¿Se puede interpretar la Bienal de Venecia también como una relación entre la experimentación artística, el mercado y los sistemas de apoyo a la cultura? Eso es lo que intenta hacer la comisaria Adina Drinceanu en esta entrevista con Noemi Capoccia, en la que propone una lectura del evento que va más allá de la dimensión expositiva. Adina Drinceanu es comisaria e investigadora, con una trayectoria que entrelaza el arte contemporáneo, la investigación histórica, la programación cultural y las estrategias institucionales. Fundadora y presidenta de ERA – Eco Ricerca Arte, una organización sin ánimo de lucro dedicada a utilizar el arte como herramienta de inclusión y transformación social, ha colaborado con instituciones culturales, fundaciones y universidades internacionales, complementando su labor curatorial con una reflexión sobre la relación entre la producción artística, la filantropía y las políticas culturales. Su experiencia, adquirida también a través de proyectos relacionados con la Bienal de Venecia y con instituciones como la Universidad de Cambridge, la ha llevado a cuestionarse las infraestructuras económicas y culturales que hacen posible la producción del arte contemporáneo.
En el centro de la conversación que sigue surgen temas como el papel de la filantropía en la construcción de proyectos culturales, la responsabilidad de las instituciones a la hora de garantizar espacios de libertad para artistas y comisarios, y la función social del arte como herramienta de conocimiento y transformación. De ello surge una reflexión sobre el futuro de los grandes eventos internacionales y sobre las condiciones necesarias para que la investigación, la autonomía curatorial y el impacto público puedan seguir conviviendo dentro del sistema del arte contemporáneo.
NC. En su opinión, ¿sigue representando la Bienal un espacio de auténtica experimentación cultural o el mercado ejerce una influencia cada vez mayor sobre las decisiones artísticas?
AD. La Bienal de Venecia siempre ha sido un lugar profundamente político. Lo es desde sus orígenes y así lo demuestra también su estructura, basada en los pabellones nacionales, que reflejan inevitablemente dinámicas geopolíticas y culturales. Al mismo tiempo, sigue siendo uno de los contextos más significativos para la experimentación artística internacional, capaz de dar visibilidad a nuevas investigaciones y perspectivas. Por supuesto, queda abierta la cuestión del acceso: quién tiene la posibilidad de exponer, quién puede estar presente, quién consigue ver las obras, qué proyectos obtienen visibilidad y qué dinámicas influyen en su difusión. Se trata de una cuestión compleja, que no solo atañe al mercado, sino, de manera más general, a las condiciones en las que se produce, se sustenta y se difunde la cultura. Por eso creo que es importante observar la Bienal de Venecia dentro de un panorama internacional más amplio. En los últimos años, eventos como, por ejemplo, la Bienal de Sharjah y la Bienal de Sídney han desarrollado diferentes formas de producción cultural, de encargos y de relación con los territorios, demostrando cómo una bienal puede ser no solo un evento expositivo, sino también una infraestructura de investigación, producción y debate internacional. La Bienal de Venecia sigue siendo un punto de referencia ineludible, pero hoy en día resulta aún más interesante interpretarla en relación con estas experiencias, que están ampliando el panorama del arte contemporáneo. Cada bienal conlleva una dimensión política e inevitables dinámicas de visibilidad; ello no impide que pueda seguir siendo un lugar de debate y experimentación.
En su opinión, ¿qué papel pueden desempeñar los comisarios y las instituciones culturales a la hora de mantener viva la experimentación artística en el seno de la Bienal de Venecia?
