por Noemi Capoccia 23/10/2026
Categorías: Entrevistas / Descargo de responsabilidad
En un taller de Carrara, la escultora Mariaelena Mariotti, también conocida como «Mother of the Dinosaurs», esculpe dinosaurios tan realistas que parecen vivos, pero que también desafían la idea que tenemos de la ferocidad. Un recorrido en el que se dan la mano la escultura, el estudio anatómico y la sensibilidad hacia el mundo animal. Y en su ciudad sueña con un museo de historia natural. Entrevista de Noemi Capoccia.
Nacida y criada en Carrara, Mariaelena Mariotti, conocida artísticamente como Mother of the Dinosaurs, está cosechando cada vez más éxitos con sus dinosaurios realistas, unas increíbles esculturas que nacen en su taller, a los pies de los Apuanos, y que luego llegan a todos los rincones del mundo. Empezó a modelar dinosaurios cuando aún no sabía que esa pasión se convertiría en el eje central de su búsqueda artística. Desde la plastilina de la guardería hasta la arcilla del instituto de bellas artes, pasando por las grandes esculturas realizadas durante sus años en la Academia de Bellas Artes de Carrara, la relación con estas criaturas ha sido una constante, transformándose progresivamente de un juego infantil en un lenguaje capaz de fusionar escultura, anatomía, paleontología y atención por el mundo animal. Su trayectoria también pasa por el cine, donde trabajó durante dos años como ayudante de vestuario en Turín, antes de regresar a Carrara y conocer al escultor Franco Mauro Franchi, por entonces profesor de la Academia. Es precisamente allí donde Mariotti encuentra la oportunidad de medirse con las grandes dimensiones: así nace el primer velociraptor a tamaño real, seguido del tiranosaurio rex de trece metros, realizado con cera reciclada y papel maché, acurrucado bajo una manta y con el vientre en movimiento para simular la respiración.
Con el tiempo, la investigación se ha vuelto cada vez más rigurosa: desde la arcilla hasta el bronce, desde la resina hasta el poliuretano y los materiales reciclados, Mariotti ha desarrollado diversas técnicas para fabricar criaturas monumentales, estudiando su anatomía y comparándolas con hallazgos y escaneos reales. Detrás del nombre «Mother of the Dinosaurs» se esconde, pues, una investigación que parte de la maravilla por la vida prehistórica para cuestionarse cuál es nuestro lugar en el planeta. Una investigación que hoy también mira hacia el futuro, con el sueño de crear, precisamente en Carrara, un museo dedicado a la geología, la historia natural y la paleontología, donde las esculturas, los hallazgos y las actividades didácticas puedan transmitir al público una percepción diferente de la profundidad del tiempo y de la fragilidad de los ecosistemas. Mariaelena Mariotti nos lo cuenta todo en esta entrevista con Noemi Capoccia.
NC. ¿Cuándo comenzó tu relación con los dinosaurios? ¿Hubo un momento concreto en el que esa pasión de niña se transformó en una vocación artística?
MM. Tuve la suerte, al menos desde mi punto de vista, de nacer precisamente el año de *Jurassic Park*. Crecí en pleno auge de los dinosaurios, pero la pasión por estas criaturas llegó incluso antes de que pudiera ponerle nombre. Tengo recuerdos muy nítidos ya de la guardería y, desde muy pequeña, sentí pasión por los dinosaurios. En aquellos años veía sin parar«Jurassic Park», pero sobre todo los documentales de Piero Angela, que me habían regalado y que fueron fundamentales en mi formación. Aún hoy creo que, más que la película en sí, fue el «making of» de Jurassic Park lo que más me influyó: ver cómo se diseñaban y creaban los dinosaurios, partiendo de la plastilina hasta llegar a criaturas extremadamente realistas, me fascinaba profundamente. Mi familia siempre ha apoyado mi pasión, proporcionándome materiales con los que pudiera construir, modelar y dibujar. La plastilina, los LEGO y todo lo que me permitía trabajar con las manos acompañaron mi infancia y, de alguna manera, anticiparon lo que haría más adelante. Es una pasión que nunca ha tenido una interrupción real. Aún hoy, la plastilina es uno de los materiales que más utilizo. También hay un componente ligado a la memoria: su olor, al igual que el de las ceras de colores y los materiales escolares, me transporta inmediatamente a la infancia. Los dinosaurios representan, por tanto, también un elemento profundamente ligado a mi formación y a mi forma de trabajar. En los últimos años, sin embargo, ha ocurrido algo que para mí ha tenido un significado especial: he entrado en contacto con algunas de las personas que trabajaron en la creación de los dinosaurios de «Parque Jurásico». Un miembro del equipo de las dos primeras películas, que se encargaba de la robótica y, en concreto, del Dilofosaurio, se puso en contacto conmigo para conocerme y felicitarme por mi trabajo. Posteriormente, también entré en contacto con el escultor que había creado el modelo del Dilofosaurio: para mí fue un encuentro importante, porque esas personas pertenecen exactamente al mundo