Franco Vaccari, la grande anthologie des environnements exposée à Bolzano

Le Museion de Bolzano a inauguré une vaste exposition institutionnelle consacrée à Franco Vaccari (Modène, 1936 - 2025), intitulée Feedback. The Environments of Franco Vaccari, organisée par Frida Carazzato et Luca Panaro, qui sera ouverte au public du 28 mars au 13 septembre 2026. Cette initiative revêt une grande importance car elle coïncide avec la 90e année de la naissance de l’artiste modénais et représente la première présentation organique de ses œuvres après sa mort en décembre 2025. Le projet d’exposition se concentre de manière spécifique et inédite sur les environnements, considérés comme des éléments fondamentaux et fondateurs de l’ensemble de sa production artistique. À travers une riche sélection d’œuvres photographiques, de films, de livres d’artiste et de documents d’archives, l’exposition vise à restituer la complexité d’une figure qui a profondément influencé l’art italien de l’après-guerre et la recherche conceptuelle internationale.

Franco Vaccari, né à Modène en 1936, a maintenu un lien étroit avec sa ville natale tout au long de sa vie, malgré une carrière internationale. Sa formation scientifique, couronnée par un diplôme de physique de l’École polytechnique de Milan, a fourni la base logique d’une approche de l’art qui renonce à l’émotivité pour se concentrer sur les processus et les structures qui sous-tendent la réalité. Il entre dans le monde de l’art à la fin des années 1960 par le biais de la poésie visuelle et de la recherche verbo-visuelle, en collaborant avec des personnalités telles qu’Adriano Spatola et en participant à des événements collectifs tels que Parole sui Muri à Fiumalbo. Mais c’est en 1969 que Vaccari définit ce qui deviendra sa marque de fabrique théorique et pratique : l’exposition en temps réel. Ce concept sanctionne le dépassement de l’œuvre d’art en tant qu’objet statique et fini, pour la transformer en un dispositif qui n’est activé et ne prend forme qu’à travers la participation directe du visiteur, qui devient ainsi un agent actif et un producteur de sens.

La théorie de Vaccari trouve une systématisation fondamentale dans deux essais publiés à la fin des années 1970, Duchamp et la dissimulation du travail et La photographie et l’inconscient technologique. Dans ces écrits, l’artiste réfléchit à la nécessité d’éliminer la manualité du fabricant au profit de l’idée et du processus, une position qui le rapproche de Marcel Duchamp et de John Cage. Le terme d’inconscient technologique décrit la capacité des outils technologiques, tels que l’appareil photo, à enregistrer la réalité indépendamment de la volonté humaine et du conditionnement visuel, révélant des aspects de l’existence qui resteraient autrement inconnus. Cette vision transforme la photographie d’un simple instrument de représentation mimétique en une preuve physique de la présence, une trace de l’être qui caractérise toute la carrière de l’artiste.

Le parcours de l’exposition au Museion, soigneusement conçu par Fosbury Architecture, ne suit pas un ordre chronologique mais se développe par noyaux thématiques à travers les troisième et quatrième étages du bâtiment. L’aménagement vise à donner à chaque pièce l’impression d’être une situation vivante à vivre plutôt qu’une simple documentation historique, en utilisant des matériaux de récupération et une architecture temporaire. Dès l’entrée du musée, le visiteur découvre l’exposition en temps réel n° 38, Biomass, une œuvre de 2007 composée d’une plateforme reliée à un terminal. Au lieu de compter le nombre de personnes, ce dispositif mesure le poids total de la masse organique qui entre dans le musée, transformant le public en une donnée biologique collective et rendant la présence physique des participants visible dès le premier instant.