Aquí volvemos a un punto central. Hoy en día, la separación entre la producción cultural y el apoyo es cada vez menos clara. Lo que definimos como filantropía, o más en general como apoyo, contribuye directamente a la construcción del significado. En cierto sentido, se convierte en coautor del contenido. Existe una contradicción en el sistema del arte contemporáneo: exigimos continuamente a los artistas que sorprendan, pero a menudo creamos contextos en los que todo debe estar ya previsto y validado. La verdadera experimentación requiere, en cambio, la capacidad de aceptar la incertidumbre, el riesgo e incluso lo imprevisto. Es precisamente aquí donde el papel de los comisarios y las instituciones se vuelve fundamental: crear las condiciones para que artistas y comisarios puedan asumir el riesgo de la experimentación, incluso cuando esta no produzca resultados inmediatamente reconocibles o fácilmente asimilables. En un contexto como el de la Bienal de Venecia, donde entran en juego múltiples formas de apoyo y visibilidad, la responsabilidad curatorial consiste también en preservar un espacio de libertad crítica y de experimentación.
Ha hablado de filantropía: en su papel de presidente de ERA – Eco Ricerca Arte, ¿qué importancia tiene llevar temas sociales e inclusivos a los contextos internacionales?
Creo que el papel del arte es fundamental. Para mi generación, que creció en Rumanía en la época poscomunista, el acceso a la cultura solía estar mediado por las instituciones, pero el arte representaba, en cualquier caso, una de las herramientas más importantes para conocer el mundo. Más allá de su dimensión estética, siempre ha sido una forma de conocimiento, de cambio y de esperanza. El arte posee una gran capacidad para transformar la sociedad. Así lo demuestra la historia, desde el mecenazgo renacentista hasta las estrategias culturales contemporáneas, pero también la forma en que muchos países invierten hoy en día en la cultura como herramienta educativa, diplomática y de construcción de la identidad. Precisamente por eso nunca es neutral: genera visiones, influye en el debate público y contribuye a redefinir la forma en que una comunidad se ve a sí misma. En el trabajo que llevamos a cabo con ERA, sobre todo en contextos internacionales como la Bienal de Venecia, intentamos crear modelos en los que el arte, la investigación y la comunidad puedan dialogar. Esto también significa contribuir a establecer vínculos entre instituciones, filántropos y comunidades locales e internacionales, para que el apoyo cultural pueda generar un impacto real y duradero. Es un equilibrio que hay que negociar y replantear continuamente, porque solo así el arte puede conservar su capacidad de influir realmente en la sociedad.
¿Podría hablarnos de su labor como comisaria, que se divide entre la investigación y la filantropía cultural?
Mi trabajo se sitúa en la encrucijada entre la investigación histórico-artística, la práctica curatorial y la programación cultural. Trabajo en el ámbito del arte de los siglos XX y XXI desarrollando proyectos interdisciplinares que establecen vínculos entre el arte, la investigación, las instituciones y la sociedad. Mi trayectoria tiene su origen en la investigación, pero también en la conciencia de que todo proyecto cultural depende de un sistema de apoyo económico. Quienes financian la cultura contribuyen inevitablemente a determinar lo que se produce, se narra y se hace visible. Es una dinámica que siempre ha existido, desde el mecenazgo renacentista hasta las grandes instituciones contemporáneas, pero hoy podemos analizar sus mecanismos con mayor conciencia crítica. Mi formación como historiadora del arte y mi práctica curatorial me han llevado a cuestionarme no solo las obras, los artistas y sus contextos de producción, sino también las estructuras culturales, institucionales y económicas que determinan su posibilidad de existencia, circulación y recepción. Por este motivo, mi práctica curatorial se centra también en el papel de la filantropía y en la forma en que los sistemas de apoyo participan en la construcción de la producción cultural. Desde esta perspectiva, me interesa explorar la relación entre el apoyo y la producción cultural, también a través del concepto de «filantropía curada», como herramienta para reflexionar críticamente sobre el papel que