von
Federico Giannini 
@federicogiannini1
04/11/2026
Kategorien: Interviews / Haftungsausschluss
Was hält einer der bedeutendsten zeitgenössischen italienischen Maler von Kunstmessen und dem Sammlermarkt? Darüber sprechen wir mit Daniele Galliano, der uns in diesem Interview mit Federico Giannini erklärt, warum der Kauf von Kunst kein Privileg für wenige ist (und dasselbe gilt auch für das Verständnis von Kunst) und warum man vor allem lernen muss, hinzuschauen und das auszuwählen, was einem gefällt.
Was hält einer der bedeutendsten zeitgenössischen italienischen Maler von Kunstmessen und dem Sammlermarkt? Wir sprechen darüber mit Daniele Galliano (Pinerolo, 1961), einer der interessantesten Persönlichkeiten der zeitgenössischen italienischen Malerei. Seit den frühen 1990er Jahren ist er in der Turiner Kunstszene aktiv und hat im Laufe seiner Karriere eine persönliche Bildsprache entwickelt, die verschiedene Vorstellungswelten und Sensibilitäten miteinander verbindet und in ständigem Dialog mit Kino, Literatur, Comics und Musik steht. Von seinen ersten internationalen Ausstellungen, darunter jene in der Galleria Nazionale in Rom und in der Galerie Annina Nosei in New York im Jahr 1996, bis hin zur Teilnahme an der Biennale von Venedig verlief sein Werdegang zwischen bedeutenden Institutionen und Kooperationen mit führenden Persönlichkeiten der visuellen und musikalischen Kultur. In diesem Gespräch mit Federico Giannini geht Galliano, ausgehend von einer Reflexion über die Artissima und die Veränderungen auf dem Kunstmarkt, auf einige der zentralen Fragen der zeitgenössischen Kunstdebatte ein. Von der Schwierigkeit, das Talent eines jungen Künstlers zu erkennen, über die Rolle der malerischen Qualität und die fortschreitende Marginalisierung der Malerei im institutionellen System bis hin zur kulturellen Funktion von Messen und Galerien – richtet er seinen Blick auf die Widersprüche einer Welt, in der wirtschaftliche Dynamiken und Legitimationsmechanismen manchmal den Wert der Werke zu übertrumpfen drohen. Doch die Diskussion erstreckt sich auch auf das Verhältnis zwischen Kunst und Publikum, auf die Notwendigkeit, das ästhetische Erlebnis zugänglich zu machen, und auf die besondere Lebendigkeit der Turiner Kunstszene. Daraus ergibt sich ein Kunstverständnis, das sowohl von Spekulation als auch von Selbstbezogenheit fern ist: eine Erfahrung, die durch den Besuch von Ausstellungen, die Schulung des Blicks und die Freude am Entdecken gepflegt werden soll. Denn, wie Galliano betont, ist ein Kunstwerk nicht nur ein Objekt, das man besitzt, oder eine Investition, sondern etwas, das in den Alltag Einzug halten, ihn begleiten und sogar verändern kann.
FG. Wie hat dir die Artissima dieses Jahr gefallen?
DG. Ich weiß nicht, ich gehöre nicht zu den Künstlern, die alles methodisch verfolgen, denn dann bringe ich mich nur selbst durcheinander. Ganz abgesehen davon, dass man jede Minute stehenbleibt, um jemanden zu begrüßen, und so nicht viel sehen kann. Normalerweise schlendere ich jedenfalls einfach herum und warte darauf, dass mich ein schönes Werk anspricht.
Und was hat dich bei dieser Ausgabe angesprochen? Hast du etwas Interessantes gefunden?
