por
Federico Giannini 
@federicogiannini1
04/11/2026
Categorías: Entrevistas / Descargo de responsabilidad
¿Qué opina uno de los principales pintores italianos contemporáneos sobre las ferias de arte y el mercado del coleccionismo? Lo analizamos con Daniele Galliano, quien en esta entrevista con Federico Giannini nos explica por qué comprar arte no es un privilegio reservado a unos pocos (y lo mismo ocurre a la hora de entender el arte) y por qué, ante todo, hay que aprender a observar y a elegir lo que nos gusta.
¿Qué opina uno de los principales pintores italianos contemporáneos sobre las ferias de arte y el mercado del coleccionismo? Hablamos de ello con Daniele Galliano (Pinerolo, 1961), una de las figuras más interesantes de la pintura italiana contemporánea. Activo en la escena artística de Turín desde principios de los noventa, ha desarrollado a lo largo de su carrera un lenguaje pictórico personal, capaz de atravesar diferentes imaginarios y sensibilidades, en constante diálogo con el cine, la literatura, el cómic y la música. Desde sus primeras exposiciones internacionales —entre las que destacan las de la Galería Nacional de Roma y la galería Annina Nosei de Nueva York en 1996— hasta su participación en la Bienal de Venecia, su trayectoria se ha desarrollado entre importantes instituciones y colaboraciones con figuras destacadas de la cultura visual y musical. En esta conversación con Federico Giannini, partiendo de una reflexión sobre Artissima y las transformaciones del mercado del arte, Galliano aborda algunas de las cuestiones centrales del debate artístico contemporáneo. Desde la dificultad de reconocer el talento de un artista joven hasta el papel de la calidad pictórica, desde la progresiva marginación de la pintura en el sistema institucional hasta la función cultural de las ferias y las galerías, su mirada se centra en las contradicciones de un mundo en el que las dinámicas económicas y los mecanismos de legitimación corren a veces el riesgo de prevalecer sobre el valor de las obras. Pero el discurso se amplía también a la relación entre el arte y el público, a la necesidad de hacer accesible la experiencia estética y a la particular vitalidad de la escena artística de Turín. De ello surge una concepción del arte alejada tanto de la especulación como de la autorreferencialidad: una experiencia que hay que cultivar a través de la visita a exposiciones, la educación de la mirada y el placer del descubrimiento. Porque, como recuerda Galliano, una obra no es solo un objeto que se posee o una inversión, sino algo capaz de entrar en la vida cotidiana, acompañarla e incluso cambiarla.
FG. ¿Qué te ha parecido Artissima este año?
DG. No sé, no soy de esos artistas que lo siguen todo de forma metódica, porque al final solo me lío. Por no hablar de que te paras cada minuto a saludar a alguien, así que no llegas a ver gran cosa. De todos modos, suelo dar una vuelta sin rumbo fijo, esperando a que alguna obra bonita me llame la atención.
¿Y qué te ha llamado la atención en esta edición? ¿Has encontrado algo interesante?
Bueno, este año fui allí para una entrevista y luego para la entrega del Premio Luca Beatrice, y no tuve ocasión de dar una vuelta a fondo. ¿Qué vi? Vi un De Chirico, algunas obras de Parmiggiani y de Paladino. Probablemente también había mucha pintura nueva, pero no sabría decirlo con certeza. No soy la persona más indicada para responder a estas preguntas, porque soy tan despistado (y creo que eso también es uno de mis puntos fuertes) que no consigo observar las cosas con método.
Sin embargo, el mero hecho de que menciones como lo más interesante un De Chirico, un Paladino o un Parmiggiani me parece muy revelador de la calidad general de las nuevas propuestas, llamémoslas así.
Y, sin embargo, Artissima también había nacido como una feria experimental, de jóvenes. Y cuando la economía iba mejor (no mucho, pero sí un poco mejor que ahora), se había creado precisamente un impulso para comprar: todo el mundo volvía a casa con algo, y quien no había comprado allí, lo había comprado luego en Paratissima o en otro sitio. Había cosas que costaban poco.
¿Y ahora qué?
Ahora, la clave para coleccionar es saber identificar a un artista que pueda tener un camino, un futuro, una obra válida y trascendental. No es algo al alcance de todos, pero quien lo consigue compra las obras por cuatro duros y, en el transcurso de unas cuantas temporadas, a veces pueden dar resultados y rendimientos sorprendentes.
¿Cómo sabes cuándo un cuadro de un pintor, al que quizá nunca hayas visto antes, merece tu atención?