que había observado de niña en los documentales sobre la realización de la película. Hoy también estoy pensando en un proyecto fotográfico que recoja algunas de sus formas de trabajar y sus poses, como homenaje a esa etapa de mi formación. Cuando en 2017 realicé el Velociraptor en bronce, también le conté al hijo de Stan Winston (especialista en efectos especiales de la película) lo importante que había sido para mí el trabajo de su padre. Este es precisamente el hilo conductor que une mi infancia con la investigación que llevo a cabo hoy: no tanto el dinosaurio como tema, sino el interés por el proceso mediante el cual una imagen toma forma y se convierte en materia. A esta historia se une también mi colección de maquetas, que con los años se ha vuelto muy amplia. Tengo miles de ellos, algunos expuestos y otros conservados y catalogados. Son objetos que pertenecen a diferentes épocas de la historia de Jurassic Park y que sigo buscando y estudiando. En el fondo, esa colección es el rastro más evidente de una pasión que nació en la infancia y que, en lugar de agotarse, se ha ido transformando progresivamente en parte de mi trayectoria artística.
Naciste y vives en Carrara, una ciudad profundamente ligada a la escultura. ¿En qué medida ha influido este entorno en tu formación y en tu forma de concebir la materia?
Me encanta Carrara y creo que es una ciudad a menudo subestimada, sobre todo cuando se mira de forma superficial. Para mí siempre ha sido un cofre del tesoro, un lugar en el que seguir descubriendo cosas nuevas. De niña me llamaban especialmente la atención los grandes bloques de mármol que transportaban los camiones: esa sensación de encontrarme ante algo enormemente más grande que yo se ha mantenido y creo que ha contribuido a mi relación con la materia y con la escala de la escultura. Mi trayectoria artística no siempre ha sido fácil: en el colegio también viví momentos de aislamiento relacionados con mis aficiones, hasta el punto de dejar temporalmente a un lado mi colección de dinosaurios en un intento por encajar. Fue una etapa breve, porque me di cuenta de que no tenía sentido renunciar a lo que me representaba. La Academia de Bellas Artes de Carrara, por su parte, resultó decisiva sobre todo en el plano técnico. Allí, Franco Mauro Franchi, al ver mi book, me propuso realizar una escultura a tamaño real. De ahí surgió el primer Velociraptor, que me permitió familiarizarme con el barro, los armazones, los moldes y la fundición. Al año siguiente realicé un T-Rex, todavía muy influenciado por el imaginario de «Jurassic Park». Hoy mi enfoco de otra manera: la precisión científica se ha vuelto fundamental y estoy trabajando en nuevas esculturas a través de un estudio mucho más riguroso de la anatomía y los hallazgos fósiles. También en la Academia viví episodios de aislamiento y prejuicios, relacionados sobre todo con la idea de que había recibido privilegios o ayudas de los profesores. Fue una experiencia difícil, pero me enseñó a no dejarme condicionar por el juicio de los demás y a seguir construyendo mi trayectoria con autonomía.
¿Cómo nace una de tus esculturas, desde la idea inicial hasta la forma definitiva? ¿Qué materiales utilizas y cuánto tiempo puede llevar crear una criatura de estas dimensiones?
Los materiales han cambiado mucho con el tiempo, siguiendo también la evolución de mis necesidades. Al principio trabajaba sobre todo con arcilla y yeso; luego pasé a la resina y al bronce. El T-Rex, por ejemplo, estaba realizado con una estructura de hierro, papel maché y cera. Durante un tiempo también trabajé exclusivamente con cera, sobre todo para las esculturas más pequeñas. Posteriormente, tras una experiencia en una exposición en la que una gran escultura sufrió daños durante el transporte, empecé a reflexionar más sobre el problema del peso y la necesidad de utilizar materiales más ligeros. Así fue como descubrí el poliuretano, que se convirtió durante varios años en uno de los materiales principales de mi trabajo. Las esculturas grandes se realizaban con estructuras internas de hierro, poliuretano esculpido y resinas bicomponentes, que luego se trabajaban con cúteres, gubias y limas. Para algunas piezas también utilizo pieles sintéticas, que luego pinto, mientras que las esculturas más pequeñas se realizan mediante ensamblajes y estratificaciones de resina. Desde este año he adoptado una técnica diferente, que me permite trabajar más rápido y sin recurrir a la soldadura. Realizo plantillas de madera ya dimensionadas en función de la estructura que deben sostener, añado el hierro fijándolo y recubriéndolo con resina en los puntos necesarios y, a continuación, construyo el volumen con espuma de poliuretano y materiales reciclados, como el poliestireno procedente de los embalajes. Por último, la forma se define manualmente, como antes, y se recubre con resina. Es una técnica más rápida, ligera y fácil de transportar, pero me permite mantener el mismo control en la definición anatómica de la escultura.
