波普艺术：历史、风格、艺术家

波普艺术一词源于 "流行"（popular）一词的缩写，指 20 世纪 60 年代欧美艺术家追求的一种视觉语言。与流行音乐现象一样，波普艺术针对的是新的消费社会，它在世界大战后的历史时刻传播开来，当时西方国家发现自己被美国的轨道所吸引，被经济复苏的推动力所淹没，所有这些都旨在放弃保护主义，并致力于构建一个以自由贸易为基础的体系。这是交通发展的时代，也是电影、电视和漫画的时代。

通信世界呈指数级增长，正是这一点为波普艺术的诞生创造了条件：艺术家们以审美的方式重新审视了用于快速商业广播的模式和语汇，并将其呈现给不断扩大的新受众。为了满足日益增长的需求，媒体语言和艺术语言都采用了新的手段，包括重复和序列化。因此，从凯洛格玉米片到玛丽莲-梦露，偶像被系列化了。总的来说，波普艺术恢复了新达达主义（New Dada）所特有的语言和精神中介的 运作方式，但它的诞生并没有前卫艺术的典型内涵，也没有宣言和艺术家的聚集。相反，它是一种环境，一种 不同研究路径相遇的氛围：英国的爱德华多-保罗齐（Eduardo Paolozzi，1924-2005 年，伦敦）和理查德-汉密尔顿（Richard Hamilton，1924-2011 年，伦敦）；美国的罗伊-利希滕斯坦（Roy Lichtenstein，1923-1997 年，纽约）、安迪-沃霍尔（Andy Warhol，Andrew Warhola Jr.安迪-沃霍尔（小安德鲁-沃霍尔，匹兹堡，1928 - 纽约，1987 年）、 克莱斯- 奥尔登 伯格（斯德哥尔摩，1929 - 纽约，2022 年）、罗伯特-劳申伯格（亚瑟港，1925 - 卡普蒂瓦，2008 年），以及新达达创始人之一的贾斯珀-约翰斯（奥格斯堡，1930 年）。意大利的情况也不遑多让：从米开朗基罗-皮斯托莱托（比耶拉，1933 年）到马里奥-希法诺（ 霍姆斯，1934 年 - 罗马，1998 年）、弗朗科-安杰利（罗马，1935 年 - 1988 年）和塔诺-费斯塔（罗马，1938 年 - 1988 年），罗马艺术家通过大众想象的视角重新审视自己的艺术传统。

波普艺术的起源与发展

20 世纪 50 年代的特点是普遍繁荣，这是战争悲剧之后蔓延开来的一种轻松感。出生率上升，人口增加；新的劳动力使各行各业蓬勃发展，因为它们必须满足日益大众化的需求。为此，他们进行了批量生产和广告研究，以促进商业销售：销售产品，但首先是销售产品的形象。

为此，大众传播就显得尤为重要，它既即时又迅速，能够跟上这个快速发展的新世界的步伐。从商业到运输，许多领域都普遍存在着可用性、即时性和快速性。这个令人肾上腺素飙升的世界是对本世纪上半叶所经历的最悲惨事件的回应：人们不断憧憬着进步和未来，以此来消除对刚刚过去的战争的晦暗记忆。

在战后，尽管美国的 “梦想 ”似乎越来越触手可及，但最初的流行体验却出现在英国。战争期间，美国新产品的到来激起了人们极大的好奇心。理查德-汉密尔顿（Richard Hamilton）、爱德华多-保罗齐（Eduardo Paolozzi）和彼得-布莱克 （Peter Blake ，1932 年，达特福德）等英国艺术家在 20 世纪 50 年代中期从美学角度重新提出了新产品和系列产品的形象。当时举办了一系列展览：1955 年，在伦敦当代艺术学院举办了 "人、机器与运动"展，展出了照片、蒙太奇和装置作品，展示了最新的技术发展。次年，即 1956 年 8 月，《这就是明天》在伦敦白教堂艺术馆开幕。这里展出了与艺术家和建筑师合作创作的 12 个展厅。这次展览标志着英国波普艺术的诞生，并为当代人在大众传媒社会中的处境确立了一个观点。

理查德-汉密尔顿（Richard Hamilton）的摄影拼贴作品包含了定义波普语言的所有元素，在这次展览中获得了巨大成功。一个摆满电器的房间，一张连环画的海报。从背景的窗户可以看到电影院和眨眼的发光海报。甚至还能读出 "流行 "一词。这幅拼贴画的名字叫《究竟是什么让今天的家居如此与众不同，如此吸引人？在英国，这一艺术潮流后来受到了彼得-布莱克（Peter Blake）的影响，他曾为披头士乐队的《佩珀中士》（Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band）专辑设计封面；雕塑家 艾伦-琼斯（Allen Jones，1937 年出生于南安普顿）和爱德华多-保罗齐（Eduardo Paolozzi ）的工业材料也对这一艺术潮流起到了推动作用。

