Werke aus dem Boijmans in Rotterdam werden in Ferrara ausgestellt, um die Revolution der Landschaft zu beleuchten

Folgen Sie uns auf Google DiscoverBevorzugte Quellen

Monet, Van Gogh, Kandinsky, Mondrian: Das sind Namen, die die Meilensteine eines epochalen Wandels in der Geschichte der europäischen Kunst markieren. In weniger als achtzig Jahren, zwischen dem 19. und dem 20. Jahrhundert, vollzieht die Malerei einen Wandel von der direkten Beobachtung der Natur hin zur Auflösung des Realen. Diese Transformation beleuchtet die Ausstellung „Von Monet über Van Gogh bis Kandinsky. Neue Blickwinkel auf Natur und Moderne, die vom 19. September 2026 bis zum 10. Januar 2027 im Palazzo dei Diamanti in Ferrara zu sehen ist und Werke aus dem Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam sowie aus anderen bedeutenden Sammlungen zeigt. Im Mittelpunkt der von Sandra Kisters und Vasilij Gusella kuratierten Ausstellung stehen die Landschaft – sowohl die natürliche als auch die städtische – sowie das moderne Leben, die zum Beobachtungspunkt einer Epoche werden, in der sich das Verhältnis zwischen dem Künstler und der sichtbaren Welt radikal neu definiert und damit den Weg für neue Formen der Wahrnehmung und Darstellung der Realität ebnet.

Der Ausstellungsparcours vereint 120 Werke, darunter Gemälde, Zeichnungen und Radierungen, die größtenteils aus den Sammlungen des niederländischen Museums stammen und durch eine Auswahl aus bedeutenden italienischen öffentlichen und privaten Sammlungen ergänzt werden. Die Ausstellung wird von der Fondazione Ferrara Arte in Zusammenarbeit mit dem Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam und den Galerien für moderne und zeitgenössische Kunst in Ferrara organisiert. Der in neun Kapitel gegliederte Rundgang zeichnet die wichtigsten Etappen der Entwicklung der Malerei zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert nach. Er beginnt mit der Sensibilität der Schule von Barbizon, die auf der direkten Beobachtung der Landschaft beruhte und die italienischen „Macchiaioli“ tiefgreifend beeinflussen sollte, die eine aus Licht und Farbe aufgebaute Bildsprache entwickelten. Mitdem Impressionismus etabliert sich eine moderne Malerei, die in der Lage ist, die flüchtige Wahrnehmung vor dem Motiv wiederzugeben, während in den Niederlanden die Künstler der Haager Schule dieselben Prinzipien in einer nüchterneren und atmosphärischeren Vision umsetzen .

Seit den 1880er Jahren stellen die Postimpressionisten die Idee einer naturgetreuen Kunst in Frage. Farbe und Form gewinnen an Eigenständigkeit, der Raum wird neu interpretiert, das Bild wird essenzieller und mit symbolischen Bedeutungen aufgeladen, und die Farbe erhält einen zunehmend emotionalen Wert. In Italien verarbeitet der Divisionismus diese Bestrebungen auf lyrische Weise und betont dabei die Schwingung des Lichts, während das städtische Leben in den Mittelpunkt rückt, um die sozialen und kulturellen Veränderungen der Zeit zu schildern. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verherrlicht der Futurismus die Bewegung und Energie der Stadt, worauf verschiedene Strömungen folgen, darunter eine Rückkehr zur Ordnung, die Gleichgewicht und Klassizismus wiederherstellt. In Europa schlagen unterdessen viele Künstler den Weg der Abstraktion ein, indem sie die Realität schrittweise vereinfachen und auflösen, bis eine eigenständige Sprache entsteht, die von der Darstellung der sichtbaren Welt losgelöst ist.

Zu den Protagonisten zählen Gustave Courbet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Jacoba van Heemskerck, Paul Signac, Odilon Redon, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Wassily Kandinsky und Piet Mondrian. Neben ihnen die italienischen Meister: Giovanni Fattori, Telemaco Signorini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Giovanni Boldini, Umberto Boccioni und Mario Sironi.

