文森特-凡高（Zundert，1853 - Auvers-sur-Oise，1890）在其职业生涯中创作了数百件艺术作品，这些作品如今保存在世界各地的博物馆中：据估计，凡高创作了大约九百多幅油画和一千多幅素描。尽管我们知道凡高有大量的作品，但与人们的想象相反，他的职业生涯非常短暂：事实上，这位艺术家很晚才开始画画（他先是在古皮尔（Goupil）艺术馆当售货员，然后从 1876 年到 1880 年，他在英国当了一段时间的教师，之后回到祖国，在多德雷赫特（Dordrecht）当书商：从 1881 年起，他才全身心地投入艺术创作，尽管没有取得成功），他的抛物线从 1881 年到 1890 年去世，持续了不到十年。
他也只是在死后才得到全面认可。尽管凡高是一位受过高等教育的艺术家，这与主流的说法可能有所不同（他在古皮尔艺术馆的工作使他能够深入地学习艺术，他还有一个很好的个人图书馆），尽管他可以自豪地与当时最优秀的艺术家们交朋友（他与高更的关系是众所周知的），但他的艺术的创新范围并没有被同时代的人立即意识到。然而，梵高和高更以及其他一些艺术家一样，是第一批从根本上改变了艺术进程的艺术家，也是由于他，艺术开始关注灵魂的运动和艺术家的内在性，而不是自然或现实的外在方面。
尤其是他写给弟弟、艺术商人泰奥-凡高（Théo van Gogh，1857 年出生于祖德，1891 年出生于乌得勒支）的信，艺术家在信中倾诉了自己的梦想、抱负、研究以及困难和痛苦，这些信是了解他艺术创作动机的宝贵资料。然而，如果我们要追溯他的艺术之路，哪些作品最能帮助我们理解他的绘画呢？这是个很难选择的问题，不过，我们还是做了一个尝试，在下文中列出了15幅对开始熟悉文森特-凡高的艺术至关重要的作品，这些作品的选择涵盖了文森特-凡高的整个艺术生涯，尽管是以一种平衡的方式，即更集中于他的绘画达到最佳创新效果的时期。
这是画家已知的第一幅作品，在梵高作品总目录中标有编号 F1。1881 年 12 月 12 日寄给泰奥的一封信中也提到了这幅没有署名的画作。这幅画见证了画家的起步阶段，他的第一批作品就致力于模仿现实主义艺术风格，描绘（这也是他一生的一贯风格）他所拥有的东西，这里指的是他家中的一些物品。在这种情况下，这只不过是形式和色彩上的练习，尽管艺术家缺乏经验，但他还是解决了这个问题，成功地传达了绘画材料在一致性上的差异。然而，我们距离他成熟的艺术成果还很遥远。
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| 文森特-凡高，《有卷心菜和木屐的静物》（1881年11月至12月；布面油画，34.5 x 55厘米；阿姆斯特丹，凡高博物馆） |
Kröller-Müller 博物馆拥有世界上第二大梵高作品收藏馆（第一大收藏馆是阿姆斯特丹的梵高博物馆），其中的《林中女孩》是另一幅没有署名的作品，描绘的是海牙附近森林中的一个女孩：正是在这里，梵高进行了他的第一次户外实验，开始发展与大自然的亲密关系，这也是他艺术的另一个奠基元素（我们在杂志上也有一篇长文专门讨论这个主题）。秋天的色彩改变了森林的面貌，这个主题使文森特有机会开始表达他对大自然的感情。
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| 文森特-凡高，《林中女孩》（1882；布面油画，37 x 58.8 厘米；奥特罗，克勒勒-米勒博物馆） |
这幅作品有两个版本，都是同一时期的作品，分别保存在阿姆斯特丹的梵高博物馆和奥特罗的克勒勒-缪勒博物馆。这幅画是画家在博里纳格矿工中间度过的时期创作的，博里纳格是比利时的一个农村地区，当时几乎完全以农业为生。梵高接触到了农民仅靠土地果实为生的严酷现实，这段经历给他带来了显著的影响：他对宗教失去了希望（在成为画家之前，他曾表示希望成为一名新教牧师，这是他父亲所从事的工作：然而，在博里纳吉的经历让他彻底改变了想法），他成熟了新的政治和社会信念。他在给泰奥的一封信中写道：“一个农民，穿着鼹鼠皮衣服在田间劳作，要比周日穿着社交礼服去做弥撒更真实。同样，我认为给农民画赋予一种光滑、传统的表面是错误的。如果一幅农民画散发着熏肉、炊烟、煮熟的土豆冒出的蒸汽的味道[......]，没关系，那就是马厩的味道”。
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| 文森特-凡高，《吃土豆的人》（1885 年 4-5 月；布面油画，82 x 114 厘米；阿姆斯特丹，凡高博物馆） |
这是一幅鲜为人知的画作，但却非常有趣，因为它是纽嫩时期（1883-1885 年间画家曾在该镇逗留，长期与博里纳吉的矿工接触）的收尾作品之一，也是画家真正开始展现其才华的地方。此外，这幅作品还具有重要意义，因为它是梵高根据自己的感觉对现实进行改造的最初实例之一，而这种改造将成为他职业生涯末期绘画的基石之一。由于没有参照物，这幅西班牙油画中表现的段落还不能确定。同样，黄昏的气氛让画家再次接触到他在 17 世纪荷兰绘画中欣赏到的阴郁色调，这也是他职业生涯早期的特点。众所周知，在他晚年的作品中，他的调色板呈现出了早年画作中所没有的明亮色调。