Au troisième étage du bâtiment, le parcours se concentre sur une dimension plus intime, individuelle et perceptive, souvent liée à l’exploration de l’obscurité en tant que condition sensorielle et psychologique. Parmi les œuvres les plus significatives exposées, citons The Dark Sculpture de 1968, où le visiteur est invité à s’immerger dans une pièce totalement dépourvue de lumière. Dans cet état de privation sensorielle, la perception passe de la vue au toucher et à l’ouïe, obligeant à une expérience intérieure ralentie de son propre corps. Hier comme aujourd’hui, les visiteurs peuvent s’envelopper de caoutchouc mousse avant d’entrer pour se protéger d’éventuels impacts avec les sacs en plastique remplis d’air suspendus à l’intérieur, et faire l’expérience d’une désorientation qui stimule de nouveaux modes de prise de conscience. Des thèmes similaires reviennent dans Ambiente grigio multiuso de 1987, une structure autoportante conçue à l’origine pour la Palazzina dei Giardini de Modène. Cette œuvre vise à élargir la capacité sensorielle du visiteur grâce à des instruments inhabituels tels qu’un compteur Geiger pour les rayons cosmiques, un laser pour les mesures spatiales, un trou d’épingle et un miroir sans tain pour regarder sans être vu.

L’intérêt de Vaccari pour le monde onirique se manifeste dans Sogni n. 1 (Rêves n° 1), une intervention de 1975 réalisée à l’origine à Brescia, à la Galleria Cavellini. L’environnement, composé d’une pièce sombre avec des sacs de couchage disposés sur une plate-forme en bois, invitait les gens à passer la nuit dans l’espace d’exposition. Au réveil, les rêves étaient transcrits et devenaient partie intégrante de l’œuvre, dans un dialogue entre la réalité et le subconscient. L’exposition au Museion réactive cette dynamique en offrant à nouveau au public la possibilité de dormir dans le musée et de contribuer à la narration de ses visions nocturnes, créant ainsi un pont temporel avec les rêveurs de 1975. D’autres œuvres de cette section s’intéressent à la créativité spontanée, comme la vidéo Nei sotterranei (Dans le souterrain ) de 1966-67, qui documente l’écriture et les graffitis dans les toilettes publiques comme des formes de poésie trouvée, preuve du besoin humain de laisser une trace de soi contre la répression sociale.

Un aspect central de la poétique de Vaccari est le concept de voyage minimal, illustré par des œuvres qui valorisent l’expérience du déplacement plutôt que la destination finale. En 1971, avec Viaggio per un trattamento completo à l’Albergo Diurno Cobianchi, l’artiste collectionne les tickets de divers traitements de beauté et d’hygiène reçus à Milan. D’autres actions comprennent la documentation photographique de l’arrière des camions lors d’un voyage à Graz ou le parcours à pied de Carpi à Ferrare, au cours duquel Vaccari a envoyé des cartes postales en polaroïd au lieu d’exposition. Ces opérations montrent comment la vie quotidienne et le mouvement dans l’espace peuvent être transformés en œuvres en temps réel. Cette section comprend également les Homages de 1973, dans lesquels Vaccari décrit des artistes célèbres à un artisan qui fabrique des orchestres mécaniques afin qu’il puisse reproduire leur image. L’expérience visait à observer comment l’image d’une personne change lorsqu’elle est filtrée par l’inconscient d’une personne appartenant à une sphère culturelle différente.

Au quatrième étage, l’investigation de Vaccari se déplace vers les interactions sociales, les comportements collectifs et l’occupation de l’espace public. Voici une reconstitution de l’œuvre la plus célèbre de l’artiste, présentée à la Biennale de Venise de 1972: Real Time Exhibition No. 4, Leave a photographic trace of your passage on these walls (Laissez une trace photographique de votre passage sur ces murs). À cette occasion, Vaccari avait installé un photomaton et une invitation en quatre langues à se faire tirer le portrait et à l’afficher sur les murs de la salle. À la fin de l’événement, les murs étaient recouverts de plus de six mille bandes de photos, créant une immense archive de présences humaines et démontrant le pouvoir de l’automatisme technologique en tant qu’instrument de participation démocratique. Au Museion, une cabine du même type datant de l’époque reste présente en tant que monument et mémoire de ce processus, bien que, par la volonté de l’artiste, elle ne soit plus active.