¿Qué ha cambiado en tu forma de trabajar desde que empezaste a enfrentarte a la escultura de gran formato?
La mayor satisfacción no depende necesariamente del tamaño de la escultura. A veces, incluso un motivo pequeño puede adquirir una vitalidad sorprendente: cuando un ojo parece mirarte de verdad o cuando la luz y el calor del sol te dan por un instante la impresión de tener ante ti algo vivo, es una sensación difícil de explicar. Las grandes dimensiones, en cambio, producen otro tipo de emoción. Reflejan la magnificencia del animal y, de alguna manera, nos hacen percibir nuestra inferioridad frente a la vida que nos rodea. Es un sentimiento de humildad que, en mi opinión, debería caracterizar a cualquiera que se interese por la biología, la zoología o la paleontología. Cuando empiezas a enfrentarte a escalas temporales de cientos de millones de años, de hecho, también cambia la percepción de nuestra historia. Descubrir que los tiburones existen desde antes que los árboles o comprender la distancia temporal que separa a animales como el estegosaurio y el tiranosaurio nos hace, inevitablemente, relativizar nuestra presencia en el planeta. Este es uno de los aspectos que intento plasmar también a través del realismo de mis esculturas. Por supuesto, no podemos saber exactamente qué aspecto tenía un animal extinto, pero cuando reconstruyo una anatomía a partir de hallazgos y escaneos reales y luego veo cómo la luz del sol incide sobre esa forma, siento una sensación especial; es como si, por un instante, esa criatura volviera a estar iluminada tras millones de años. Es una de las partes más fascinantes de mi trabajo.
Tus dinosaurios parecen casi criaturas capaces de narrar el presente. ¿Qué significado quieres transmitir con tus obras? ¿Por qué precisamente ellos se han convertido en tu lenguaje artístico?
Uno de mis sueños es abrir un museo que combine la paleontología con mis obras, con espacios dedicados también a talleres. Me gustaría que fuera, sobre todo, un lugar de educación, capaz de transmitir una mayor conciencia de nuestra relación con el planeta. Me gustaría enseñar, sobre todo a los niños, a enfrentarse a la dimensión del tiempo geológico y a la historia de la vida en la Tierra. Los dinosaurios pueden ser una forma inmediata de acercarlos a estos temas, pero el objetivo sería hacerles comprender algo más amplio: lo recientes que somos en comparación con la historia del planeta y lo frágiles que son los equilibrios de los ecosistemas. Creo que a menudo tenemos una percepción muy antropocéntrica del mundo, como si el planeta, los animales y sus recursos estuvieran simplemente a nuestra disposición. En cambio, enfrentarnos a cientos de millones de años de evolución nos ayuda a relativizar nuestra presencia y a comprender que solo somos una parte —y muy reciente— de una historia inmensamente más larga. Por eso imagino el museo casi como un lugar en el que ayudar a las personas a comprender mejor dónde están y en qué época se encuentran. Es una toma de conciencia que considero fundamental y que, en mi opinión, debería tener más espacio también en la educación escolar. Los dinosaurios son una pieza fundamental de la historia del planeta y me parece emblemático que a menudo se les preste tan poca atención.
Una de tus obras más sorprendentes es el tiranosaurio de 13 metros realizado con cera reciclada, acurrucado bajo una manta y con el vientre que simula la respiración. ¿De dónde surge la idea de dotar de una dimensión humana a una criatura que normalmente asociamos con la ferocidad?
La intención es crear una especie de oxímoron, porque a los dinosaurios se les suele asociar con el ruido, la violencia y la sangre. Yo, en cambio, intento mostrar también su lado animal, más vulnerable y cotidiano. Lo mismo ocurre con los demás temas que represento. Un tiburón, por ejemplo, no es solo lo que hemos aprendido a conocer a través del cine: es un animal que puede mostrarse curioso, asustado o tranquilo. Intento plasmar precisamente esta dimensión, aunque, naturalmente, al hablar de animales extintos, siempre se trata de una reconstrucción interpretativa. Este enfoque también se aplica a la fotografía. Para mí, la escultura no se agota en la obra física. Intento convertir también las fotografías en una parte integral de la obra, construyendo cada imagen como si fuera, a su vez, una obra en sí misma. Creo que también se necesita esta dimensión más delicada. A lo largo de los años he recibido mensajes de personas de distintos países que me cuentan que esperan mis obras para sonreír o, simplemente, para sentirse mejor. Es algo que me emociona mucho, porque significa que, a través de animales prehistóricos, aparentemente tan lejanos e imponentes, también se puede transmitir una sensación de ternura y consuelo. Es precisamente este contraste lo que me interesa: utilizar sujetos asociados a la fuerza y la ferocidad para contar, en cambio, también su parte más frágil, curiosa y vital.