Na ja, dieses Jahr war ich wegen eines Interviews dort und dann zur Verleihung des Luca-Beatrice-Preises, und ich hatte keine Gelegenheit, mich ausgiebig umzuschauen. Was ich gesehen habe? Ich habe einen De Chirico gesehen, einige Werke von Parmiggiani und Paladino. Wahrscheinlich gab es auch jede Menge neue Malerei, aber das kann ich nicht mit Sicherheit sagen. Ich bin nicht der Richtige, um diese Fragen zu beantworten, denn ich bin so zerstreut (und ich glaube, das ist auch eine meiner Stärken), dass ich die Dinge nicht systematisch betrachten kann.
Aber schon die Tatsache, dass du mir als interessanteste Werke einen De Chirico, einen Paladino und einen Parmiggiani nennst, scheint mir sehr bezeichnend für die allgemeine Qualität der neuen Vorschläge zu sein, nennen wir sie mal so.
Und doch war die Artissima ursprünglich auch als experimentelle Messe für junge Künstler ins Leben gerufen worden. Und als es der Wirtschaft besser ging (nicht viel, aber immerhin ein bisschen besser als jetzt), hatte sich geradezu ein Kaufanreiz gebildet: Alle waren mit etwas nach Hause gegangen, und wer dort nichts gekauft hatte, hatte später bei Paratissima oder anderswo etwas erworben. Es gab Dinge, die wenig kosteten.
Und wie sieht es jetzt aus?
Heute liegt der Schlüssel zum Sammeln darin, einen Künstler zu erkennen, der eine Perspektive, eine Zukunft und ein wertvolles, wegweisendes Werk haben könnte. Das ist nicht jedermanns Sache, aber wer es schafft, kauft die Werke für einen Spottpreis, und im Laufe weniger Saisons können sie manchmal überraschende Ergebnisse und Leistungen bringen.
Wie erkennst du, wann ein Gemälde eines Malers, den du vielleicht noch nie zuvor gesehen hast, deine Aufmerksamkeit verdient?
Ich persönlich hatte einige unglaubliche Gelegenheiten und habe sie dann nicht genutzt. Ich erinnere mich, dass ich vor vielen Jahren die Gelegenheit hatte, ein Gemälde von Schifano zu kaufen, als es noch wenig kostete… aber ich habe es immer wieder aufgeschoben und mir gesagt: „Das mache ich später“, „das mache ich später“ – und schließlich ist er gestorben, und jetzt ist es nicht mehr so einfach, wichtige Gemälde von ihm zu einem günstigen Preis zu finden. Und damals hätte ich sogar einen Tauschhandel machen können… ! Wie dem auch sei, um es dir zu sagen: Ich bin eher ein Sammler von Fotografie als von Malerei geworden, und bei der Fotografie habe ich keinen Fehlgriff gemacht: Ich habe zum Beispiel Werke von Shirin Neshat und Wolfgang Tillmans gekauft, als sie noch günstig waren. Dann habe ich Werke von Manuel Ocampo gekauft (ich habe ein wunderschönes Bild von ihm), von Stanley Whitney, ich habe Fotografien von Richard Billingham, von Zwelethu Mthethwa, ich habe viele Fotos von Schifano, jene, die er später vermasselt hat (das ist zwar nicht dasselbe wie ein schönes Bild zu besitzen, aber trotzdem… ). Kurz gesagt, ich hatte ein gutes Auge. Ich habe hauptsächlich Werke gekauft, die meinen eigenen ähnlich waren: Ich malte zur gleichen Zeit genau das, was Tillmans fotografierte, ohne dass wir uns jemals kennengelernt hatten … Dinge wie Backstage-Szenen bei Konzerten, Clubs. Es waren Künstler, mit denen ich Gemeinsamkeiten hatte, die mir vielleicht auch zufällig über den Weg liefen und mit denen ich mich dann anfreundete.
Wenn du heute auf eine Messe gehen würdest, wie würdest du erkennen, dass ein Maler, vielleicht ein junger, Talent hat?
Na ja, man sieht es einfach. Wir haben den Fall von Nicola Samorì miterlebt: Er hatte fast sofort Erfolg. Am Anfang war er ein Maler wie viele andere, aber dass er ein übernatürliches Phänomen war, sah man sofort.
