Monet, Van Gogh, Kandinsky, Mondrian: son nombres que marcan las etapas de un cambio trascendental en la historia del arte europeo. En menos de ochenta años, entre los siglos XIX y XX, la pintura pasa de la observación directa de la naturaleza a la disolución de lo real. Esta transformación la recrea la exposición «De Monet a Van Gogh a Kandinsky. Nuevas miradas sobre la naturaleza y la modernidad, que se celebra en Ferrara, en el Palazzo dei Diamanti, del 19 de septiembre de 2026 al 10 de enero de 2027, con obras del Museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam y de otras importantes colecciones. En el centro del recorrido, comisariado por Sandra Kisters y Vasilij Gusella, se encuentran el paisaje, tanto natural como urbano, y la vida moderna, que se convierten en el punto de observación de una época en la que la relación entre el artista y el mundo visible se redefine radicalmente, abriendo el camino a nuevas formas de percepción y representación de la realidad.
El recorrido expositivo reúne 120 obras, entre pinturas, dibujos y grabados, la mayoría procedentes de las colecciones del museo neerlandés y complementadas con una selección perteneciente a importantes colecciones públicas y privadas italianas. La exposición está organizada por la Fundación Ferrara Arte en colaboración con el Museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam y con las Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Ferrara. El recorrido, dividido en nueve capítulos, repasa las etapas más destacadas de la evolución de la pintura entre los siglos XIX y XX. Parte de la sensibilidad de la Escuela de Barbizon, basada en la observación directa del paisaje y destinada a influir profundamente en los «macchiaioli» italianos, quienes desarrollaron un lenguaje construido a partir de la luz y el color. Conel impresionismo se consolida una pintura moderna, capaz de plasmar la percepción fugaz ante el motivo, mientras que en Holanda los artistas de la Escuela de La Haya interpretan los mismos principios con una visión más sobria y atmosférica.
A partir de la década de 1880, los postimpresionistas cuestionan la idea de un arte fiel a la naturaleza. El color y la forma adquieren autonomía, el espacio se reinterpreta, la imagen se vuelve más esencial y cargada de significados simbólicos, y el color adquiere un valor cada vez más emocional. En Italia, el divisionismo reelabora estas investigaciones desde una perspectiva lírica, exaltando la vibración de la luz, mientras que la vida urbana pasa a ser fundamental para narrar las transformaciones sociales y culturales de la época. A principios del siglo XX, el futurismo exalta el movimiento y la energía de la ciudad, a lo que siguen diversas corrientes, entre ellas un retorno al orden que recupera el equilibrio y el clasicismo. En Europa, mientras tanto, muchos artistas emprenden el camino de la abstracción, simplificando y disolviendo progresivamente la realidad hasta alcanzar un lenguaje autónomo, desvinculado de la representación del mundo visible.
Entre los protagonistas figuran Gustave Courbet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Jacoba van Heemskerck, Paul Signac, Odilon Redon, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Vasili Kandinski y Piet Mondrian. Junto a ellos, los maestros italianos: Giovanni Fattori, Telemaco Signorini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Giovanni Boldini, Umberto Boccioni y Mario Sironi.
La evolución narrativa y crítica tiene su origen en la Escuela de Barbizon y en el nacimiento de la pintura al aire libre. En la década de 1830, un grupo de artistas, entre los que se encontraban Camille Corot, Théodore Rousseau y Constant Troyon, decidió abandonar los talleres urbanos para sumergirse en el bosque de Fontainebleau. Este traslado marcó el inicio de un enfoque metodológico basado en el contacto directo con la naturaleza y en el estudio analítico de los fenómenos luminosos y atmosféricos. La pintura al aire libre no fue solo una elección estilística, sino que se convirtió también en un instrumento de documentación y de reflexión social y ecológica. Emblemático en este sentido es el cuadro «La matanza de los inocentes», realizado por Théodore Rousseau en 1847, en el que el tema bíblico se reinterpreta como una denuncia contra la tala indiscriminada de árboles en el bosque.
La búsqueda de los barbizonniers tenía sus raíces en la tradición del paisajismo holandés del siglo XVII, con especial referencia a los modelos estilísticos de Jacob van Ruisdael y Albert Cuyp, así como a la enseñanza de Georges Michel. En esta fase de experimentación se inscriben figuras de enlace de relevancia internacional. Entre los primeros pintores holandeses que frecuentaron la zona de Barbizon se encontraba Martinus Kuytenbrouwer, cuya obra contribuyó a difundir los nuevos principios figurativos más allá de las fronteras francesas. Paralelamente, la obra de Eugène Boudin desempeñó un papel fundamental a la hora de transmitir al joven Claude Monet la importancia de la observación directa del natural, sentando así las bases para los futuros desarrollos del impresionismo.