然而，英国波普艺术始终保持着几分怀旧情怀，立足于欧洲优秀绘画的历史传统，呈现出克制、精致的形式效果：想想画家兼布景设计师大卫-霍克尼 （David Hockney ，布拉德福德，1937 年）的风景画，与波普艺术的狂热相比，他的绘画是克制的。英国波普艺术缺乏使其明确适合大众接受的丑化效果，也就是杂志中的那种传播意图。

这种艺术意愿在美国波普艺术中得到了爆发：在美国，大众艺术找到了肥沃的土壤，在那里，可供大规模消费的产品已经开始流通。大众传媒和广告让公众习惯了一种随时随地、唾手可得的观念。这种想法极具诱惑力，同时对日益壮大的中产阶级具有说服力。这种创造和准备的层面吸引了大批民众，在经历了多年的抽象和非正式艺术以及前卫艺术之后，促进了对实用、功能性和具体物品的回归，出售的不仅是物品，还有物质稳定和安全的理念。

20 世纪 60 年代，美国艺术对新的大众文化做出了回应，创造了令人放心的商品、图像和标志，能够满足大量观众和消费者的需求。它希望满足大众中的每一个人，承诺一种个人充实和成功的理念：人们想到了艺术家安迪- 沃霍尔，想到了他的那句名言 “在未来，每个人都将在世界上成名十五分钟”（1968 年）。1962 年是美国波普艺术的关键一年：举办了多场个展，展出了后来成为波普艺术代表的伟大艺术家的作品。西德尼-杰尼斯举办了"新现实主义者"展览，纽约现代艺术博物馆举办了波普艺术研讨会。这些活动表明美国的艺术态度发生了转变，从杰克逊-波洛克的抽象表现主义转向了大众化和纪念碑式的广告图标。因此，汤姆- 韦塞尔曼（Tom Wesselmann，辛辛那提，1931 年 - 纽约，2004 年）的家庭生活剪影和罗伊-利希滕斯坦的漫画世界引起了意大利裔美国艺术商人利奥-卡斯特利的极大兴趣。

意大利在这一艺术运动的形成过程中也发挥了自己的作用，由于多种原因而成为一个特殊的案例。在波普艺术兴起之时，半岛正经历着经济繁荣，在电器产品的诞生和高速公路的建设之间，见证了需求和消费的飞速增长。在1964 年的威尼斯双年展上，意大利艺术界迎来了波普艺术和新达达主义的主角：罗伯特-劳申伯格在这一年赢得了国际绘画大奖，从而确认了美国波普艺术在欧洲的地位，并将这种艺术研究带到了意大利，因为其他意大利艺术家，如马里奥-希法诺、佛朗哥-安杰利和塔诺-费斯塔也参加了展览。

这些艺术家的美学完全可以追溯到波普艺术注册自动送198元彩金：与此同时，这种注册自动送198元彩金也充满了当地的品味，从未放弃意大利的艺术传统。在弗朗哥-安杰利（Franco Angeli）的《La lupa di Roma》（1961 年）、马里奥-希法诺（Mario Schifano）的《Futurismo rivisitato》（1965 年）或《Michelangelo secondo Tano Festa》（1966 年）中，总是能看到未来主义、形而上学和对过去作品的反思。正如塔诺-费斯塔自己所指出的："我为美国人感到遗憾，因为他们身后的历史太少了，但对于罗马艺术家来说，更重要的是，他就住在离梵蒂冈城墙咫尺之遥的地方，受欢迎的是西斯廷教堂，这是意大利制造的真正标志"。一般来说，波普艺术家致力于构建一个图像和符号系统，并将其编入流行的想象之中。在他们的作品中，他们并没有对消费社会采取论战的态度：相反，波普艺术以消费社会为基础，从而使人们意识到文化和传播领域正在发生的巨大变化，并促使人们思考这些发展是如何影响当代人的生活的。

波普艺术的主要代表人物

如上所述，波普艺术并不是一场有组织的运动，而是一种艺术氛围 ，甚至不同的艺术家都发现自己在其中工作。1952 年春， 爱德华多-保罗齐（Eduardo Paolozzi）在英国当代艺术研究所的一次会议上展示了他的拼贴画。保罗齐从 1947 年开始创作，他将广告报纸、杂志和连环画的剪报拼贴在一起，将其作为一个有待分析的信息剧目，这些信息大多来自美国。例如，在《我曾是有钱人的玩物》中，出现了著名的标志和交通工具图像，这些标志构成了那些年演变的图像。在这些作品中，新的标志性图像的广告 诱惑与先锋派的影响共存：拼贴画是达达-超现实主义的，插入文字也是达达的。

英国艺术家理查德-汉密尔顿（Richard Hamilton，1922-2011 年）1956 年创作的《是什么让今天的房子如此与众不同，如此吸引人？在这幅纸质拼贴画中，流行文化名言从玛丽莲-梦露到点唱机应有尽有。作品中还出现了一个巨大的棒棒糖，上面醒目地写着“流行 ”一词。汉密尔顿用这件注定要为英国流行文化下定义的作品，创造了一份英国流行文化的清单，邀请人们反思流行文化如何走出街头，成为最普通家庭的一部分，影响着当代人的生活方式。

