佛朗哥-瓦卡利，在博尔扎诺展出的伟大环境选集

博尔扎诺博物馆（Museion）为弗朗科-瓦卡利（Franco Vaccari，摩德纳，1936 - 2025 年）举办了题为 "反馈"（Feedback）的大型展览。该展览将于 2026 年 3 月 28 日至 9 月 13 日向公众开放。这一举措意义重大，因为它恰逢这位摩德纳艺术家诞辰 90 周年，也是他于 2025 年 12 月逝世后的首次作品展示。展览项目以一种前所未有的特殊方式重点关注环境，环境被认为是他整个艺术创作的基础和奠基元素。通过丰富的摄影作品、电影、艺术家书籍和档案文件，展览旨在还原这位对二战后意大利艺术和国际概念研究产生深远影响的人物的复杂性。

佛朗哥-瓦卡利 1936 年出生于摩德纳，尽管事业遍布全球，但他一生都与家乡保持着密切的联系。他曾接受科学教育，最终在米兰理工学院获得物理学学位，这为他的艺术创作提供了逻辑基础。20 世纪 60 年代末，他通过视觉诗歌和动词视觉研究进入艺术界，与阿德里亚诺-斯帕托拉（Adriano Spatola）等人合作，并参加了在菲乌马尔博举行的Parole sui Muri等集体活动。然而，1969 年瓦卡里确定了他的理论和实践标志："实时展览"。这一概念要求克服艺术作品作为静态和成品的特性，将其转化为一种装置，只有通过参观者的直接参与才能激活和成形，参观者也因此成为意义的积极推动者和生产者。

在 20 世纪 70 年代末发表的两篇论文《杜尚与作品的隐藏》和《摄影与技术无意识》中，瓦卡利的理论得到了基本的系统化。在这两篇文章中，艺术家反思了摒弃制作者的手工性，转而追求理念和过程的必要性，这一立场使他与马塞尔-杜尚（Marcel Duchamp）和约翰-凯奇（John Cage）走得很近。技术无意识 "一词描述的是技术工具（如照相机）不以人的意志和视觉条件为转移记录现实的能力，它揭示了存在的各个方面，而这些方面在其他情况下是不为人知的。这一愿景将摄影从简单的模仿表现工具转变为存在的实物证据，是艺术家整个职业生涯的存在痕迹。

博物馆的展览路线由Fosbury Architecture 精心设计，并不按时间顺序排列，而是以主题为核心，贯穿建筑的三层和四层。布局的目的是利用废旧材料和临时建筑，让每个房间都有一种生活体验的感觉，而不仅仅是历史文献。在博物馆入口处，参观者就能看到 2007 年的实时展览 38 号作品《生物质》，该作品由一个与终端相连的平台组成。这个装置不是计算人数，而是测量进入博物馆的有机体的总重量，将公众转化为一个集体生物数据，使参与者的身体存在从一开始就清晰可见。

在建筑的三层，展览路线侧重于更加私密、个体和感知的层面，通常与对黑暗作为一种感官和心理状态的探索有关。其中最重要的作品是 1968 年的《黑暗雕塑》，参观者被邀请沉浸在一个完全没有光线的房间里。在这种感官剥夺的状态下，感知从视觉转移到触觉和听觉，迫使人们对自己的身体产生一种缓慢的内在体验。和现在一样，参观者可以在进入之前用泡沫橡胶包裹自己，以保护自己免受内部悬浮的充满空气的塑料袋的撞击，体验一种刺激新的意识模式的迷失。类似的主题还出现在 1987 年的 " Ambiente grigio multiuso“中，这是一个自支撑结构，最初是为摩德纳的 ”Palazzina dei Giardini "设计的。这件作品旨在通过不同寻常的仪器，如宇宙射线盖革计数器、空间测量激光器、针孔和单向镜等，扩大参观者的感官能力。

1975 年，瓦卡利在布雷西亚的卡维利尼画廊（Galleria Cavellini）实施了一项干预措施："梦 1 号"（Sogni n. 1，Dreams No.当时的环境是一个昏暗的房间，木制平台上摆放着睡袋，邀请人们在展览空间过夜。 梦醒后， 梦境被转录下来，成为作品不可分割的一部分，在现实与潜意识之间展开对话。在博物馆举办的展览重新激活了这一动态，再次为公众提供了在博物馆过夜的机会，并讲述他们的夜间幻觉，与 1975 年的做梦者建立起一座时空桥梁。本部分的其他作品则是对自发创造力的研究，例如 1966-67 年的录像作品《Nei sotterranei》（《在地下》），该作品记录了在公共厕所中的书写和涂鸦，将其视为一种现成的诗歌形式，证明了人类需要在社会压迫下留下自己的痕迹。