Die neun Stationen der Ausstellung

Die narrative und kritische Entwicklung geht auf die Schule von Barbizon und die Entstehung der Pleinair-Malerei zurück. In den 1830er Jahren beschloss eine Gruppe von Künstlern, darunter Camille Corot, Théodore Rousseau und Constant Troyon, die städtischen Ateliers zu verlassen, um in den Wald von Fontainebleau einzutauchen. Dieser Umzug leitete einen methodischen Ansatz ein, der auf der direkten Auseinandersetzung mit der Natur und der analytischen Untersuchung von Licht- und Wetterphänomenen beruhte. Die Freilichtmalerei war nicht nur eine stilistische Entscheidung, sondern wurde auch zu einem Instrument der Dokumentation sowie der sozialen und ökologischen Reflexion. Sinnbildlich dafür ist das Gemälde „Das Massaker der Unschuldigen“, das Théodore Rousseau 1847 schuf und in dem das biblische Thema als Anklage gegen die wahllose Abholzung der Bäume im Wald neu interpretiert wird.

Die künstlerische Suche der Barbizonniers hatte ihre Wurzeln in der Tradition der niederländischen Landschaftsmalerei des 17. Jahrhunderts, insbesondere in den stilistischen Vorbildern von Jacob van Ruisdael und Albert Cuyp sowie in der Lehre von Georges Michel. In diese Experimentierphase fügen sich international bedeutende Vermittlerfiguren ein. Zu den ersten niederländischen Malern, die sich in der Gegend von Barbizon aufhielten, gehörte Martinus Kuytenbrouwer, dessen Werk dazu beitrug, die neuen gestalterischen Prinzipien über die Grenzen Frankreichs hinaus zu verbreiten. Parallel dazu spielte das Werk von Eugène Boudin eine zentrale Rolle dabei, dem jungen Claude Monet die Bedeutung der direkten Beobachtung nach der Natur zu vermitteln, und legte damit den Grundstein für die zukünftigen Entwicklungen des Impressionismus.

Die Analyse der Ausstellung setzt sich fort mit einer Untersuchung des Einflusses der französischen Schule auf den italienischen Kontext, wobei der Schwerpunkt auf den italienischen Barbizonniers und der Bewegung der Macchiaioli liegt. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts nahm die bildende Kunst der Halbinsel die Anliegen des Positivismus auf und setzte sie in ein erneutes Interesse an der Realität und am zeitgenössischen Leben um. In Florenz wurde das Caffè Michelangiolo zum treibenden Zentrum einer radikalen Infragestellung akademischer Dogmen und traditioneller Malformeln. Um diesen Kreis scharten sich Künstler wie Vincenzo Cabianca, Odoardo Borrani und Giovanni Costa.

Das künstlerische Streben der Macchiaioli basierte auf der Darstellung der Realität durch Licht- und Schattenkontraste, die durch synthetische Farbflächen, die sogenannten „Macchie“, definiert wurden. Diese Technik griff die Anregungen der Barbizon-Malerei und die Theorie des „ton gris“ ( Grauton) auf und überarbeitete sie, wobei sie sich gleichzeitig unterstützender optischer Hilfsmittel wie des schwarzen Spiegels bediente. Eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung dieser neuen Sichtweise spielte auch der parallele Aufstieg der Fotografie, der in Florenz durch die Tätigkeit des Studio Alinari verkörpert wurde. Die Erfahrung der Macchiaioli fand ihre Momente größter Geschlossenheit und Ausdruckskraft in den gemeinsamen Arbeitsaufenthalten. Hervorzuheben sind dabei die Sommer in Castiglioncello, auf dem Anwesen des Kritikers und Mäzens Diego Martelli, sowie die Malaufenthalte im ländlichen Piagentina hervor, in deren Rahmen es den Künstlern gelang, den toskanischen Alltag und die Landschaft in Bilder von strenger formaler Wesentlichkeit umzusetzen.

