Le opere del Boijmans di Rotterdam in mostra a Ferrara per raccontare la rivoluzione del paesaggio

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Monet, Van Gogh, Kandinsky, Mondrian: sono nomi che segnano le tappe di una svolta epocale nella storia dell’arte europea. In meno di ottant’anni, tra Otto e Novecento, la pittura passa dall’osservazione diretta della natura alla dissoluzione del reale. A ricostruire questa trasformazione è la mostra Da Monet a Van Gogh a Kandinsky. Nuovi sguardi sulla natura e la modernità, allestita a Ferrara, a Palazzo dei Diamanti, dal 19 settembre 2026 al 10 gennaio 2027, con opere del Museum Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e di altre importanti collezioni. Al centro del racconto a cura di Sandra Kisters e Vasilij Gusella ci sono il paesaggio, naturale e urbano, e la vita moderna, che diventano il punto di osservazione di un’epoca in cui il rapporto tra l’artista e il mondo visibile si ridefinisce radicalmente, aprendo la strada a nuove modalità di percezione e rappresentazione della realtà.

L’itinerario espositivo riunisce 120 lavori tra dipinti, disegni e incisioni, per la gran parte provenienti dalle collezioni del museo olandese e affiancati da una selezione appartenente a importanti raccolte pubbliche e private italiane. L’esposizione è organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte in collaborazione con il Museum Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e con le Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara. Il percorso, articolato in nove capitoli, ripercorre le tappe salienti dell’evoluzione della pittura tra XIX e XX secolo. Parte dalla sensibilità della Scuola di Barbizon, fondata sull’osservazione diretta del paesaggio e destinata a influenzare profondamente i macchiaioli italiani, che sviluppano un linguaggio costruito da luce e colore. Con l’impressionismo si afferma una pittura moderna, capace di restituire la percezione fugace davanti al soggetto, mentre in Olanda gli artisti della Scuola dell’Aia declinano gli stessi principi in una visione più sobria e atmosferica.

Dagli anni Ottanta dell’Ottocento i postimpressionisti mettono in discussione l’idea di un’arte fedele alla natura. Colore e forma acquistano autonomia, lo spazio viene reinterpretato, l’immagine si fa più essenziale e carica di significati simbolici, e il colore assume un valore sempre più emotivo. In Italia il divisionismo rielabora queste ricerche in chiave lirica, esaltando la vibrazione della luce, mentre la vita urbana diventa centrale per narrare le trasformazioni sociali e culturali del tempo. All’inizio del Novecento il futurismo esalta il movimento e l’energia della città, cui seguono esperienze diverse, tra cui un ritorno all’ordine che recupera equilibrio e classicità. In Europa, intanto, molti artisti intraprendono la strada dell’astrazione, semplificando e dissolvendo progressivamente il dato reale fino a un linguaggio autonomo, svincolato dalla rappresentazione del mondo visibile.

Tra i protagonisti figurano Gustave Courbet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Jacoba van Heemskerck, Paul Signac, Odilon Redon, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Vasilij Kandinsky e Piet Mondrian. Accanto a loro, i maestri italiani: Giovanni Fattori, Telemaco Signorini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Giovanni Boldini, Umberto Boccioni e Mario Sironi.

Le nove tappe della mostra

L’evoluzione narrativa e critica prende le mosse dalla Scuola di Barbizon e dalla nascita della pittura en plein air. Negli anni Trenta dell’Ottocento, un gruppo di artisti tra cui Camille Corot, Théodore Rousseau e Constant Troyon scelse di lasciare gli atelier urbani per immergersi nella foresta di Fontainebleau. Questo trasferimento inaugurò un approccio metodologico fondato sul confronto diretto con la natura e sullo studio analitico dei fenomeni luminosi e atmosferici. La pittura all’aperto non fu soltanto una scelta stilistica, ma divenne anche uno strumento di documentazione e di riflessione sociale ed ecologica. Emblematico in questo senso è il dipinto Strage degli innocenti eseguito da Théodore Rousseau nel 1847, dove il tema biblico viene reinterpretato come una denuncia contro l’abbattimento indiscriminato degli alberi nella foresta.

La ricerca dei barbizonniers affondava le proprie radici nella tradizione del paesaggismo olandese del Seicento, con particolare riferimento ai modelli stilistici di Jacob van Ruisdael e Albert Cuyp, nonché alla lezione di Georges Michel. In questa fase di sperimentazione si inseriscono figure di raccordo di rilievo internazionale. Tra i primi pittori olandesi a frequentare la zona di Barbizon vi fu Martinus Kuytenbrouwer, il cui lavoro contribuì a diffondere i nuovi principi figurativi al di fuori dei confini francesi. Parallelamente, l’opera di Eugène Boudin svolse un ruolo centrale nel trasmettere l’importanza dell’osservazione diretta dal vero al giovane Claude Monet, ponendo le premesse per i futuri sviluppi dell’Impressionismo.

