by Gabriele Landi 27/07/2026
从童年时沉迷于搭建微缩世界，到如今对风景画的探索：德国女画家莉娜·凯勒（Lena Keller）在与加布里埃莱·兰迪（Gabriele Landi）的这次访谈中，讲述了她与风景、色彩、感知之间的关系，以及绘画在数字时代所扮演的角色。 以及绘画将如何继续改变我们的视角。
莉娜·凯勒（海德堡，1980年）属于在从模拟时代向数字时代过渡中成长起来的一代艺术家，但她的绘画却超越了任何技术层面的简化。 在她作品中，风景绝非供人观赏的景致，而是一种文化媒介，借此审视我们与自然、记忆及感知之间的关系。 凯勒的艺术探索游走于抽象与具象之间，其中色彩扮演着核心角色，它能先于语言，并引发即时的情感共鸣。 她的艺术实践将风景画视为一个绘画领域，该领域受到当前社会生态条件以及数字图像文化影响的塑造。她的油画作品植根于反映社会变迁的历史画种，以一种紧迫感与沉静的反思回应着当下。 凯勒目前在慕尼黑附近生活和工作，她通过变异与转化过程来发展自己的作品，在此过程中，图像与参照物逐渐丧失等级关系，并融合成一种新的绘画现实。 其作品固有的多义性为观众提供了参照自身经验领域的切入点。 他的作品曾荣获多项奖项，并在国际上的博物馆、画廊和艺术博览会上展出，包括慕尼黑现代美术馆（Pinakothek der Moderne）和富尔斯滕费尔德布鲁克艺术馆（Museum Kunsthaus）。 他曾在LSS画廊（纽约）、Bayasli画廊（巴黎）、Kornfeld画廊（柏林）和Heckenhauer画廊（慕尼黑）举办过个展。 其作品被多家公共收藏机构收藏，包括德国联邦议院艺术收藏馆（柏林）和慕尼黑国家版画收藏馆。 在与加布里埃莱·兰迪的这次对话中，艺术家回顾了自己的艺术成长历程，反思了风景在当代艺术中的意义，并讲述了自己的创作实践——这种实践不追求单一的信息传达，而是邀请观众审视自己生活和观察世界的方式。
GL. 对大多数艺术家而言，童年是黄金时期，那时对艺术的最初兴趣开始显现。你也是这样吗？
LK. 我从小就喜欢画画、素描和制作各种小物件。我热衷于用植物碎片、木头、纸张、石头和铁丝搭建微缩世界。上学后，我的笔记本里总是画满了画。 父母经常带我们去有趣的地方：比如，我记得在比利时艺术家彼得·霍迪亚蒙特的工作室里与他见面，在吉维尼的花园里散步，以及参观达利在卡达克斯的故居等。
你有没有过一段最初的艺术挚爱？
童年时期第一件让我深受震撼的作品是莱昂纳多·达·芬奇的《戴貂皮的贵妇》，当时我在一位同学家里看到过它的复制品。 这幅画让我既困惑又着迷。画中那位贵妇的形象，凭借那些几乎难以察觉的笔触，在我看来几乎像照片一样逼真，尽管它显然属于一个遥远的时代。后来，在泰特美术馆，我看到了理查德·汉密尔顿的《我梦想着一个黑色的圣诞节》。 比起主题本身，那些部分被隐藏的创作手法更激起了我的好奇心。那是我第一次开始思考绘画在多媒体时代所扮演的角色。
你学的是什么专业？
2022年，我在慕尼黑美术学院（Akademie der Bildenden Künste）完成了为期六年的美术/绘画专业学习，以“Meisterschülerin”（硕士生）的身份毕业。
在你的求学过程中有过重要的际遇吗？
在求学期间，我有幸结识了一位收藏家，他注意到了我的作品。他的鼓励帮助我克服了对自己作品过于苛刻的评判倾向。如今，这种怀疑正日益成为我成长的动力。
你的创作风格随着时间推移发生了怎样的演变？
我的早期作品以抽象为主，这或许是因为我当时不愿或无法明确界定自己的艺术立场。目前，我的绘画处于抽象与具象的交界处，我发现这个领域既充满启发性，又富有创造力。
你所绘制的图像源自何处？
创作一件作品的最初冲动，往往源于周围环境中某处视觉印象，这种印象会在更深层、更直觉的层面引起共鸣。
你对“自然”有怎样的理解？
亚历山大·克鲁格（Alexander Kluge）曾撰写过一篇关于我们与自然关系的散文，我非常喜爱。文章标题为《细胞的渴望》（Die Sehnsucht der Zellen）。克鲁格将“渴望”视为生命形成的基本原则。 人类的渴望或许源于对与自然融为一体的失落状态的一种潜意识记忆，这种记忆在进化历程中被身体所保存。我喜欢这种观点，它塑造了我作为个人和艺术家与自然互动的方式。