Und was macht für dich einen Maler zu einem übernatürlichen Phänomen?
Die Qualität der Malerei.
Das heißt?
Das ist schwer zu sagen. Schon davon zu sprechen, etwas zu beschreiben, das man sehen muss, ist an sich schon ein kleiner Widerspruch, oder? Mir ist jedoch klar, dass unter meinen Sammlern die aufmerksamsten – diejenigen, die sofort erkennen, welches Bild cooler ist als ein anderes – diejenigen sind, die sich mehr oder weniger selbst schon ein wenig im Malen versucht haben. Denn wenn man nicht die geringste Ahnung hat, was das ist… Ich habe auch an der Akademie unterrichtet und versucht, den Studenten zu erklären, dass nur stundenlange Arbeit und vollkommene Hingabe zu Ergebnissen führen können: So lernt man, die Pinsel zu kennen und was man damit zustande bringt. Das erreicht man erst nach viel Arbeit. Und genau diese Arbeit ermöglicht es dir dann auch, die Arbeit zu verstehen, die hinter einem Gemälde steckt – vielleicht sogar hinter einem, das in zwei Minuten entstanden ist. Wie Picasso antwortete: „Ich habe es nicht in einer Minute gemalt, sondern in vierzig Jahren und einer Minute.“ Denn erst wenn man Jahre und Jahre malerischer Erfahrung hinter sich hat, kann man zwei malerische Gesten ausführen.
Wie schätzt du die Situation der Malerei in Italien heute ein?
Zunächst einmal haben wir eine Biennale, auf der kein italienischer Künstler vertreten ist, abgesehen vom italienischen Pavillon, wo immer noch ein Italiener ausgestellt wird – aber vielleicht ändert sich das ja auch dort irgendwann. Das ist eine absolute Schande … als gäbe es in Italien keine Maler, ja gar keine Künstler, obwohl wir doch eine Fülle davon haben. Die Malerei hat in den letzten Jahren bewiesen, dass sie sich behaupten kann, in dem Sinne, dass sie gezeigt hat, die Realität (und auch noch anderes) besser darstellen zu können als jedes andere Medium. Denk nur mal daran, auch wenn man über die Grenzen Italiens hinausblickt: an die Kraft von Neo Rauch, von Sasnal, von dieser ganzen Gruppe wirklich außergewöhnlicher Maler, während wir ansonsten weiterhin Wiederholungen der 70er Jahre sehen, die manchmal sogar peinlich sind.
Möchtest du den Namen eines italienischen Malers nennen, der deiner Meinung nach heute Beachtung verdient?
Ich habe hier gerade eine Ausstellung von Giuseppe Mulas organisiert, einem sehr talentierten jungen Maler. Unter den jungen Künstlern würde ich dann Davide Serpetti, Silvia Negrini und Silvia Paci nennen. Das sind diejenigen, die mir so spontan einfallen.
Zurück zur Messe: Ist sie deiner Meinung nach für das Publikum sinnvoll? Ich meine diejenigen, die hingehen, sich umschauen und nicht einmal nach einem Preis fragen … kurz gesagt, das Publikum, das nur zur Messe geht, um … zu schauen und nicht anzufassen?
Auf jeden Fall. Man schärft seinen Blick für das Schöne ein wenig, das tut also gut. Dann gibt es auch eine bestimmte Art von Kunst (die mir vielleicht nicht so nahe steht), die konzeptuelle Kunst, eine Kunst, die einem keine Antworten gibt, sondern Fragen stellt und zum Nachdenken anregt. Ja, sie ist nützlich. Meiner Meinung nach tut sie sehr gut.
Für dich hat die Messe also neben dem kommerziellen auch noch einen kulturellen Zweck.