El análisis de la exposición continúa examinando la influencia de la escuela francesa en el contexto italiano, centrándose en los «barbizonniers» italianos y en el movimiento de los «Macchiaioli». En la segunda mitad del siglo XIX, la cultura figurativa de la península asimiló las corrientes del positivismo, traduciéndolas en un renovado interés por la realidad y la vida contemporánea. En Florencia, el Caffè Michelangiolo se convirtió en el motor de una radical contestación de los dogmas académicos y de las fórmulas pictóricas tradicionales. En torno a este círculo se reunieron artistas como Vincenzo Cabianca, Odoardo Borrani y Giovanni Costa.
La búsqueda de los Macchiaioli se basaba en la representación de lo real a través de contrastes de luz y sombra, definidos mediante fondos cromáticos sintéticos, denominados precisamente «macchie» (manchas). Esta técnica asimilaba y reelaboraba las sugerencias de la pintura de Barbizon y la teoría del «ton gris» ( tono gris), valiéndose al mismo tiempo de instrumentos ópticos de apoyo como el espejo negro. El afianzamiento paralelo de la fotografía, representado en Florencia por la actividad del Estudio Alinari, también desempeñó un papel decisivo en el desarrollo de esta nueva visión. La experiencia de los Macchiaioli alcanzó sus momentos de máxima cohesión y expresividad durante las estancias de trabajo compartidas. Entre ellas destacan los veranos pasados en Castiglioncello, en la finca del crítico y mecenas Diego Martelli, y las campañas de pintura llevadas a cabo en la localidad rural de Piagentina, contextos en los que los artistas lograron plasmar la vida cotidiana y el paisaje toscano en imágenes de rigurosa esencialidad formal.
Otro eje conceptual analiza el giro impresionista y el paso de la representación de la ciudad a la del campo. Los artistas pertenecientes a este grupo, entre los que se encontraban Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro y Berthe Morisot, rompieron abiertamente con la institución oficial del Salón de París. Al rechazar los criterios de selección académicos, los pintores decidieron organizarse por su cuenta, dando lugar a un ciclo de ocho exposiciones independientes celebradas entre 1874 y 1886. En el plano técnico, el impresionismo revolucionó el lenguaje figurativo mediante la adopción de una pincelada rápida, fragmentada y vibrante, concebida para captar los cambios de la luz y las variaciones atmosféricas. La paleta se aclaró notablemente gracias al uso de colores puros y brillantes, aplicados directamente sobre el lienzo sin fusión tonal previa. Desde el punto de vista iconográfico, los impresionistas dirigieron su mirada tanto hacia la modernidad urbana —retratando estaciones de tren, infraestructuras industriales, puentes y barcos de vapor— como hacia los paisajes naturales, con una marcada predilección por los entornos rurales, los cursos de agua y las marinas.
El panorama histórico-artístico profundiza a continuación en la Escuela de La Haya y su original interpretación del paisaje holandés. Activa aproximadamente entre 1860 y 1890, esta agrupación artística se distinguió por una producción pictórica caracterizada por el uso predominante de gamas cromáticas sobrias, centradas en los matices de los grises y los verdes, elemento que le valió al grupo la denominación de «escuela gris». Los principales exponentes de la Escuela de La Haya fueron Willem Roelofs, Jacob Maris, Anton Mauve, Hendrik Willem Mesdag, Johan Hendrik Weissenbruch y Paul Constantin Gabriël. Entre las obras más destacadas de la época cabe señalar el monumental «Panorama Mesdag», una grandiosa vista panorámica circular realizada por Hendrik Willem Mesdag con la colaboración de otros artistas del grupo.
La investigación de la Escuela de La Haya se centró en la observación de los pólderes, los molinos de viento, las playas de Scheveningen y los cielos nublados típicos de los Países Bajos, combinando la atención a las condiciones atmosféricas con la representación del trabajo tradicional de los campesinos y pescadores. Los artistas de esta corriente evitaron deliberadamente incluir en sus composiciones los signos de la inminente industrialización, prefiriendo plasmar una imagen idílica y atemporal del campo y las costas holandesas.
Se dedica un amplio espacio a las diversas manifestaciones del posimpresionismo y el neoimpresionismo en el ámbito europeo e italiano. A partir de mediados de la década de 1880, la investigación artística superó el empirismo impresionista para adoptar enfoques más rigurosos o analíticos. Con el puntillismo y el divisionismo francés, liderados por Georges Seurat y Paul Signac, la aplicación del color quedó sujeta a leyes científicas basadas en los estudios sobre óptica y percepción visual realizados por Eugène Chevreul y Ogden Rood. Los pigmentos se aplicaban sobre el lienzo en forma de pequeños puntos o trazos separados de color puro, dejando en manos del ojo del observador la recomposición óptica de los tonos.