L’analisi della mostra prosegue prendendo in esame l’influenza della lezione francese sul contesto italiano, soffermandosi sui barbizonniers italiani e sul movimento dei Macchiaioli. Nella seconda metà del XIX secolo, la cultura figurativa della penisola recepì le istanze del Positivismo, traducendole in un rinnovato interesse per il dato reale e la vita contemporanea. A Firenze, il Caffè Michelangiolo diventò il centro propulsore di una radicale contestazione dei dogmi accademici e delle formule pittoriche tradizionali. Attorno a questo cenacolo si ritrovarono artisti come Vincenzo Cabianca, Odoardo Borrani e Giovanni Costa.

La ricerca dei Macchiaioli si basava sulla resa del reale attraverso contrasti di luce e ombra, definiti mediante campiture cromatiche sintetiche, dette appunto macchie. Questa tecnica assimilava e rielaborava le suggestioni della pittura di Barbizon e la teoria del ton gris (tono grigio), avvalendosi al contempo di strumenti ottici di supporto come lo specchio nero. Un ruolo decisivo nello sviluppo di questa nuova visione fu svolto anche dal parallelo affermarsi della fotografia, rappresentato a Firenze dall’attività dello Studio Alinari. L’esperienza dei Macchiaioli trovò i suoi momenti di massima coesione ed espressività nei soggiorni di lavoro condivisi. Tra questi spiccano le estati trascorse a Castiglioncello, all’interno della tenuta del critico e mecenate Diego Martelli, e le campagne di pittura condotte nella località rurale di Piagentina, contesti nei quali gli artisti riuscirono a tradurre la quotidianità e il paesaggio toscano in immagini di rigorosa essenzialità formale.

Un ulteriore snodo concettuale indaga la svolta impressionista e il passaggio dalla rappresentazione della città a quella della campagna. Gli artisti appartenenti a questo gruppo, tra cui Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro e Berthe Morisot, si posero in aperta rottura con l’istituzione ufficiale del Salon parigino. Rifiutando i criteri di selezione accademici, i pittori decisero di autorganizzarsi, dando vita a un ciclo di otto mostre indipendenti allestite tra il 1874 e il 1886. Sul piano tecnico, l’Impressionismo rivoluzionò il linguaggio figurativo attraverso l’adozione di una pennellata rapida, frammentata e vibrante, concepita per registrare i mutamenti della luce e le variazioni atmosferiche. La tavolozza si schiarì notevolmente grazie all’impiego di colori puri e brillanti, stesi direttamente sulla tela senza preventiva fusione tonale. Dal punto di vista iconografico, gli impressionisti volsero lo sguardo sia alla modernità urbana, ritraendo stazioni ferroviarie, infrastrutture industriali, ponti e vapore, sia ai paesaggi naturali, con una spiccata predilezione per i contesti rurali, i corsi d’acqua e le marine.

Il quadro storico-artistico approfondisce poi la Scuola dell’Aia e la sua originale interpretazione del paesaggio olandese. Attivo approssimativamente tra il 1860 e il 1890, questo sodalizio artistico si distinse per una produzione pittorica caratterizzata dall’uso dominante di gamme cromatiche sobrie, incentrate sulle sfumature dei grigi e dei verdi, elemento che valse al gruppo la definizione di scuola grigia. I principali esponenti della Scuola dell’Aia furono Willem Roelofs, Jacob Maris, Anton Mauve, Hendrik Willem Mesdag, Johan Hendrik Weissenbruch e Paul Constantin Gabriël. Tra le realizzazioni di maggiore rilievo dell’epoca si segnala il monumentale Panorama Mesdag, grandiosa vista panoramica circolare eseguita da Hendrik Willem Mesdag con la collaborazione di altri artisti del gruppo.

La ricerca della Scuola dell’Aia si concentrò sull’osservazione dei polder, dei mulini a vento, delle spiagge di Scheveningen e dei cieli nuvolosi tipici dei Paesi Bassi, combinando l’attenzione per le condizioni atmosferiche con la rappresentazione del lavoro tradizionale di contadini e pescatori. Gli artisti di questa corrente evitarono deliberatamente di inserire nelle proprie composizioni i segni dell’imminente industrializzazione, preferendo fissare un’immagine idilliaca e senza tempo della campagna e delle coste olandesi.