Auf der Messe sieht man, ob gut oder schlecht, die angesagten Künstler und auch die Klassiker, einfach alles: Man bekommt ein Gespür für die aktuelle Lage, dafür, was es gerade gibt. Ein Beispiel dafür ist die Art Basel. Sicher, vielleicht gehst du dann zur Biennale, aber alle Phänomene der Biennale sind dort vertreten, und nicht nur das, denn man kann sie mit Picasso, mit Dubuffet, mit den großen Meistern vergleichen, daher ist es sehr nützlich. Auch weil bestimmte Dinge, die von den Galerien des Establishments mit aller Macht aufgezwungen werden, manchmal beim Publikum keinen Anklang finden … und das zu Recht, denn es ist Zeug, das niemandem etwas vermittelt. Die Malerei hingegen ist eine universelle Sprache, genau wie die Musik. Paradoxerweise wurden Barrieren errichtet wie „es macht keinen Sinn mehr zu malen“ – völlig unsinnige Dinge, die wahrscheinlich auf einen Perspektivwechsel hindeuten: Anstelle einer Perspektive, die zum Absoluten, nach oben tendiert, hat man eine eingenommen, die auf das Arschloch blickt. Und damit kommt man nicht besonders weit.
Und so setzt sich die Vorstellung durch, dass zeitgenössische Kunst etwas ist, das nur wenige verstehen können, obwohl in Wirklichkeit genau das Gegenteil der Fall ist. Oder etwa nicht?
Es ist genau das Gegenteil, ja! Und paradoxerweise gilt das auch für die abstrusesten Dinge: Ich denke zum Beispiel an bestimmte Installationen von Anselmo, die jedoch sehr eindrucksvoll und sehr kraftvoll sind. Ein guter Künstler ist immer gut, unabhängig von der Ausdrucksform.
Dann gibt es noch andere Barrieren. Zum Beispiel denken viele, dass Kunst etwas ist, das sich nur wenige leisten können, aber in Wirklichkeit können sich mittlerweile viele ein Kunstwerk kaufen, viele können einen Rundgang durch die Artissima machen und etwas Bezahlbares finden, etwas, das man schon für ein paar hundert Euro kaufen kann.
Ja, zeitgenössische Kunst ist für jeden Geldbeutel geeignet, denn, wie ich dir bereits gesagt habe, kauft man einen jungen Künstler, wenn er seine ersten Werke auf den Markt bringt, und im Allgemeinen kostet ein junger Künstler 500, 1.000, 1.500 Euro. Ich erinnere mich, dass ich 1993 oder 1994 zum ersten Mal eine Installation von Tony Oursler gesehen habe, und da gab es diese französische Galerie – ich weiß den Namen nicht mehr –, die eine wunderschöne Installation hatte, zu der auch ein Videorekorder und ein Projektor gehörten. Ich fragte nach dem Preis, und man sagte mir, es koste eineinhalb Millionen Lire. Instinktiv fragte ich den Galeristen: „Aber geben Sie mir auch das Video und den Projektor dazu?“ Das war alles im Preis inbegriffen. Stell dir vor: Man konnte dieses Zeug quasi umsonst kaufen. Und so ist es immer noch, auch heute. Um dir noch ein Beispiel zu nennen: Ich erinnere mich, dass es in den 80er Jahren einen Eisenbahner und Sammler gab, der ein durchschnittliches Gehalt bezog (ich weiß nicht, wie hoch es war, aber jedenfalls ein durchschnittliches Gehalt), der Werke junger Künstler kaufte und damit ein Vermögen machte. Immer zu diesen Preisen.
Natürlich sollte man, wenn man mit der Absicht kauft, Geschäfte zu machen, auch das Auge dafür haben, zu erkennen, wann ein Künstler Potenzial hat...
