La Biennale de Venise peut-elle également être interprétée comme une relation entre expérimentation artistique, marché et systèmes de soutien à la culture ? C’est ce que tente de faire la commissaire Adina Drinceanu dans cet entretien avec Noemi Capoccia, où elle propose une lecture de l’événement qui va au-delà de la dimension expositive. Adina Drinceanu est commissaire d’exposition et chercheuse ; son parcours mêle art contemporain, recherche historique, programmation culturelle et stratégies institutionnelles. Fondatrice et présidente d’ERA – Eco Ricerca Arte, une organisation à but non lucratif engagée dans l’utilisation de l’art comme outil d’inclusion et de transformation sociale, elle a collaboré avec des institutions culturelles, des fondations et des universités internationales, associant à son activité de commissaire d’exposition une réflexion sur la relation entre production artistique, philanthropie et politiques culturelles. Son expérience, acquise notamment à travers des projets liés à la Biennale de Venise et à des institutions telles que l’université de Cambridge, l’a amenée à s’interroger sur les infrastructures économiques et culturelles qui rendent possible la production de l’art contemporain.
Au cœur de la conversation qui suit émergent des thèmes tels que le rôle de la philanthropie dans la construction des projets culturels, la responsabilité des institutions à garantir des espaces de liberté aux artistes et aux commissaires d’exposition, ainsi que la fonction sociale de l’art en tant qu’outil de connaissance et de transformation. Il en résulte une réflexion sur l’avenir des grands événements internationaux et sur les conditions nécessaires pour que la recherche, l’autonomie curatoriale et l’impact public puissent continuer à coexister au sein du système de l’art contemporain.
NC. Selon vous, la Biennale représente-t-elle encore un espace d’expérimentation culturelle authentique ou le marché exerce-t-il une influence toujours plus grande sur les choix artistiques ?
AD. La Biennale de Venise a toujours été un lieu profondément politique. Elle l’est depuis ses origines, comme en témoigne d’ailleurs sa structure, fondée sur les pavillons nationaux, qui reflètent inévitablement les dynamiques géopolitiques et culturelles. En même temps, elle reste l’un des contextes les plus significatifs pour l’expérimentation artistique internationale, capable de donner de la visibilité à de nouvelles recherches et perspectives. Bien sûr, la question de l’accès reste ouverte : qui a la possibilité d’exposer, qui peut être présent, qui parvient à voir les œuvres, quels projets bénéficient d’une visibilité et quelles dynamiques influencent leur diffusion. C’est une question complexe, qui ne concerne pas seulement le marché, mais plus généralement les conditions dans lesquelles la culture est produite, soutenue et rendue publique. C’est pourquoi je pense qu’il est important d’observer la Biennale de Venise au sein d’un panorama international plus vaste. Ces dernières années, des manifestations telles que la Biennale de Sharjah et la Biennale de Sydney ont développé différentes formes de production culturelle, de commande et de relation avec les territoires, montrant ainsi qu’une biennale peut être non seulement un événement d’exposition, mais aussi une infrastructure de recherche, de production et de dialogue international. La Biennale de Venise reste une référence incontournable, mais il est aujourd’hui encore plus intéressant de l’appréhender en relation avec ces expériences, qui élargissent le panorama de l’art contemporain. Chaque biennale comporte une dimension politique et des dynamiques inévitables de visibilité ; cela n’empêche pas qu’elle puisse continuer à être un lieu d’échange et d’expérimentation.
Selon vous, quel rôle les commissaires d’exposition et les institutions culturelles peuvent-ils jouer pour maintenir vivante l’expérimentation artistique au sein de la Biennale de Venise ?