风景是绘画中一个有着悠久传统的主题，在你的作品中也经常出现。你是如何处理这个主题的？
风景并非客观实体；它是一种文化视角，而非对世界的中立观照。 试想一下，例如荷兰黄金时代那些经过细致观察、注重透视的风景画。它们与许多中东艺术传统中对自然的象征性、装饰性处理截然不同。 风景是社会通过经验、构图和表现所创造的图像。这种观念受到当时社会条件和环境现实的影响。我关注风景作为一种感知模式，将其置于我们当下与自然关系的大背景下。 其中涉及哪些问题，又如何影响我们？我的思考围绕着环境压力、我们与自然的疏离，以及技术如何影响我们当今对自然的感知、记忆和概念构建。
你对绘画性方面感兴趣吗？
我的创作主题并非对现实的直接再现。 我试图唤起人们对某种意象的视觉体验，并以细腻而敏锐的方式，勾勒出其内在的张力与悖论。对我而言，绘画最伟大的能力在于能够传达那些超越语言表达的微妙之处和情感层次。
技术层面在你的创作中有多重要？
我属于在从模拟向数字过渡时期成长起来的一代，深受这个日益碎片化且高度美学化的世界的影响。我以此为基础构建自己的绘画现实。我不将其视为限制，而是视为创作实践中富有成效的元素。
色彩在你的作品中有多重要？
在看到任何事物之前，我们首先感知到的便是色彩。它在意识思维介入之前，便直接与我们对话。尽管脑海中已有构想，但色彩仍是我绘画中最直观的元素，也是我投入最多笔墨的部分。 色彩的细微差别和色调的过渡是我画作中的关键要素，因为它们在画面中建立联系并界定边界，或者相反，以挑战视觉惯例的方式消解这些边界。
你对精神层面感兴趣吗？
倒也不尽然。我会将自己的世界观定义为不可知论。我的创作实践基础或许源于好奇心与探索精神。
对你而言，工作室——作为艺术家进行创作的物理空间——扮演着怎样的角色？
首先，它是我的工作空间。它将我与外界隔绝，让我能够集中精力。我可以在这里为作品留出空间，从不同角度或以超然的视角观察它们，并理解作品之间是如何相互关联的。 我的工作室是我的避风港，在这里，我能将自己的想法和作品从外界的压力与评判中保护起来，直到它们准备就绪。
当你开始创作一件作品时，是否已经对它的创作过程有了清晰的构想，还是在创作过程中仍有调整的余地？
我从一堆草图、文字和照片中汲取灵感，这些素材既有现成的，也有我自己拍摄的。 在开始作画之前，我会进行大量准备性研究——无论是纸质还是数字形式——以此将我的想法具象化。一旦开始作画，创作过程会变得更加开放，但始终由一个清晰的底层构想所引导。
偶然性和意外因素在你的创作中扮演什么角色？
我与自己的直觉有着紧密的联系。但这并不意味着我是凭直觉作画。追求一幅画作的构想需要专注和毅力。 偶然性和意外情况是这种艺术媒介的特征，它们为创作过程增添了多样性，但我不会主动鼓励它们。当它们发生时，会带来启发，并常常推动画作突破其界限。
你是分批创作，每次专注于一幅画，还是同时创作多幅作品？
我并不按系列创作，而是由于颜料干燥的时间限制，不得不同时处理多幅画作。这往往会形成一些彼此之间隐约相关的作品群。 对我来说，这些作品群是开放式的组合，而我认为系列作品则是主题固定、结构更为僵化的形式，对我个人的创作方式而言过于拘束。
你希望与面对你作品的观众建立怎样的对话？
我并不感兴趣于传达某种预设的信息或叙事。相反，我希望创造一个空间，让观众能够反思自己与世界及其挑战之间的关系。我相信绘画有着自己的语言，它通过图像和创作过程传递感官信息。
有些艺术家将自己置于创作的边缘，另一些——如表演艺术家——则常处于创作的核心；还有些人从高处或低处审视自己的作品，或者反之……你对自己所做的事持何种立场？
作品源于我的视角，源于我感知世界的方式。绘画让我能够进出这种体验，既身临其中，又能同时进行观察。从这个意义上说，我处于一种不断变化的位置：既参与其中，又作为旁观者。
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