Le thème de la photographie en tant qu’alter ego virtuel et déstabilisant est approfondi dans Instant Myth de 1974. Dans cette double pièce, le visiteur est d’abord photographié avec un polaroïd, puis, dans la pièce suivante, il se retrouve face à sa propre image agrandie et projetée. Cette rencontre génère un sentiment de désorientation, car l’image capturée par l’appareil photo diverge souvent de la perception interne et idéalisée que chacun a de lui-même. Le projet Photomatic d’Italia, développé entre 1972 et 1974, a étendu cette recherche à l’échelle nationale, en utilisant plus de sept cents cabines photographiques disséminées dans toute l’Italie. En collant des affiches à la recherche de nouveaux visages pour un film, Vaccari a recueilli des milliers de portraits spontanés, composant ainsi un panorama sociologique de l’Italie de ces années, marquées par le désir d’expression et l’explosion de la culture de masse.

Un autre environnement d’une grande portée politique et sociale est Bar Code - Code Bar, créé à l’origine pour la Biennale de Venise en 1993. L’artiste a recréé un véritable bar en activité où le public pouvait s’asseoir et prendre un café, mais l’espace était truffé de références à l’histoire de l’activiste Silvia Baraldini, qui était à l’époque emprisonnée aux États-Unis et condamnée à 43 ans de prison. Les visiteurs étaient invités à signer une pétition pour sa libération, transformant ainsi un lieu de repos informel en un espace d’engagement civique et de discussion. Le titre de l’exposition joue sur la double signification du terme “bar”, entendu à la fois comme lieu de rencontre et comme barre de prison ou ligne d’un code de contrôle social. L’exposition présente également des expériences visuelles visant à déstructurer les conventions perceptives humaines, comme Modène vue à hauteur de chien, où Vaccari photographie la ville depuis une perspective très basse afin de se libérer de l’automatisme de la hauteur humaine, ou la série prise au festival de l’île de Wight, où le cadrage est confié à un automatisme spatial plutôt qu’au choix esthétique d’un sujet.

L’œuvre de Franco Vaccari s’avère étonnamment actuelle aujourd’hui, anticipant des thèmes qui deviendront centraux dans la pratique artistique des années 1990, comme l’esthétique relationnelle. Le directeur du Museion, Bart van der Heide, souligne que l’œuvre de Vaccari a été un précurseur nécessaire pour des artistes contemporains de renommée mondiale tels que Tino Sehgal ou Anri Sala, même si elle a parfois été éclipsée dans le débat critique international. “Lorsque je regarde l’œuvre de Franco Vaccari, je pense inévitablement à des artistes comme Tino Sehgal, Alicia Framis ou Anri Sala. Ce qui est extraordinaire, ce n’est pas seulement la clarté avec laquelle ses œuvres anticipent leurs thèmes, mais le fait qu’il ait formulé ces idées dès les années 1960. Malgré cela, Vaccari reste relativement méconnu dans le discours critique international, en particulier par rapport à certaines réévaluations récentes de l’histoire de l’art contemporain d’après-guerre. Ce projet tente de combler ce vide, en soulignant à quel point ses œuvres sont à la fois fondamentales et urgemment pertinentes aujourd’hui”. Frida Carazzato, commissaire de l’exposition, lui fait écho : “Affronter la longue carrière et l’approche de Vaccari aujourd’hui signifie attirer l’attention sur le présent et sur la confusion qui en découle, générée par l’hyperproduction et la surexposition de l’ego, afin de promouvoir un art qui ouvre la voie au ”court-circuit de l’ego".

À travers les environnements de Vaccari, compris comme des architectures temporaires et des activateurs de conscience, l’artiste émilien a redéfini la relation entre l’espace individuel et l’espace collectif, laissant un héritage qui invite non pas à la contemplation passive, mais à l’action et à la responsabilité de l’être dans le monde. Le Museion, qui possède une vingtaine d’œuvres de l’artiste dans sa collection, confirme avec ce projet son engagement à valoriser le patrimoine contemporain et à promouvoir la pensée critique à travers l’implication directe de la communauté.

Franco Vaccari, la grande anthologie des environnements exposée à Bolzano

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