asumen los sistemas de apoyo en la construcción del proyecto cultural. Me interesa comprender cómo opera la inteligencia cultural bajo presión y cómo redefine sus propias condiciones de existencia: las infraestructuras que hacen posible la cultura no son ajenas a ella, sino que forman parte de su propia gramática. Paralelamente, siempre he intentado desarrollar proyectos con un impacto social concreto. Desde 2021, a través de ERA (Eco Ricerca Arte, la organización sin ánimo de lucro que dirijo junto con Filippo Perissinotto), hemos puesto en marcha iniciativas dedicadas a comunidades vulnerables, como Bloom, un programa interdisciplinar desarrollado por ERA que utiliza el arte como herramienta de investigación, bienestar y participación, y que puede adaptarse a distintos contextos. La primera edición tuvo lugar entre 2022 y 2024 en el Istituto della Pietà de Venecia, en la que se involucró a los residentes del centro a través de itinerarios que entrelazaban el arte contemporáneo, la nutrición, la investigación científica y actividades desarrolladas en colaboración con instituciones culturales venecianas como la Colección Peggy Guggenheim, las Galerías de la Academia y Ca’ Pesaro. En los últimos años, este trabajo también ha dado lugar a simposios y encuentros internacionales dedicados a la relación entre el arte, la filantropía y la autonomía curatorial, entre los que destaca el más reciente, celebrado en mayo de este año, «The Future of Art Philanthropy», organizado junto con Denis Maksimov, con ERA entre los socios, junto con IKT —Asociación Internacional de Comisarios de Arte Contemporáneo— y Deloitte. El simposio reunió a comisarios, instituciones culturales, fundaciones y filántropos internacionales, con la participación, entre otros, de Suheyla Takesh (Barjeel Art Foundation), Lekha Poddar (Devi Art Foundation), Rajeeb Samdani (Samdani Art Foundation) y Vladimir Yavachev (Christo and Jeanne-Claude Foundation). Estos encuentros surgen del deseo de comprender cómo construir modelos de apoyo que garanticen una mayor libertad cultural y un impacto positivo en la sociedad, sin renunciar a la independencia crítica.
¿Cómo situaría su trabajo dentro del mundo del arte?
Me identifico con una práctica curatorial multidisciplinar, que establece vínculos entre la producción artística, el diseño institucional y las estrategias educativas a través de colaboraciones con instituciones, fundaciones y organizaciones internacionales. Mi trabajo se desarrolla creando conexiones entre el arte, la investigación y otros ámbitos especializados, con el objetivo de generar nuevas formas de conocimiento. Un ejemplo concreto es un proyecto desarrollado en la Universidad de Cambridge en 2025, surgido de la voluntad de replantear el papel de un espacio expositivo universitario y de construir nuevas formas de colaboración entre instituciones culturales, la investigación y la filantropía. Junto con Elisa Schaar, hemos trabajado en el tema de la relación entre el paisaje, los estados mentales y la salud mental, con la participación de neurocientíficos, historiadores del arte y diversos departamentos de la universidad. A lo largo del proyecto colaboramos con artistas como Ai Weiwei, Zheng Bo y Alice Visentin, mientras que el recorrido expositivo reunió, entre otros, a Edvard Munch, Etel Adnan, Yto Barrada y Patricia Domínguez. La investigación preliminar, respaldada por el análisis de datos sobre la comunidad estudiantil y el territorio, ha orientado tanto la selección de los artistas como el programa público, que ha reunido una exposición, encuentros y mesas redondas. El mismo método caracteriza otros proyectos, como el realizado junto con ERA en Bucarest en 2025 con la artista rumana Victoria Zidaru, en colaboración con las galerías Nicodim y Suprainfinit, galardonado en Rumanía como mejor proyecto del año. También en ese caso, la investigación, la colaboración con las comunidades locales y el impacto social fueron los elementos centrales. Más que organizar exposiciones, me interesa construir ecosistemas en los que las disciplinas, las instituciones y las comunidades puedan desarrollar nuevas formas de colaboración, capaces de generar valor cultural y social.
El autor de este artículo: Noemi Capoccia
Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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