Tus obras tienen una dimensión monumental y espectacular. ¿Están pensadas también para salir de los espacios tradicionales del arte y llegar a un público diferente? ¿Ya has llevado o te gustaría llevar tus obras fuera de Italia?
Mi público, por suerte, ya es muy internacional. La mayor parte de mis obras de menor tamaño se adquieren sobre todo en Estados Unidos, en el norte de Europa, en Japón, en la India y en América Latina. Es un aspecto que me hace reflexionar también sobre la diferente percepción de mi trabajo en los distintos países. En Italia, el dinosaurio sigue asociándose muy a menudo con la infancia o el entretenimiento. En el extranjero, en cambio, se reconoce más como un tema científico y artístico. Esto me ha permitido llegar a un público que contempla mi trabajo desde una perspectiva diferente y que reconoce el valor de la investigación que hay detrás de cada reconstrucción. También por eso me gustaría mucho llevar mis obras fuera de Italia. Hasta ahora he expuesto sobre todo aquí y uno de mis sueños sería organizar una exposición en el extranjero, en concreto en Inglaterra o en Alemania, donde existe una tradición muy arraigada ligada a la paleontología y a la divulgación científica. Creo que el hecho de haber construido gran parte de mi público fuera de Italia demuestra también que existe un espacio para este tipo de investigación. Mi objetivo es que se reconozca esta actividad por lo que es: un trabajo que aúna arte, reconstrucción anatómica, estudio científico y divulgación.
Tras años dedicados a la investigación y a la construcción de tu universo de criaturas, ¿cuáles son hoy en día los objetivos de «Mother of the Dinosaurs»? ¿Hay algún dinosaurio que aún no hayas creado y con el que sueñas?
Lo que realmente me apetece hacer es el museo, y me gustaría hacerlo en Carrara, una ciudad con la que me siento especialmente identificada. Me gustaría que fuera un museo dedicado, ante todo, a la geología del territorio, es decir, a las rocas y los materiales de nuestras montañas, pero con una mirada hacia la historia geológica y natural del planeta. Ya tengo una colección de reconstrucciones y hallazgos que podría constituir una primera base: además de las esculturas, poseo amonites, huellas de dinosaurios, dientes y otros fósiles. Además, es importante recordar que, en los grandes museos de historia natural, no todos los esqueletos expuestos son originales: muchos son moldes o réplicas realizadas a partir de hallazgos auténticos. Por eso creo que el material que he recopilado a lo largo de los años ya puede contribuir a la construcción de un gran proyecto. En cuanto a las exposiciones, en cambio, me he vuelto mucho más selectiva. He vivido experiencias en las que las obras no fueron tratadas con el respeto que merecían y hoy considero fundamental que una colaboración reconozca al artista como profesional, garantizando condiciones, asistencia y acuerdos claros. Una de las experiencias más positivas fue la de Lucca Comics, donde, a pesar de que aún estaba dando mis primeros pasos, me trataron de forma profesional en todos los aspectos. Es una diferencia que he aprendido a considerar esencial. En cuanto al público internacional, creo que el éxito de las esculturas más pequeñas también se puede resumir en el concepto japonés de «kawaii», es decir, en la idea de algo tierno y agradable. Mis «cachorritos» nacen precisamente del encuentro entre la precisión científica y cierta ternura: tienen proporciones y características anatómicas estudiadas, pero también ojos más grandes y algunos rasgos deliberadamente acentuados para hacerlos expresivos. Lo que más me llama la atención es que gran parte de estas obras se compran para regalar. Me ha pasado, por ejemplo, que las hijas se las regalaran a sus madres, que habían soñado con estudiar paleontología, o que los padres se las regalaran a sus hijos, a parejas o a los abuelos. Este aspecto me da una motivación especial: saber que una de mis esculturas recorre el mundo y llega a alguien que la ha elegido por un motivo personal me recuerda que, más allá del esfuerzo diario del trabajo, al otro lado hay una persona que ha visto lo que hago, lo ha apreciado y ha decidido llevarse consigo una parte de mi obra.
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