Ampio spazio è dedicato alle articolate manifestazioni del Post-impressionismo e del Neo-impressionismo in ambito europeo e italiano. A partire dalla metà degli anni Ottanta dell’Ottocento, la ricerca artistica superò l’empirismo impressionista per adottare approcci più rigorosi o analitici. Con il Pointillisme e il Divisionismo francese, guidati da Georges Seurat e Paul Signac, la stesura del colore venne assoggettata a leggi scientifiche basate sugli studi sull’ottica e sulla percezione visiva condotti da Eugène Chevreul e Ogden Rood. I pigmenti venivano applicati sulla tela sotto forma di piccoli punti o tratti separati di colore puro, affidando all’occhio dell’osservatore la ricomposizione ottica dei toni.

Questa tecnica ebbe un’ampia risonanza internazionale e influenzò le successive ricerche sul colore e sulla luce condotte da figure quali Kees van Dongen e Jan Sluijters, protagonisti del cosiddetto luminismo, nonché gli sviluppi del movimento Fauve in Francia, rappresentato da Henri Matisse e Albert Marquet, oltre all’opera del belga Théo van Rysselberghe. In Italia, la lezione divisionista si sviluppò con caratteri autonomi e una forte carica simbolica e sociale. Il momento di svolta per l’affermazione del movimento fu la prima Triennale di Brera del 1891, evento in cui le nuove istanze teoriche e stilistiche trovarono una consacrazione ufficiale grazie anche all’attività promozionale e critica del mercante e gallerista Vittore Grubicy de Dragon. I massimi interpreti del Divisionismo italiano furono Giovanni Segantini, Gaetano Previati e Giuseppe Pellizza da Volpedo. Nelle loro opere, la scomposizione della pennellata in filamenti cromatici sovrapposti si coniugò con una profonda meditazione sui temi della natura, della spiritualità e delle rivendicazioni del mondo del lavoro, segnando un momento fondamentale nella pittura italiana di fine secolo.

Un’altra direttrice fondamentale sposta l’attenzione sulla dimensione urbana, esaminando la metropoli come nuovo paesaggio della modernità. Sul finire dell’Ottocento, Parigi si affermò come il baricentro artistico e culturale d’Europa, complice la radicale trasformazione urbanistica promossa dal barone Georges-Eugène Haussmann, che aveva ridisegnato la struttura della capitale francese con l’apertura di grandi boulevard e piazze. Gli artisti dell’epoca trovarono nei quartieri simbolo della vita notturna, come Montmartre, e nei luoghi del divertimento borghese nuovi soggetti da indagare. Pittori come Pablo Picasso, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard e Mary Cassatt ritrassero l’universo dei caffè-concerto, dei teatri, dei circhi, degli ippodromi e degli interni domestici, restituendo la complessità sociale e la frenesia della vita metropolitana. In questo contesto parigino si distinse il ferrarese Giovanni Boldini, che divenne uno dei ritrattisti più richiesti e celebrati della Belle Époque. Boldini saprà elaborare un linguaggio pittorico caratterizzato da pennellate rapide, fluide e sciabolate di colore, capaci di restituire l’eleganza della società dell’epoca e di catturare il dinamismo, la velocità e la fragilità della vita moderna.

Il discorso critico prende poi in esame le trasformazioni del paesaggio nell’era delle avanguardie storiche, analizzando la parabola che dal Futurismo conduce al Ritorno all’ordine. Fondato nel 1909 con la pubblicazione del manifesto stilato da Filippo Tommaso Marinetti e formalizzato in ambito pittorico nel 1910, il Futurismo propose un rifiuto radicale del passato e della tradizione accademica, esaltando la velocità, la macchina, la tecnologia e l’espansione della città industriale. Tra i principali protagonisti di questa stagione figurò Umberto Boccioni, il cui dipinto Meriggio. Officine a Porta Romana testimonia il passaggio dalla scomposizione divisionista alla rappresentazione della periferia urbana in costante trasformazione. Assieme a Boccioni, si documentano le ricerche di Aroldo Bonzagni e le successive evoluzioni del movimento, come l’Aeropittura teorizzata ed espressa da Tullio Crali, oltre ai contributi di Anselmo Bucci.

La riflessione sul paesaggio urbano del futuro trovò un grande risvolto anche nelle visioni utopiche e nei progetti teorici degli architetti Antonio Sant’Elia e Mario Chiattone, i cui disegni figuravano metropoli multilivello dominate da torri, centrali elettriche e snodi di traffico. Dopo le devastazioni del primo conflitto mondiale, il clima culturale europeo registrò tuttavia un profondo mutamento: l’impeto iconoclasta delle avanguardie lasciò il passo al fenomeno del Ritorno all’ordine. Gli artisti avvertirono l’esigenza di recuperare la solidità della forma, l’equilibrio compositivo, la misura e un rinnovato umanesimo figurativo, riallacciandosi alla grande tradizione classica e rinascimentale.