Nous revenons ici à un point central. Aujourd’hui, la séparation entre production culturelle et soutien est de moins en moins nette. Ce que nous appelons la philanthropie, ou plus généralement le soutien, contribue directement à la construction du sens. D’une certaine manière, cela devient co-auteur du contenu. Il existe une contradiction dans le système de l’art contemporain : nous demandons sans cesse aux artistes de surprendre, mais nous créons souvent des contextes dans lesquels tout doit être déjà prévu et validé. La véritable expérimentation exige au contraire la capacité d’accepter l’incertitude, le risque et même l’imprévu. C’est précisément là que le rôle des commissaires et des institutions devient fondamental : créer les conditions permettant aux artistes et aux commissaires de prendre le risque de l’expérimentation, même lorsque celle-ci ne produit pas de résultats immédiatement reconnaissables ou facilement assimilables. Dans un contexte tel que celui de la Biennale de Venise, où interviennent de multiples formes de soutien et de visibilité, la responsabilité du commissaire consiste également à préserver un espace de liberté critique et d’expérimentation.
Vous avez évoqué la philanthropie : dans votre rôle de présidente de l’ERA – Eco Ricerca Arte, dans quelle mesure est-il important d’intégrer des thèmes sociaux et inclusifs dans des contextes internationaux ?
Je crois que le rôle de l’art est fondamental. Pour ma génération, qui a grandi en Roumanie pendant la période post-communiste, l’accès à la culture était souvent médiatisé par les institutions, mais l’art représentait néanmoins l’un des outils les plus importants pour découvrir le monde. Au-delà de sa dimension esthétique, il a toujours été une forme de savoir, de changement et d’espoir. L’art possède une forte capacité à transformer la société. L’histoire en témoigne, du mécénat de la Renaissance aux stratégies culturelles contemporaines, mais aussi la manière dont de nombreux pays investissent aujourd’hui dans la culture en tant qu’outil éducatif, diplomatique et de construction identitaire. C’est précisément pour cette raison qu’il n’est jamais neutre : il engendre des visions, influence le débat public et contribue à redéfinir la manière dont une communauté se perçoit. Dans le travail que nous menons avec ERA, notamment dans des contextes internationaux tels que la Biennale de Venise, nous cherchons à créer des modèles dans lesquels l’art, la recherche et la communauté puissent dialoguer. Cela signifie également contribuer à mettre en relation les institutions, les mécènes et les communautés locales et internationales, afin que le soutien culturel puisse générer un impact réel et durable. C’est un équilibre qui doit être sans cesse renégocié et repensé, car ce n’est qu’ainsi que l’art peut conserver sa capacité à avoir un impact réel sur la société.
Pouvez-vous nous parler de votre travail de commissaire d’exposition, qui se partage entre recherche et philanthropie culturelle ?
Mon travail se situe à la croisée de la recherche historico-artistique, de la pratique de commissariat d’exposition et de la conception culturelle. J’interviens dans le domaine de l’art des XXe et XXIe siècles en développant des projets interdisciplinaires qui établissent des liens entre l’art, la recherche, les institutions et la société. Mon parcours trouve son origine dans la recherche, mais aussi dans la prise de conscience que tout projet culturel dépend d’un système de soutien économique. Ceux qui financent la culture contribuent inévitablement à déterminer ce qui est produit, raconté et rendu visible. C’est une dynamique qui existe depuis toujours, du mécénat de la Renaissance aux grandes institutions contemporaines, mais aujourd’hui, nous pouvons en analyser les mécanismes avec une conscience critique accrue. Ma formation d’historienne de l’art et ma pratique de commissaire d’exposition m’ont amenée à m’interroger non seulement sur les œuvres, les artistes et leurs contextes de production, mais aussi sur les structures culturelles, institutionnelles et économiques qui déterminent leur possibilité d’existence, de circulation et de réception. C’est pourquoi ma pratique de commissaire d’exposition se concentre également sur le rôle de la philanthropie et sur la manière dont les systèmes de soutien participent à la construction de la production culturelle. Dans cette perspective, je m’intéresse à l’exploration de la relation entre soutien et production culturelle, notamment à travers le concept de « curated philanthropy », comme