Ja, das ist entscheidend. Vor allem aber spricht die Malerei immer noch das Bauchgefühl und die Seele an, weil man sie selbst verstehen kann. Bei einer bestimmten Art von Kunst ist das hingegen nicht der Fall: Man braucht einen Gesprächspartner, der sie einem näherbringt, sonst kommt man nicht damit zurecht. Dann gibt es noch diejenigen, die vielleicht der Galerie vertrauen, die das Werk anbietet… „Wenn er es vorgeschlagen hat, dann ist es gut“…
Wie werden die Preise festgelegt? Auch die deiner Gemälde…
Nun, der erste Preis wird festgelegt, wenn man in eine Galerie kommt, die einen Markt hat, und es ist der Galerist, der einem sagt, wie viel das eigene Gemälde kostet, denn er hat schließlich die nötige Erfahrung, um einen angemessenen Preis zu nennen. Von da an kann man den Preis nach und nach erhöhen, wenn man prestigeträchtige Ausstellungen macht: ein paar Ausstellungen, eine Ausstellung in einem Museum, eine Teilnahme an der Biennale … und der Preis steigt.
Und wie hast du dich mit deinen Galeristen verstanden?
Ich habe immer davon geträumt, Künstler zu werden, und als ich es dann geschafft habe, war ich froh, Menschen getroffen zu haben, die mir die Möglichkeit gegeben haben, diesen Traum zu verwirklichen. Auch die Stadt Turin hat mir viel gegeben. Bei jedem Galeristen kommt es natürlich manchmal zu Streitigkeiten, da es ja auch um Geld geht, aber jeder geht seine eigenen Risiken ein. Und einen Galeristen zu treffen, der bereit ist, für dich ein Risiko einzugehen, ist immer etwas Schönes: Man muss die Probleme ausbügeln, versuchen, die Gründe des einen und des anderen zu verstehen, und dann beginnt man eine Reise, die man gemeinsam unternimmt.
Als du angefangen hast, war Kunst teurer?
Nein, die Preise für die Werke waren immer mehr oder weniger gleich. Das Problem ist, dass es jetzt kein Geld mehr gibt.
Du hast gegenüber „Repubblica“, die dich gerade während eines Rundgangs auf der Artissima interviewt hat gesagt, dassviele aus Angst, es sei sinnlos, gar nicht erst in die Galerien gehen. Wie kann man sie davon überzeugen, diese Barriere zu überwinden?
Ich gebe dir dieses Beispiel. Mit meinen Studenten der Akademie habe ich hier auf einem Platz ein Wandbild gestaltet. Das Werk trug den Titel „Die Turiner, die uns gefallen haben“: Porträts von Luca Beatrice, Giuseppe Culicchia, Luciana Littizzetto, all den Turiner Persönlichkeiten, die berühmt geworden sind. Ein Taxiverband, der im Rahmen seiner Tätigkeit üblicherweise kleine kulturelle Aktionen durchführt, hat das Werk gesehen und uns vorgeschlagen, jedes Porträt auf einem Taxi nachzubilden – im Austausch gegen Freikarten für den Eintritt in die Pinakothek der Accademia Albertina. Das lag daran, dass das Projekt in Zusammenarbeit zwischen der Accademia Albertina und dem Verein „Augusta Taurinorum“ entstanden war. Da war ich gerührt. Ich dachte: „Wie schön, sie bitten darum, eine Ausstellung sehen zu dürfen – sie und ihre Familien.“ Es gibt also viele Menschen, die sich Ausstellungen ansehen und die anfangs noch weit davon entfernt sind, etwas kaufen zu können. Doch auf lange Sicht freundet man sich mit einem Künstler oder einem Galeristen an, und vielleicht macht einem der Freund einen guten Preis. Und es gibt viele Turiner, die regelmäßig Ausstellungen besuchen, einfach nur aus Freude daran, ihre Kultur zu erweitern und sich mit dem Schönen zu beschäftigen.
Deiner Meinung nach muss man also, um Menschen zu überzeugen, die vielleicht gar nicht damit rechnen, dass der Kauf eines Kunstwerks etwas ist, das jeder tun kann, sie dazu bewegen, sich ständig mit Kunst oder dem „Schönen“, wie du es nennst, auseinanderzusetzen.