La rassegna concettuale si chiude con l’analisi della dissoluzione della forma e della nascita dell’astrazione pura. Tra il primo e il secondo decennio del Novecento, la secolare tradizione del paesaggismo figurativo giunse a un punto di svolta radicale. Artisti come Wassily Kandinsky e Piet Mondrian portarono a estreme conseguenze il processo di semplificazione e sintesi della realtà naturale. Kandinsky, muovendo dalle suggestioni del colore fauvista e dalla corrispondenza tra pittura e musica, giunse all’eliminazione di qualsiasi riferimento figurativo, trasformando il paesaggio in un’orchestrazione di linee, forme e macchie cromatiche capaci di agire direttamente sulla sensibilità dello spettatore.

Contestualmente, Piet Mondrian avviò un percorso di progressiva astrazione analitica partendo dallo studio degli alberi, delle facciate degli edifici e del mare. Attraverso una rigorosa riduzione della realtà a griglie ortogonali e campiture di colori primari, Mondrian approdò al Neoplasticismo, individuando nella struttura geometrica l’ordine universale sotteso alla natura.

La rassegna concettuale si chiude con l’analisi della dissoluzione della forma e della nascita dell’astrazione pura. Tra il primo e il secondo decennio del Novecento, la secolare tradizione del paesaggismo figurativo giunse a un punto di svolta radicale. Artisti come Wassily Kandinsky e Piet Mondrian portarono a estreme conseguenze il processo di semplificazione e sintesi della realtà naturale. Kandinsky, muovendo dalle suggestioni del colore fauvista e dalla corrispondenza tra pittura e musica, giunse all’eliminazione di qualsiasi riferimento figurativo, trasformando il paesaggio in un’orchestrazione di linee, forme e macchie cromatiche capaci di agire direttamente sulla sensibilità dello spettatore. Contestualmente, Piet Mondrian avviò un percorso di progressiva astrazione analitica partendo dallo studio degli alberi, delle facciate degli edifici e del mare dei Paesi Bassi. Attraverso una rigorosa riduzione della realtà a griglie ortogonali e campiture di colori primari, Mondrian approdò al Neoplasticismo, individuando nella struttura geometrica l’ordine universale sotteso alla natura.

L’esperienza a Palazzo dei Diamanti è integrata da un progetto multisensoriale di suoni, odori e allestimenti che accompagna la trasformazione dello sguardo. Le figure di Monet, Van Gogh e Kandinsky scandiscono il passaggio dall’osservazione del reale all’astrazione, riflettendo come in meno di ottant’anni la pittura abbia trasformato la natura da oggetto da rappresentare a esperienza vissuta e costruzione mentale. Il percorso sonoro-olfattivo si articola in quattro momenti che rievocano la modalità di visione degli artisti anziché l’oggetto dipinto.

Nella sala dei Macchiaioli, il vento tra l’erba, i gabbiani, i passi sulla terra, il mare ed essenze minerale e di terra umida mirano a restituire la concretezza della natura e della pittura en plein air. Per la Scuola dell’Aia, il vento sulle pianure, le pale dei mulini, il moto delle acque e note di erba bagnata creano un’atmosfera contemplativa e umida, tipica dei polder olandesi. Nella sezione sulla vita urbana, brusii, tintinnii, fruscio di abiti, passi su parquet, pianoforte e sentori di cipria evocano la mondanità metropolitana e femminile. Infine, nella sezione sull’astrazione, gli estratti dei Drei Klavierstücke Op. 11 di Schönberg dialogano con Lirico di Kandinsky e con le opere di Feininger, Marc, Gestel e van Heemskerck, segnando l’autonomia di forma e colore, mentre note sintetiche e d’iris sostituiscono ogni richiamo naturalistico.

L’allestimento scenografico accompagna questo percorso con variazioni cromatiche dai toni del marrone fino al bianco dell’ultima sala. Cinque portali luminosi agiscono da diaframmi architettonici e soglie percettive per resettare la vista: il primo all’ingresso per Barbizon e i Macchiaioli; il secondo prima della sala immersiva su Impressionismo, Scuola dell’Aia, Post-impressionismo e Divisionismo; il terzo per la modernità urbana tra Futurismo e Ritorno all’ordine; il quarto verso l’astrazione; il quinto prima dell’epilogo, uno spazio bianco riservato al singolo dipinto di Mondrian.

Informazioni pratiche