Yo, personalmente, he tenido oportunidades increíbles y luego no las he aprovechado. Recuerdo que hace muchos años tuve la oportunidad de comprar un cuadro de Schifano cuando aún costaba poco... pero no dejaba de posponerlo, repitiéndome «ya lo haré», «ya lo haré», hasta que al final él falleció y ahora ya no es tan fácil encontrar cuadros importantes suyos a buen precio. Y en aquella época incluso podría haber hecho un intercambio de obras… ! En fin, para que te hagas una idea, me he convertido en coleccionista más de fotografía que de pintura, y en fotografía no he fallado ni una sola vez: compré, por ejemplo, obras de Shirin Neshat y de Wolfgang Tillmans cuando aún eran baratas. Después compré obras de Manuel Ocampo (tengo un cuadro suyo precioso), de Stanley Whitney; tengo fotografías de Richard Billingham, de Zwelethu Mthethwa; tengo muchas fotos de Schifano, esas que luego él estropeaba (no es como tener un cuadro bonito, pero bueno...). En fin, tenía buen ojo. Principalmente adquiría obras afines a las mías: yo pintaba al mismo tiempo lo que Tillmans fotografiaba, sin que nos hubiéramos conocido nunca… cosas como el backstage de conciertos, locales. Eran artistas con los que tenía afinidades, y que a veces incluso se cruzaban en mi camino y con los que luego acababa haciéndome amigo.
Hoy en día, si fueras a una feria, ¿cómo te darías cuenta de que un pintor, quizá joven, tiene talento?
Pues bueno, lo ves. Nosotros fuimos testigos del caso de Nicola Samorì: tuvo éxito casi de inmediato. Al principio era un pintor como tantos otros, pero se veía desde el primer momento que era un fenómeno sobrenatural.
¿Y qué es lo que, para ti, convierte a un pintor en un fenómeno sobrenatural?
La calidad de la pintura.
¿Es decir?
Es difícil de explicar. Hablar de algo que hay que ver es, en sí mismo, un poco contradictorio, ¿no? Pero me doy cuenta de que, entre los coleccionistas que tengo, los más atentos, los que distinguen de inmediato el cuadro más chulo de otro, son aquellos que, en mayor o menor medida, han probado un poco a pintar. Porque si uno no tiene ni la más mínima idea de lo que es… Yo también he dado clases en la Academia e intentaba explicar a los alumnos que solo horas y horas de trabajo y una dedicación total pueden dar resultados: así es como aprendes a conocer los pinceles y lo que puedes sacar de ellos. Solo se llega a eso tras un gran esfuerzo. Y es ese esfuerzo el que luego te permite a ti también comprender el trabajo que hay detrás de un cuadro, quizá incluso de uno hecho en dos minutos. Como respondió Picasso: «No lo hice en un minuto, lo hice en cuarenta años y un minuto». Porque puedes hacer dos trazos pictóricos cuando tienes a tus espaldas años y años de experiencia pictórica.
¿Cómo te parece la situación de la pintura en Italia hoy en día?
Para empezar, tenemos una Bienal en la que no hay ningún artista italiano, salvo en el Pabellón de Italia, donde todavía incluyen a un italiano, aunque quizá eso también cambie. Es una auténtica vergüenza… como si no tuviéramos pintores, o mejor dicho, artistas, en Italia, cuando en realidad los tenemos en abundancia. La pintura ha demostrado en estos años saber labrarse un hueco, en el sentido de que ha demostrado saber narrar la realidad (y hacer también otras cosas) más que cualquier otro medio. Piensa, incluso mirando fuera de Italia, en la fuerza de Neo Rauch, de Sasnal, de toda esa pandilla de pintores verdaderamente extraordinarios, mientras que, por lo demás, seguimos viendo repeticiones de los años setenta que a veces resultan incluso vergonzosas.
¿Te apetece nombrar a algún pintor italiano que, en tu opinión, merezca la pena hoy en día?
Acabo de organizar aquí una exposición de Giuseppe Mulas, un joven pintor muy bueno. Luego, entre los jóvenes, diría que Davide Serpetti, Silvia Negrini y Silvia Paci. Estos son los que me vienen a la mente así, sin pensarlo mucho.
Volviendo a la feria: ¿crees que es útil para el público? Me refiero a los que van, miran y ni siquiera preguntan por el precio… en fin, ¿el público que va a la feria solo para… ver y no tocar?
Sin duda. Afinas un poco tu mirada hacia la belleza, así que te hace bien. Además, también hay cierto tipo de arte (que quizá no me resulte tan cercano), el arte conceptual, un arte que, en lugar de darte respuestas, te plantea preguntas, te hace pensar. Sí, es útil. En mi opinión, es muy beneficioso.