outil permettant de mener une réflexion critique sur le rôle que les systèmes de soutien jouent dans la construction du projet culturel. Je m’intéresse à la manière dont l’intelligence culturelle opère sous pression et redéfinit ses propres conditions d’existence : les infrastructures qui rendent la culture possible ne lui sont pas extérieures, mais font partie de sa propre grammaire. Parallèlement, j’ai toujours cherché à développer des projets ayant un impact social concret. Depuis 2021, par le biais d’ERA (Eco Ricerca Arte – l’association à but non lucratif que je dirige avec Filippo Perissinotto), nous avons lancé des initiatives dédiées aux communautés fragiles, comme Bloom, un programme interdisciplinaire développé par ERA qui utilise l’art comme outil de recherche, de bien-être et de participation, et qui peut être adapté à différents contextes. La première édition s’est déroulée entre 2022 et 2024 à l’Istituto della Pietà de Venise, impliquant les résidents de l’établissement à travers des parcours mêlant art contemporain, nutrition, recherche scientifique et activités développées en dialogue avec des institutions culturelles vénitiennes telles que la Collection Peggy Guggenheim, les Galeries de l’Académie et Ca’ Pesaro. Ces dernières années, ce travail a également donné lieu à des colloques et à des rencontres internationales consacrés à la relation entre l’art, la philanthropie et l’autonomie curatoriale, dont le plus récent, en mai de cette année, « The Future of Art Philanthropy », organisé en collaboration avec Denis Maksimov, avec ERA parmi les partenaires, ainsi que l’IKT – International Association of Curators of Contemporary Art et Deloitte. Ce colloque a réuni des conservateurs, des institutions culturelles, des fondations et des philanthropes internationaux, avec la participation, entre autres, de Suheyla Takesh (Barjeel Art Foundation), Lekha Poddar (Devi Art Foundation), Rajeeb Samdani (Samdani Art Foundation) et Vladimir Yavachev (Fondation Christo et Jeanne-Claude). Ces rencontres naissent de la volonté de comprendre comment mettre en place des modèles de soutien garantissant une plus grande liberté culturelle et un impact positif sur la société, sans renoncer à l’indépendance critique.
Comment situeriez-vous votre travail au sein du monde de l’art ?
Je m’inscris dans une pratique curatoriale multidisciplinaire, qui met en relation la production artistique, la conception institutionnelle et les stratégies éducatives à travers des collaborations avec des institutions, des fondations et des organisations internationales. Mon travail consiste à créer des liens entre l’art, la recherche et d’autres domaines spécialisés, dans le but de générer de nouvelles formes de connaissance. Un exemple concret est un projet développé à l’université de Cambridge en 2025, né de la volonté de repenser le rôle d’un espace d’exposition universitaire et de construire de nouvelles formes de collaboration entre les institutions culturelles, la recherche et la philanthropie. En collaboration avec Elisa Schaar, nous avons travaillé sur le thème de la relation entre le paysage, les états d’esprit et la santé mentale, en associant des neuroscientifiques, des historiens de l’art et différents départements de l’université. Au cours du projet, nous avons collaboré avec des artistes tels qu’Ai Weiwei, Zheng Bo et Alice Visentin, tandis que le parcours d’exposition a réuni, entre autres, Edvard Munch, Etel Adnan, Yto Barrada et Patricia Domínguez. La recherche préliminaire, étayée par l’analyse des données relatives à la communauté étudiante et au territoire, a guidé tant la sélection des artistes que le programme public, qui comprenait une exposition, des rencontres et des tables rondes. Cette même méthode caractérise d’autres projets, comme celui réalisé en collaboration avec ERA à Bucarest en 2025 avec l’artiste roumaine Victoria Zidaru, en partenariat avec les galeries Nicodim et Suprainfinit, et récompensé en Roumanie comme meilleur projet de l’année. Dans ce cas également, la recherche, la collaboration avec les communautés locales et l’impact social ont constitué les éléments centraux. Plus que d’organiser des expositions, ce qui m’intéresse, c’est de construire des écosystèmes dans lesquels les disciplines, les institutions et les communautés puissent développer de nouvelles formes de collaboration, capables de générer de la valeur culturelle et sociale.
L'auteur de cet article: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.
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