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| 文森特-凡高，《日落风景》（1885；布面油画，35 x 43 厘米；马德里，蒂森-博内米萨博物馆） |
这是梵高第一幅直接取材于日本艺术的作品，梵高在安特卫普逗留期间（1886 年）对日本艺术进行了探索，当时他设法从港口地区的商人那里廉价购得了几幅日本版画。从与日本艺术的接触中，凡高获得了一种简化和构图自由，这将伴随他的余生（关于凡高与日本的关系的文章，请点击此处）。这幅布面油画是对江山恺斋作品的自由诠释，而江山恺斋的作品曾被转载于《巴黎插图》杂志（1886年5月4日刊）。
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| 文森特-凡高，《日本：花魁》（1887年10月-11月；布面油画，100.7 x 60.7厘米；阿姆斯特丹，凡高博物馆） |
这幅巴黎时期的油画的主角是铜质花瓶中的一株鸢尾（一种春季开花的球根植物）。这幅画受到了凡高与保罗-西涅克友谊的影响，标志着凡高艺术的又一个转折点：文森特借鉴了西涅克的点彩理论，用许多相互映衬的近点来创造蓝色背景，他对铜花瓶也是如此，从而达到了他艺术中前所未有的明亮效果。此外，曾学习过16世纪绘画的文森特在这里还使用了互补色（在这里，背景的蓝色和花朵的橙色），以达到更加明亮的效果。凡高经常画花朵，因为花朵让他有机会进行许多色彩实验。
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| 文森特-凡高，《铜花瓶中的帝王莔》（1887 年；布面油画，73.5 x 60.5 厘米；巴黎，奥赛博物馆） |
朗格卢瓦桥》是凡高阿尔时期最著名的作品之一（1888年2月，凡高搬到阿尔，目的是在 “米迪 ”的阳光下让自己的色调更明亮），这幅画与文森特不断购买和收藏的日本版画有着深厚的渊源。对凡高来说，普罗旺斯就像是 “欧洲的日本”，有了这些理想的前提，就不难理解为什么《廊桥遗梦》也采用了大胆的景色和平面的二维效果，而这正是浮世绘（日本艺术家的木刻作品）的两个典型元素。“这个国家”，文森特从普罗旺斯写给泰奥的信中写道，“在我看来和日本一样美丽，因为这里有明朗的气氛和欢乐的色彩”。从这幅画和同期的其他作品开始，凡高开始在浅色调中使用非常明亮的色彩。
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| 文森特-凡高，《朗格卢瓦桥》（1888年3月；布面油画，59 x 74厘米；奥特罗，克勒勒-米勒博物馆） |
在列举梵高的作品时，不能不提到他的肖像画，而邮差约瑟夫-鲁林的肖像画就是其中最重要的例子之一。梵高之所以想画他，是因为他的气势（画家说，他的胡子让他想起了希腊哲学家苏格拉底的胡子），以及将他们联系在一起的友谊：鲁林的肖像画有好几幅，但波士顿的那幅最为著名。朱利奥-卡洛-阿甘认为，鲁林先生的肖像是最能体现凡高艺术观的作品之一，尤其是艺术家在现实面前的角色：“他画的是邮递员鲁林先生的肖像。[......]这幅画没有社会意义：他描绘鲁林先生，不是因为他是邮递员，也不是因为他是邮递员，更不是因为他对邮递员感兴趣。[......]他既不评判现实，也不评论现实：他只能被动地接受现实，或将其变成自己的现实，用他作为画家的职业、他自身存在的材料和行为重新塑造现实。事实上，他构建了它，用色彩塑造了它：他在绿松石不透明的密度中体验布料的厚度，[......]在粉红色的冷面纱中体验肉体的透明度”。
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| 文森特-凡高，《邮差约瑟夫-鲁林》（1888 年 8 月；布面油画，81.3 x 65.4 厘米；波士顿，美术博物馆） |
文森特在阿尔的房间》已成为凡高艺术的象征之一，部分原因是它的简洁，部分原因是它对现实的改造（如墙壁上歪歪扭扭的画，背景窗户上不真实的色彩，大胆的透视预缩）是凡高艺术最后阶段的典型特征，尽管它后来达到了更高的水平。此外，这幅描绘凡高房间的画作（有几幅：已知的至少有三幅）也成为了凡高的标志性作品，因为它让我们进入了凡高的私密空间，看到了他的生活方式（在痛苦的极限），以及日常生活中陪伴他的物品。简而言之，这幅作品向我们讲述了艺术家的故事：这也是它如此著名的原因。
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| 文森特-凡高，《文森特在阿尔的房间》（1888 年 10 月；布面油画，72 x 90 厘米；阿姆斯特丹，凡高博物馆） |