Así que, para ti, la feria sigue teniendo un fin cultural, además del comercial.
En la feria, para bien o para mal, ves a los artistas de moda y también a los clásicos, un poco de todo: te da una idea de la situación, de lo que hay. Un ejemplo para todos es Art Basel. Claro, luego quizá vayas a la Bienal, pero todos los fenómenos de la Bienal están representados allí, y no solo eso, porque puedes compararlos con Picasso, con Dubuffet, con los grandes maestros, así que es muy útil. También porque ciertas cosas impuestas a la fuerza por las galerías del régimen a veces no encuentran respuesta por parte del público… y con razón, porque son cosas que no comunican nada a nadie. La pintura, en cambio, es un lenguaje universal, como la música. Paradójicamente, se han levantado barreras del tipo «ya no tiene sentido pintar», tonterías sin sentido que probablemente indican un cambio de perspectiva; es decir, en lugar de una perspectiva que tiende a lo absoluto, hacia lo alto, se ha adoptado una que mira hacia el culo. Y con eso no se llega muy lejos.
Y así se abre paso la idea de que el arte contemporáneo es algo que solo unos pocos pueden entender, cuando en realidad es exactamente lo contrario. ¿O no?
¡Es exactamente lo contrario, sí! Y, paradójicamente, esto también se aplica a las cosas más abstrusas: pienso, por ejemplo, en ciertas instalaciones de Anselmo que, sin embargo, son muy sugerentes, muy potentes. Un buen artista siempre es bueno, independientemente del lenguaje.
Luego también hay otras barreras. Por ejemplo, muchos piensan que el arte es algo que solo unos pocos pueden permitirse, pero en realidad hoy en día mucha gente puede comprar una obra de arte, mucha gente puede dar una vuelta por Artissima y encontrar algo asequible, algo que se pueda comprar por unos pocos cientos de euros.
Sí, el arte contemporáneo se adapta a todos los bolsillos, porque, como te decía antes, al artista joven lo compras cuando se estrena, y por lo general un artista joven cuesta 500, 1.000 o 1.500 euros. Recuerdo que en 1993 o 1994 vi por primera vez una instalación de Tony Oursler y había una galería francesa, no recuerdo el nombre, que tenía una instalación preciosa, compuesta también por un reproductor de vídeo y un proyector. Fui a preguntar el precio y me dijeron que costaba un millón y medio de liras. Instintivamente le pregunté al galerista: «¿Pero también me da el vídeo y el proyector?». Todo estaba incluido. Imagínate: podías comprar todo eso por nada. Y siempre es así, incluso ahora. Por citarte otro caso, recuerdo que en los años ochenta había un ferroviario coleccionista, con un sueldo normal (no sé cuánto podría ser, pero en cualquier caso un sueldo normal), que compraba obras de artistas jóvenes y se hizo de oro. Siempre con esas cifras.
Claro, si uno compra con la idea de hacer negocio, también debería tener buen ojo para saber cuándo un artista tiene potencial...
Sí, eso es fundamental. Pero, sobre todo, la pintura sigue hablando al instinto, al espíritu, porque uno puede entenderla por sí mismo. En cambio, para cierto tipo de arte, no: necesitas a alguien que te la haga más accesible, si no, no la entiendes. Luego hay quien confía, quizá, en la galería que la propone… «si él la ha propuesto, entonces es buena»…
¿Cómo se fijan los precios? También los de tus cuadros...
Bueno, el primer precio se fija cuando llegas a una galería que tiene un mercado, y es el galerista quien te dice cuánto cuesta tu cuadro, porque, al fin y al cabo, tiene la experiencia necesaria para indicarte cuál puede ser un precio adecuado. A partir de ahí, a medida que se van realizando exposiciones prestigiosas, se puede subir el precio: un par de exposiciones, una exposición en un museo, una participación en la Bienal… y el precio sube.
¿Y cómo te has llevado con tus galeristas?
Siempre he soñado con ser artista, y cuando por fin lo conseguí, me alegré de haber conocido a las personas que me dieron la oportunidad de hacer realidad ese sueño. La ciudad de Turín también me ha dado mucho. Luego, con cualquier galerista, dado que también hay dinero de por medio, a veces se discuten, pero cada uno asume sus propios riesgos. Y encontrar a un galerista que esté dispuesto a arriesgarse por ti siempre es algo bonito: hay que pulir los aspectos que no funcionan, intentar entender los motivos de unos y otros, y luego se emprende un viaje que se recorre juntos.
Cuando empezaste, ¿el arte costaba más?
No, los precios de las obras siempre han sido más o menos iguales. El problema es que ahora ya no hay dinero.