在绘画领域，大卫-霍克尼 （David Hockney ，1937 年）展示了英国艺术对后来成为美国波普艺术特征的爆炸性的抵制。英国绘画表达了对过去绘画传统的依恋。大卫-霍克尼（David Hockney）在 1967 年创作的《A bigger splash》中，用丙烯颜料描绘了他移居加利福尼亚后丰富多彩、无忧无虑的生活，背景平整而精确，将气氛控制在几何和无菌的环境中。其中，彼得-布莱克（Peter Blake，达特福德，1932 年）为英国波普图像的形成做出了贡献，他是披头士乐队《Sergent Pepper》 封面的作者，该封面在 1967 年成为伦敦波普艺术的标志。英国流行艺术也记录了大众文化所表达的新欲望：艾伦-琼斯（Allen Jones）通过一系列以女人-物体为主题的雕塑作品，如 1969 年的《椅子》（现藏于亚琛），探索了情色主题。

在美国，罗伊-利希滕斯坦 从漫画世界中汲取灵感，利用冷光和排版屏幕的滤镜。在《无望》（Hopeless，1963 年）中，利希滕斯坦将一幅漫画从其叙事背景中分离出来，从而再现了这幅漫画。与主人公相伴的文字失去了意义，同时也获得了普遍的意义，每个人都可以对其进行解读。利希滕斯坦利用典型连环画形式的滤镜，特别是 “颗粒 ”效果，也再现了过去艺术大师的杰作，如他在 1969 年创作的《鲁昂大教堂（一天中三个不同时间的景象）》。

安迪-沃霍尔是一位艺术家，也是美国波普艺术的代表人物。作为 20 世纪 60 年代美国的标志性人物，他改变了人们对艺术家的看法，提出了艺术家作为自己的企业家、传播者以及商业和艺术体系的一部分的可能性。沃霍尔创造了一种超脱的语言，无动于衷地记录现实：正因为如此，他成立了 "工厂"，即一家利用丝网印刷技术在画布上进行工业化生产的作品制作公司，并由沃霍尔亲自监督下的艺术家团队工作。金宝汤罐、可口可乐瓶、布里洛洗涤剂盒，甚至凯洛格公司的玉米片等标志的重复出现就是从这里开始的。沃霍尔不仅展示了这些物品的连续性，也展示了名人的连续性。

根据电影《尼亚加拉》（1953 年）之后发布的一张著名照片，沃霍尔连续复制了《玛丽莲-梦露：拍摄橙色玛丽莲》（Shot Orange Marilyn，1964 年），这是一幅丝网印刷画布作品，现存于纽约的安迪-沃霍尔基金会。对象（甚至是名人、新闻事件）通过重复的方式从叙事中抽离出来。波普艺术扩大了其传播的可能性，并最终将其出售给消费机制。

克莱斯-奥尔登伯格（Claes Oldenburg）使用新的、合成的和色彩丰富的材料，创作了大量复制日常和普通物品的作品，如 1967 年的《GiantFagends》（“巨型烟头”）。同样来自美国的艺术家乔治-西格尔（George Segal，Great Neck，1924 年 - Santa Rosa，2000 年）：他以不同的方式重新审视当代社会，从而与前几位艺术家区分开来。这位艺术家再现了三维意义上的环境。在这些环境中，他放置了石膏模型，再现了人们日常的简单姿态。他们有的在工作，有的在休息，有的在酒吧。在 1966-67 年创作的《The Moviehouse》中，一位妇女在电影院的售票亭后面从事售票员的工作。西格尔所做的是谈论匿名人物，将人们的思绪带回美国艺术家爱德华-霍珀（Edward Hopper）典型的存在主义诗学，从而追溯过去的艺术，陷入美国现实主义。

马里奥-希法诺最初受到美国艺术家约翰斯和沃霍尔的启发，并与他们一起参加了 "新现实主义者 "的集体展览。希法诺大量使用城市主义元素：广告标志、媒体图片。在 1965 至 1967 年间创作的《重访未来主义》中，艺术家找回了一张 1912 年在巴黎拍摄的未来主义艺术家的历史照片，照片中的艺术家包括路易吉-鲁索罗、卡罗-卡拉、翁贝托-博乔尼和吉诺-塞韦里尼。艺术家将这张照片重新组合，用彩色剪影镶嵌在棋盘上。

Franco Angeli 和 Schifano 一样，也关注大众图像，但转向了图标的连续重复。这一次，这些圣像不是商业产品；他更愿意关注的是确实流行但更具历史性的图像。他的主题是卡皮托利尼母狼以及锤子和镰刀。安杰利积极地重新提出了它们，“因为看到它们，就再也没有人关注它们了”。从 20 世纪 60 年代初开始，塔诺-费斯塔（Tano Festa）也有了自己的经验，他从米开朗基罗等大师的著名作品中拾取了一些片段，并利用投影图像的描摹技术制作了一组作品，即《米开朗基罗第二塔诺-费斯塔》（1966 年）。由此产生的二维效果为紧凑的草图奠定了基础，鲜艳、强烈的色彩让人联想到大众传播语言，并略带形而上学的味道。

波普艺术：历史、风格、艺术家

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