salaire moyen (je ne sais pas exactement combien, mais en tout cas un salaire moyen), qui achetait des œuvres de jeunes artistes et qui a fait fortune. Toujours à ces prix-là.
Bien sûr, si l’on achète dans l’idée de faire des affaires, il faut aussi avoir l’œil pour repérer quand un artiste a du potentiel…
Oui, c’est fondamental. Mais surtout, la peinture parle encore aux tripes, à l’esprit, parce qu’on peut la comprendre par soi-même. Pour un certain type d’art, en revanche, ce n’est pas le cas : il faut un interlocuteur qui te la rende accessible, sinon tu n’y arrives pas. Et puis il y a ceux qui font peut-être confiance à la galerie qui la propose… « S’il l’a proposée, c’est qu’elle vaut le coup »…
Comment les prix sont-ils fixés ? Même ceux de tes tableaux…
Eh bien, le premier prix est fixé lorsque tu arrives dans une galerie qui a un marché, et c’est le galeriste qui te dit combien coûte ton tableau, car il a de toute façon l’expérience nécessaire pour te donner une estimation du prix. À partir de là, au fur et à mesure que l’on participe à des expositions prestigieuses, on peut augmenter le prix : deux ou trois expositions, une exposition dans un musée, une participation à la Biennale… et le prix grimpe.
Et comment t’es-tu entendu avec tes galeristes ?
J’ai toujours rêvé d’être artiste, et quand j’y suis parvenu, j’ai été heureux d’avoir rencontré les personnes qui m’ont permis de concrétiser ce rêve. La ville de Turin m’a aussi beaucoup apporté. Mais avec n’importe quel galeriste, comme il est question d’argent, on se dispute parfois, mais chacun prend ses risques. Et rencontrer un galeriste qui a envie de prendre des risques pour toi, c’est toujours une bonne chose : il faut aplanir les points de friction, essayer de comprendre les raisons de chacun, puis on entame un parcours qu’on fait ensemble.
Quand tu as commencé, l’art coûtait-il plus cher ?
Non, les prix des œuvres ont toujours été plus ou moins les mêmes. Le problème, c’est qu’aujourd’hui, il n’y a plus d’argent.
Toi ,à *La Repubblica*, qui t’a interviewé justement lors d’une visite à Artissima , tu as dit quebeaucoup ne mettent même pas les pieds dans les galeries, de peur que cela ne serve à rien. Comment les convaincre de franchir cette barrière ?
Je vais te donner cet exemple. Avec mes étudiants de l’Académie, j’ai réalisé une œuvre sur un mur ici, sur une place. L’œuvre s’intitulait « Les Turinois que nous avons aimés » : des portraits de Luca Beatrice, Giuseppe Culicchia, Luciana Littizzetto, toutes ces personnalités turinoises qui sont devenues célèbres. Une association de chauffeurs de taxi, qui organise habituellement de petites initiatives culturelles dans le cadre de son activité, l’a vue et nous a proposé de reproduire chaque portrait sur un taxi, en échange de billets gratuits pour l’entrée à la Pinacothèque de l’Académie Albertina. En effet, ce projet avait été réalisé en collaboration entre l’Accademia Albertina et l’association Augusta Taurinorum. Voilà, cela m’a ému. Je me suis dit : « C’est formidable, ils demandent à pouvoir voir une exposition, eux et leurs proches ». Il y a donc beaucoup de gens qui vont voir les expositions et qui, au départ, sont loin de pouvoir acheter quoi que ce soit. Mais ensuite, à la longue, on devient ami avec un artiste, un galeriste, et peut-être que cet ami leur fait un bon prix. Et il y a beaucoup de Turinois qui fréquentent assidûment les expositions simplement pour le plaisir d’enrichir leur culture, de côtoyer la beauté.
Donc, selon toi, pour convaincre des personnes qui ne s’attendent peut-être même pas à ce que l’achat d’une œuvre d’art soit à la portée de tous, il faut les inciter à s’intéresser régulièrement à l’art, ou au « beau », comme tu dis.
Ça devrait devenir une habitude. Quoi qu’il en soit, si tu vas à la GAM de Turin, qui propose toujours de belles expositions et possède également une collection extraordinaire, où il ne manque vraiment rien, tu ne peux pas y entrer le dimanche matin. Et là-bas, le dimanche matin, il n’y a pas le public habituel : il y a justement ceux qui viennent simplement faire un tour.
Turin entretient toutefois un rapport avec la culture, avec l’art et avec l’art contemporain qui est peut-être différent de ce qu’on observe dans d’autres régions d’Italie. En fréquentant un peu Turin (ma vision ne sera bien sûr jamais aussi approfondie que la tienne, puisque tu es de Turin ; je peux donc tout au plus te demander de la confirmer ou de la démentir), je crois qu’il y a… comment dire ? Une relation plus étroite entre les habitants et l’art. Ou est-ce seulement une impression de ma part ?
Il y a une habitude de la fréquenter, car c’est une ville qui a toujours eu une offre incroyable. Turin était également choisie par des étudiants chiliens, argentins (qui finissaient par travailler comme barmen pour joindre les deux bouts) qui venaient étudier à l’Académie, car ils voyaient en Turin une ville où il était possible de faire ses premiers pas dans le monde de l’art, y compris sur le plan commercial. Jusqu’à récemment, il y avait une multitude d’expositions organisées par la Région et la Ville, des cycles d’expositions se déroulaient dans de nombreux lieux, et les œuvres se vendaient même. Ainsi, les artistes qui venaient ici commençaient également à vivre de leur art. Même les avocats de Turin, par exemple, étaient réputés pour être des collectionneurs ; ainsi, même un jeune avocat commençait tout de suite à acheter des œuvres, parfois dans des domaines variés, puis montait en gamme. Bref, une ville où les expositions et les événements permettaient à beaucoup de vivre cette expérience. Aujourd’hui, cela s’est un peu calmé, mais je constate avec plaisir qu’une galerie ferme et qu’une autre ouvre, qu’il y a toujours des jeunes qui ont envie d’investir de l’argent, parce qu’ils y croient. Et de toute façon, oui, c’est une ville qui a toujours beaucoup offert, donc une certaine habitude s’est installée.
Que conseillerais-tu à quelqu’un qui n’y connaît rien, mais qui souhaite commencer à acheter de l’art contemporain ?
D’aller voir les événements. En général, par exemple, j’invite les gens aux expositions, je leur indique les artistes à suivre, je leur suggère d’aller voir tel ou tel. Et puis on se rend compte que ça peut devenir addictif. Et puis, le conseil que je peux donner, c’est toujours d’acheter ce qui te plaît. Comme ça, on est toujours content, sans jamais penser à autre chose. Les gens que je connais n’ont jamais songé à vendre ce qu’ils possèdent, car c’est une satisfaction de les avoir. Une œuvre d’art n’est pas seulement une photo ou un tableau que l’on accroche : c’est quelque chose d’une puissance inouïe qui change votre vie. Bien sûr, cela décore votre maison, mais c’est aussi une formidable compagnie, et je crois que cela change votre vie, au sens spirituel du terme, cela élève votre esprit. L’art fait aussi cela.
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