Es sollte zur Gewohnheit werden. Wenn du jedoch in die GAM in Turin gehst, die immer schöne Ausstellungen zeigt und auch eine sensationelle Sammlung besitzt, in der es wirklich an nichts fehlt, kommst du sonntagmorgens gar nicht erst hinein. Und dort ist sonntagmorgens nicht das übliche Publikum: Dort sind genau diejenigen, die einfach nur einen Rundgang machen wollen.
Turin hat jedenfalls ein Verhältnis zur Kultur, zur Kunst und zur zeitgenössischen Kunst, das sich vielleicht von dem unterscheidet, was man in anderen Teilen Italiens sieht. Da ich mich ein wenig in Turin auskenne (wobei meine Sichtweise natürlich nie so fundiert sein wird wie deine, da du aus Turin stammst; daher kann ich dich höchstens bitten, sie zu bestätigen oder zu widerlegen), glaube ich, dass es da … wie soll ich sagen? Eine engere Beziehung zwischen den Einwohnern und der Kunst. Oder ist das nur mein Eindruck?
Es ist üblich, sich damit zu beschäftigen, denn es ist eine Stadt, die schon immer ein unglaubliches Angebot hatte. Turin wurde auch von chilenischen und argentinischen Studenten gewählt (die dann als Barkeeper arbeiteten, um über die Runden zu kommen), die an die Kunstakademie kamen, weil sie in Turin eine Stadt sahen, in der es möglich war, die ersten Schritte in der Welt der Kunst zu machen, auch auf kommerzieller Ebene. Bis vor kurzem gab es jede Menge Ausstellungen der Region und der Stadtverwaltung, in vielen Räumlichkeiten fanden Ausstellungsreihen statt, und es wurde auch verkauft. Daher konnten die Künstler, die hierherkamen, auch beginnen, von der Kunst zu leben. Auch die Anwälte aus Turin waren zum Beispiel dafür bekannt, Sammler zu sein; daher begann auch der junge Anwalt sofort, etwas zu kaufen – vielleicht in unterschiedlichen Bereichen – und stieg dann in höhere Ligen auf. Kurz gesagt: eine Stadt mit Ausstellungen und Veranstaltungen, in der viele diese Erfahrung machten. Mittlerweile hat das etwas nachgelassen, aber ich freue mich zu sehen, dass eine Galerie schließt und eine andere eröffnet, dass es immer wieder junge Leute gibt, die bereit sind, Geld zu investieren und daran glauben. Und ja, es ist eine Stadt, die schon immer viel zu bieten hatte, daher hat sich auch eine gewisse Gewohnheit entwickelt.
Was würdest du jemandem empfehlen, der sich damit überhaupt nicht auskennt, aber anfangen möchte, zeitgenössische Kunst zu kaufen?
Sich die Veranstaltungen anzuschauen. Normalerweise lade ich zum Beispiel Leute zu Ausstellungen ein, empfehle Künstler, die man im Auge behalten sollte, und schlage vor, sich dieses oder jenes anzusehen. Dann merkt man auch, dass es süchtig machen kann. Und außerdem lautet mein Rat immer: Kauf das, was dir gefällt. So ist man immer zufrieden, ohne jemals an etwas anderes zu denken. Die Leute, die ich kenne, haben nie daran gedacht, ihre Werke zu verkaufen, denn es ist eine Freude, sie zu besitzen. Ein Kunstwerk ist nicht nur ein Foto oder ein Gemälde, das man aufhängt: Es ist etwas von ungeahnter Kraft, das das Leben verändert. Sicher, es schmückt die Wohnung, aber es leistet einem auch großartige Gesellschaft, und ich glaube, es verändert das Leben im spirituellen Sinne, es beflügelt den Geist. Auch das bewirkt Kunst.
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