瓦卡利诗学的一个核心概念是 " 极简旅程"，其作品重视流离失所的经历而非最终目的地。1971 年，艺术家在 Albergo Diurno Cobianchi 创作了《Viaggio per un trattamento completo》，收集了在米兰接受各种美容和卫生治疗的门票。其他作品还包括在前往格拉茨的旅途中对卡车后部的摄影记录，以及从卡尔皮到费拉拉的步行路线，在此期间，瓦卡利向展览地点寄送了宝丽来明信片。这些行动展示了日常生活和空间运动如何实时转化为作品。这部分还包括 1973 年的《致敬》（Homages of 1973），其中瓦卡利向一位制造机械管弦乐队的工匠描述了著名艺术家，以便复制他们的肖像。该实验旨在观察一个人的形象在经过属于不同文化领域的人的无意识过滤后会发生怎样的变化。

来到四楼，瓦卡利的研究转向了社会互动、集体行为和对公共空间的占用。这里重现了艺术家在1972 年威尼斯双年展上展出的最著名的作品：实时展览第 4 号，在这些墙壁上留下你经过的照片痕迹。当时，瓦卡利设置了一个照相亭，用四种语言邀请人们拍摄肖像并张贴在大厅的墙壁上。活动结束时，墙壁上贴满了六千多张照片，形成了一个巨大的人类存在档案，展示了技术自动化作为民主参与工具的力量。在博物馆里，一个当年的同类小屋依然存在，作为这一过程的纪念碑和记忆，尽管根据艺术家的意愿，它 已不再工作。

1974 年的《瞬间神话》进一步探讨了摄影作为虚拟和不稳定的另一个自我的主题。在这个双人房间里，参观者先是用宝丽来相机拍照，然后在隔壁房间里面对面地看到自己放大并投影出来的影像。这种相遇产生了一种迷失感，因为相机捕捉到的图像往往与每个人内心对自己的理想化认知相左。1972 年至 1974 年间开发的 "意大利照相馆"项目将这一研究扩展到全国范围，在意大利各地使用了七百多个照相馆。瓦卡利通过张贴海报为电影寻找新面孔，收集了成千上万张自发拍摄的肖像照，构成了当年意大利的社会学全景图。

另一幅具有重大政治和社会影响的作品是《条形码--条形码》（Bar Code - Code Bar），最初是为 1993 年威尼斯双年展创作的。艺术家再现了一个真实的酒吧，公众可以坐在里面喝咖啡，但空间里到处都是活动家西尔维娅-巴拉尔迪尼（Silvia Baraldini）的故事，她当时被关押在美国，刑期长达 43 年。参观者被邀请在一份释放她的请愿书上签名，将一个非正式的休息场所变成了一个公民参与和讨论的空间。展览标题取自 “酒吧 ”一词的双重含义，既可理解为聚会场所，也可理解为监狱中的酒吧或社会控制法则的界线。展览还记录了旨在打破人类感知惯例的视觉实验，例如《从狗的高度看摩德纳》，瓦卡利从非常低的视角拍摄城市，以摆脱人类身高的自动化；或者在怀特岛音乐节上拍摄的系列作品，取景被委托给空间自动化，而不是主体的美学选择。

佛朗哥-瓦卡利的作品在今天被证明具有惊人的现实意义，它预示了 20 世纪 90 年代艺术实践的核心主题，如关系美学。博物馆馆长巴特-范-德-海德（Bart van der Heide）强调，尽管瓦卡利的作品有时在国际批评界的讨论中黯然失色，但它却是蒂诺-塞加尔（Tino Sehgal） 或安里-萨拉（Anri Sala）等世界著名当代艺术家的必要先驱。“当我看到弗朗哥-瓦卡利的作品时，”他说，“我不可避免地会想到蒂诺-塞加尔、阿丽西亚-弗拉米斯或安丽-萨拉等艺术家。他的作品不仅主题鲜明，而且早在 20 世纪 60 年代就已经阐明了这些观点，这一点非常了不起。尽管如此，瓦卡利在国际批评界仍相对不被认可--尤其是最近对战后当代艺术史的一些重新评价。本项目试图填补这一空白，强调他的作品是如何在今天具有基础性和迫切的现实意义”。策展人 Frida Carazzato 与他的观点不谋而合："今天，面对瓦卡利漫长的职业生涯和创作方法，意味着要让人们关注当下，关注自我的过度生产和过度曝光所造成的混乱，从而推广一种为’自我短路’铺平道路的艺术。

瓦卡利的环境被理解为临时建筑和意识的激活剂，通过瓦卡利的环境，这位埃米尔艺术家重新定义了个人与集体空间之间的关系，他留下的遗产不是消极的沉思，而是行动和对自己在这个世界上的存在负责。博物馆收藏了约 20 件该艺术家的作品，并通过该项目确认了其通过社区的直接参与来加强当代遗产和促进批判性思维的承诺。

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