Esta técnica tuvo una gran repercusión internacional e influyó en las investigaciones posteriores sobre el color y la luz llevadas a cabo por figuras como Kees van Dongen y Jan Sluijters, protagonistas del llamado «luminismo», así como en los desarrollos del movimiento fauvista en Francia, representado por Henri Matisse y Albert Marquet, además de la obra del belga Théo van Rysselberghe. En Italia, la corriente divisionista se desarrolló con características propias y una fuerte carga simbólica y social. El punto de inflexión para el afianzamiento del movimiento fue la primera Trienal de Brera de 1891, evento en el que las nuevas corrientes teóricas y estilísticas encontraron su consagración oficial gracias también a la actividad promocional y crítica del marchante y galerista Vittore Grubicy de Dragon. Los máximos exponentes del divisionismo italiano fueron Giovanni Segantini, Gaetano Previati y Giuseppe Pellizza da Volpedo. En sus obras, la descomposición de la pincelada en filamentos cromáticos superpuestos se combinó con una profunda reflexión sobre los temas de la naturaleza, la espiritualidad y las reivindicaciones del mundo laboral, lo que marcó un momento fundamental en la pintura italiana de finales de siglo.
Otra línea fundamental centra la atención en la dimensión urbana, examinando la metrópoli como nuevo paisaje de la modernidad. A finales del siglo XIX, París se consolidó como el centro de gravedad artístico y cultural de Europa, gracias a la radical transformación urbanística impulsada por el barón Georges-Eugène Haussmann, quien había rediseñado la estructura de la capital francesa conla apertura de grandes bulevares y plazas. Los artistas de la época encontraron nuevos temas que explorar en los barrios emblemáticos de la vida nocturna, como Montmartre, y en los lugares de ocio de la burguesía. Pintores como Pablo Picasso, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard y Mary Cassatt retrataron el universo de los cafés-concierto, los teatros, los circos, los hipódromos y los interiores domésticos, plasmando la complejidad social y el frenesí de la vida metropolitana. En este contexto parisino destacó el ferrarés Giovanni Boldini, que se convirtió en uno de los retratistas más solicitados y aclamados de la Belle Époque. Boldini supo desarrollar un lenguaje pictórico caracterizado por pinceladas rápidas y fluidas y trazos de color, capaces de reflejar la elegancia de la sociedad de la época y de capturar el dinamismo, la velocidad y la fragilidad de la vida moderna.
![Edgar Degas, «Joven bailarina de catorce años» (1880-1881 [1922]; bronce y tela, 98 x 49 x 50 cm; Róterdam, Museo Boijmans Van). Foto: Studio Tromp](https://cdn.finestresullarte.info/rivista/immagini/2026/fn/edgar-degas-giovane-ballerina-di-quattordici-anni.jpg)
El discurso crítico examina a continuación las transformaciones del paisaje en la era de las vanguardias históricas, analizando la trayectoria que va del futurismo al «Retorno al orden». Fundado en 1909 con la publicación del manifiesto redactado por Filippo Tommaso Marinetti y formalizado en el ámbito pictórico en 1910, el futurismo propuso un rechazo radical del pasado y de la tradición académica, exaltando la velocidad, la máquina, la tecnología y la expansión de la ciudad industrial. Entre los principales protagonistas de esta época figuró Umberto Boccioni, cuyo cuadro *Meriggio. «Officine a Porta Romana» da testimonio del paso de la descomposición divisionista a la representación de la periferia urbana en constante transformación. Junto a Boccioni, se recogen las investigaciones de Aroldo Bonzagni y las sucesivas evoluciones del movimiento, como la «Aeropintura», teorizada y expresada por Tullio Crali, además de las aportaciones de Anselmo Bucci.
La reflexión sobre el paisaje urbano del futuro tuvo también un gran impacto en las visiones utópicas y los proyectos teóricos de los arquitectos Antonio Sant’Elia y Mario Chiattone, cuyos dibujos mostraban metrópolis de varios niveles dominadas por torres, centrales eléctricas y nudos de tráfico. Tras las devastaciones de la Primera Guerra Mundial, el clima cultural europeo experimentó, sin embargo, un profundo cambio: el ímpetu iconoclasta de las vanguardias dio paso al fenómeno del «Retorno al orden». Los artistas sintieron la necesidad de recuperar la solidez de la forma, el equilibrio compositivo, la mesura y un humanismo figurativo renovado, retomando la gran tradición clásica y renacentista.