这又是一幅标志性的油画，之所以为人熟知，是因为它让我们进入了1888年的阿尔，但它的重要性也因为一个鲜为人知的原因，即这是一幅从文学中获得灵感的油画：文森特实际上是在读了居伊-德-莫泊桑的著名小说《贝尔-阿米》后才画的这幅《露台》。在给泰奥的信中，文森特解释了其中的原因："《美丽的阿米》的开头描写了巴黎的星夜，林荫道上的咖啡馆灯火通明，这与我刚刚画的主题大致相同。这也是一幅不同寻常的画作，因为这是他晚年为数不多的作品之一，与其他当代作品相比，这幅画的线条变得更加舒展，而浮雕也更加工整，这表明画家必须在完全宁静的状态下完成这幅作品，而不是在紧随其后的时期。不过，艺术家仍在继续使用某些元素，如浮雕中的凹陷和厚重的笔触，从而使这幅画更加突出。
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| 文森特-凡高，阿尔论坛广场傍晚的露台咖啡馆（1888年9月16日；布面油画，80.7 x 65.3厘米；奥特罗，克勒勒-米勒博物馆） |
凡高在巴黎和阿尔期间都画过向日葵：在巴黎，向日葵是剪下来的，而在阿尔，画家总是把向日葵插在花瓶里。巴黎的向日葵已知有四个版本，而阿尔的向日葵已知有七个版本（其中一个版本，即在日本的版本，在第二次世界大战美军空袭时被毁坏）。这些向日葵是梵高最著名的作品之一，因为它们进一步成为了梵高艺术的标志：向日葵对梵高来说是南方光明的象征，正因为如此，向日葵成为了他艺术的一部分。此外，向日葵还因为它的颜色而被选中（凡高喜欢黄色，因此这朵花给了他尝试各种色调的机会）：就像他的花卉静物画一样，花朵成了他研究色彩的 “借口”。
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| 文森特-凡高，《向日葵》（1888年；布面油画，91 x 72厘米；慕尼黑，新绘画陈列馆） |
这幅作品是艺术家在普罗旺斯圣雷米精神病院治疗精神病期间创作的最早作品之一，这是他职业生涯中最艰难、最痛苦的时期，但也是他的艺术达到新高度的时期。这是著名的普罗旺斯圣雷米村夜景，由艺术家......按照他自己的想法绘制。这是一幅令人回味无穷的作品，它所表现的并不是真实的景色（景色与现实的接触很少），而是一幅内心的画面。
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| 文森特-凡高，《星夜》（1889 年 6 月；布面油画，73.7 x 92.1 厘米；纽约，现代艺术博物馆） |
这幅普罗旺斯农民肖像是梵高保存在意大利公共收藏中的罕见作品之一，可能也是最重要的作品之一。在这幅作品中，我们又看到了梵高晚期的一些元素：原色和互补色的使用，非常浓密的浮雕，部分如线、部分蜿蜒的笔触，以及借鉴点彩画家的技法将短笔触并置。这幅画被认为是凡高肖像画的代表作之一，也是画家在圣雷米德普罗旺斯住院期间创作的140幅作品之一。
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| 文森特-凡高，《园丁》（1889 年 9 月；布面油画，61 x 51 厘米；罗马，国家现代和当代艺术画廊） |
梵高创作了大量自画像，1889 年在普罗旺斯圣雷米绘制的自画像可能是他职业生涯中最著名的作品。画这幅画时，画家认为自己已经从使他精神失常的疾病中恢复过来：“你会注意到，”他在给弟弟泰奥的信中写道，“我脸上的表情变得平静了，尽管我觉得目光比以前更不稳定了”。也许正是这种疏离的目光（连同摇晃起伏的背景）使这幅杰作如此著名，它揭示了一种可能仍未解决的神经衰弱症状。
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| 文森特-凡高，《园丁》（1889 年 9 月；布面油画，61 x 51 厘米；罗马，国家现代和当代艺术画廊） |
有乌鸦飞翔的麦田》一直被认为是梵高的最后一幅作品：事实并非如此，尽管这幅作品似乎属于梵高活动的极端阶段。当然，这幅画是画家最痛苦的作品之一：画家用紧张的笔触描绘大自然（小麦、天空、乌鸦），色彩极其鲜艳，构图混乱无序，这些都表明了画家在去世前几天内心的煎熬。是画家自己传达了这种悲伤的情绪，一种糟糕的心情，仿佛他感到了一种未知的邪恶的威胁。
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| 文森特-凡高，《麦田里飞翔的乌鸦》（1890 年；布面油画，50.3 x 103 厘米；阿姆斯特丹，凡高博物馆） |
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| 梵高作品：了解这位伟大艺术家的 15 幅杰作 |
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