Tú ,en *Repubblica*, que te entrevistó precisamente durante una visita a Artissima , dijiste quemuchos ni siquiera entran en las galerías, por miedo a que sea inútil. ¿Cómo convencerles de que superen esa barrera?
Te pondré este ejemplo. Con mis alumnos de la Academia hice una obra en una pared aquí, en una plaza. La obra se titulaba «Los turineses que nos han gustado»: retratos de Luca Beatrice, Giuseppe Culicchia, Luciana Littizzetto, todos los personajes turineses que se han hecho famosos. La vio una asociación de taxistas que suele organizar pequeñas actividades culturales como parte de su actividad, y nos propusieron reproducir cada retrato en un taxi, a cambio de entradas gratuitas para la Pinacoteca de la Academia Albertina. Esto se debe a que el proyecto se había realizado en colaboración entre la Accademia Albertina y la asociación Augusta Taurinorum. Y ahí me emocioné. Pensé: «Qué bonito, piden poder ver una exposición, ellos y sus familiares». Así que hay mucha gente que va a ver las exposiciones y que, al principio, ni siquiera se plantea comprar nada. Pero luego, con el tiempo, te haces amigo de un artista, de un galerista, y quizá ese amigo te haga un buen precio. Y hay muchos turineses que son asiduos a las exposiciones simplemente por el gusto de ampliar su cultura, de estar en contacto con la belleza.
Así pues, en tu opinión, para convencer a personas que quizá ni siquiera esperan que comprar una obra de arte sea algo al alcance de todos, hay que persuadirlas de que se acerquen constantemente al arte, o a «lo bello», como tú dices.
Debería ser un hábito. De todos modos, si vas a la GAM de Turín, que siempre organiza bonitas exposiciones y además cuenta con una colección espectacular, en la que no falta absolutamente nada, los domingos por la mañana no consigues entrar. Y allí, los domingos por la mañana, no está el público habitual: está precisamente el que va simplemente a dar una vuelta.
Turín, en cualquier caso, tiene una relación con la cultura, con el arte y con el arte contemporáneo que quizá sea diferente a la que se ve en otras partes de Italia. Tras haber pasado un tiempo en Turín (aunque mi visión nunca será tan profunda como la tuya, ya que tú eres de Turín, así que como mucho puedo pedirte que me la confirmes o la desmientas), creo que hay… ¿cómo decirlo? Una relación más estrecha entre los habitantes y el arte. ¿O es solo una impresión mía?
Existe la costumbre de frecuentarla, porque es una ciudad que siempre ha tenido una oferta increíble. Turín también era el destino elegido por estudiantes chilenos y argentinos (que luego acababan trabajando de camareros para ganarse la vida) que venían a estudiar en la Academia porque veían en Turín una ciudad donde era posible dar los primeros pasos en el mundo del arte, incluso a nivel comercial. Hasta hace poco había un montón de exposiciones de la Región y del Ayuntamiento, se organizaban ciclos expositivos en muchos locales y además se vendía. Por eso, los artistas que venían aquí empezaban incluso a vivir del arte. Incluso los abogados de Turín, por ejemplo, eran famosos por ser coleccionistas, así que incluso el joven abogado empezaba enseguida a comprar algo, quizá en ámbitos diferentes, y luego iba subiendo de nivel. Una ciudad, en definitiva, con exposiciones y eventos en los que muchos vivían esta experiencia. Ahora han disminuido un poco, pero me alegra ver que, cuando cierra una galería, abre otra, y que siempre hay jóvenes con ganas de invertir dinero, creyendo en ello. Y, en cualquier caso, sí, es una ciudad que siempre ha ofrecido mucho, así que también se ha creado una cierta costumbre.
¿Qué le recomendarías a alguien que no sabe nada del tema, pero que quiere empezar a comprar arte contemporáneo?
Que vaya a ver los eventos. Normalmente, por ejemplo, invito a la gente a las exposiciones, les recomiendo artistas a los que seguir, les sugiero que vayan a ver esto o aquello. Luego te das cuenta de que puede llegar a ser adictivo. Y además, el consejo que puedo dar es siempre comprar lo que te guste. Así uno siempre está contento, sin pensar nunca en otra cosa. La gente que conozco nunca ha pensado en vender las cosas que tiene, porque es una satisfacción tenerlas. La obra de arte no es solo una foto o un cuadro que cuelgas: es algo de una potencia inaudita que te cambia la vida. Claro, decora tu casa, pero te hace una gran compañía, y creo que te cambia la vida, en un sentido espiritual, te eleva el espíritu. El arte también hace eso.
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