La muestra conceptual concluye con el análisis de la disolución de la forma y el nacimientode la abstracción pura. Entre la primera y la segunda década del siglo XX, la tradición secular del paisaje figurativo llegó a un punto de inflexión radical. Artistas como Wassily Kandinsky y Piet Mondrian llevaron hasta sus últimas consecuencias el proceso de simplificación y síntesis de la realidad natural. Kandinsky, partiendo de las sugerencias del color fauvista y de la correspondencia entre la pintura y la música, llegó a eliminar cualquier referencia figurativa, transformando el paisaje en una orquestación de líneas, formas y manchas cromáticas capaces de actuar directamente sobre la sensibilidad del espectador.
Al mismo tiempo, Piet Mondrian inició un proceso de abstracción analítica progresiva partiendo del estudio de los árboles, las fachadas de los edificios y el mar. Mediante una rigurosa reducción de la realidad a cuadrículas ortogonales y campos de colores primarios, Mondrian llegó al neoplasticismo, identificando en la estructura geométrica el orden universal subyacente a la naturaleza.
La exposición conceptual concluye con el análisis de la disolución de la forma y el nacimiento de la abstracción pura. Entre la primera y la segunda década del siglo XX, la tradición secular del paisajismo figurativo llegó a un punto de inflexión radical. Artistas como Wassily Kandinsky y Piet Mondrian llevaron hasta sus últimas consecuencias el proceso de simplificación y síntesis de la realidad natural. Kandinsky, partiendo de las sugerencias del color fauvista y de la correspondencia entre la pintura y la música, llegó a eliminar cualquier referencia figurativa, transformando el paisaje en una orquestación de líneas, formas y manchas cromáticas capaces de actuar directamente sobre la sensibilidad del espectador. Al mismo tiempo, Piet Mondrian inició un proceso de progresiva abstracción analítica partiendo del estudio de los árboles, las fachadas de los edificios y el mar de los Países Bajos. Mediante una rigurosa reducción de la realidad a cuadrículas ortogonales y campos de colores primarios, Mondrian llegó al neoplasticismo, identificando en la estructura geométrica el orden universal subyacente a la naturaleza.
La experiencia en el Palazzo dei Diamanti se complementa con un proyecto multisensorial de sonidos, olores y montajes que acompaña la transformación de la mirada. Las figuras de Monet, Van Gogh y Kandinsky marcan el paso de la observación de lo real a la abstracción, reflejando cómo, en menos de ochenta años, la pintura ha transformado la naturaleza de objeto que representar a experiencia vivida y construcción mental. El recorrido sonoro-olfativo se articula en cuatro momentos que evocan la forma de ver de los artistas, más que el objeto pintado.
En la sala de los Macchiaioli, el viento entre la hierba, las gaviotas, los pasos sobre la tierra, el mar y las esencias minerales y de tierra húmeda pretenden restituir la concreción de la naturaleza y de la pintura al aire libre. En cuanto a la Escuela de La Haya, el viento sobre las llanuras, las aspas de los molinos, el movimiento de las aguas y los aromas de la hierba mojada crean una atmósfera contemplativa y húmeda, típica de los pólderes holandeses. En la sección dedicada a la vida urbana, los murmullos, los tintineos, el susurro de las ropas, los pasos sobre el parqué, el piano y los aromas a polvos de talco evocan la vida mundana metropolitana y femenina. Por último, en la sección dedicada a la abstracción, los fragmentos de las Drei Klavierstücke Op. 11 de Schönberg dialogan con Lirico de Kandinsky y con las obras de Feininger, Marc, Gestel y van Heemskerck, subrayando la autonomía de la forma y el color, mientras que notas sintéticas y de iris sustituyen cualquier referencia naturalista.
La puesta en escena acompaña este recorrido con variaciones cromáticas que van desde los tonos marrones hasta el blanco de la última sala. Cinco portales luminosos actúan como diafragmas arquitectónicos y umbrales perceptivos para reiniciar la vista: el primero, a la entrada, para Barbizon y los Macchiaioli; el segundo, antes de la sala inmersiva dedicada al impresionismo, la Escuela de La Haya, el posimpresionismo y el divisionismo; el tercero, para la modernidad urbana entre el futurismo y el «Retorno al orden»; el cuarto, hacia la abstracción; y el quinto, antes del epílogo, un espacio blanco reservado al único cuadro de Mondrian.
Horario: La exposición está abierta todos los días de 9:30 a 19:30 (la taquilla cierra a las 18:30)
También abre el 1 de noviembre, el 8, el 25 y el 26 de diciembre, y el 1 y el 6 de enero
Tarifas: General: 16 €; Reducida: 14 €
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| Las obras del Boijmans de Róterdam se exponen en Ferrara para narrar la revolución del paisaje |
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