Ein weiterer konzeptioneller Schwerpunkt befasst sich mit der impressionistischen Wende und dem Übergang von der Darstellung der Stadt zur Darstellung der Landschaft. Die Künstler dieser Gruppe, darunter Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro und Berthe Morisot, brachen offen mit der offiziellen Institution des Pariser Salons. Die Maler lehnten die akademischen Auswahlkriterien ab und beschlossen, sich selbst zu organisieren, wodurch zwischen 1874 und 1886 eine Reihe von acht unabhängigen Ausstellungen ins Leben gerufen wurde. Auf technischer Ebene revolutionierte der Impressionismus die bildliche Sprache durch den Einsatz eines schnellen, fragmentierten und lebendigen Pinselstrichs, der darauf ausgelegt war, die Veränderungen des Lichts und die atmosphärischen Schwankungen festzuhalten. Die Farbpalette wurde durch die Verwendung reiner und leuchtender Farben, die ohne vorherige Tonverschmelzung direkt auf die Leinwand aufgetragen wurden, deutlich heller. Aus ikonografischer Sicht richteten die Impressionisten ihren Blick sowohl auf die urbane Moderne – sie stellten Bahnhöfe, industrielle Infrastrukturen, Brücken und Dampfschiffe dar – als auch auf Naturlandschaften, wobei sie eine ausgeprägte Vorliebe für ländliche Umgebungen, Gewässer und Meeresansichten hatten.

Der kunsthistorische Überblick befasst sich anschließend eingehend mit der Haager Schule und ihrer originellen Interpretation der niederländischen Landschaft. Diese Künstlergemeinschaft, die etwa zwischen 1860 und 1890 tätig war, zeichnete sich durch ein malerisches Schaffen aus, das durch die vorherrschende Verwendung zurückhaltender Farbspektren geprägt war, deren Schwerpunkt auf Grau- und Grüntönen lag – ein Merkmal, das der Gruppe den Namen „Graue Schule“ einbrachte. Die wichtigsten Vertreter der Haager Schule waren Willem Roelofs, Jacob Maris, Anton Mauve, Hendrik Willem Mesdag, Johan Hendrik Weissenbruch und Paul Constantin Gabriël. Zu den bedeutendsten Werken dieser Zeit zählt das monumentale „Panorama Mesdag“, ein grandioser Rundum-Panoramablick, den Hendrik Willem Mesdag in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern der Gruppe schuf.

Das künstlerische Schaffen der Haager Schule konzentrierte sich auf die Beobachtung der Polder, der Windmühlen, der Strände von Scheveningen und der für die Niederlande typischen bewölkten Himmel, wobei die Aufmerksamkeit für die Wetterbedingungen mit der Darstellung der traditionellen Arbeit von Bauern und Fischern verbunden wurde. Die Künstler dieser Strömung vermieden es bewusst, Zeichen der bevorstehenden Industrialisierung in ihre Kompositionen aufzunehmen, und zogen es vor, ein idyllisches und zeitloses Bild der niederländischen Landschaft und Küsten festzuhalten.

Viel Raum wird den vielfältigen Ausprägungen des Postimpressionismus und des Neoimpressionismus im europäischen und italienischen Kontext gewidmet. Ab der Mitte der 1880er Jahre ging die künstlerische Forschung über den impressionistischen Empirismus hinaus und wandte strengere oder analytischere Ansätze an. Mit dem Pointillismus und dem französischen Divisionismus, angeführt von Georges Seurat und Paul Signac, wurde der Farbauftrag wissenschaftlichen Gesetzen unterworfen, die auf den von Eugène Chevreul und Ogden Rood durchgeführten Studien zur Optik und zur visuellen Wahrnehmung basierten. Die Pigmente wurden in Form kleiner Punkte oder einzelner Striche aus reiner Farbe auf die Leinwand aufgetragen, wobei die optische Zusammensetzung der Farbtöne dem Auge des Betrachters überlassen blieb.

Diese Technik fand international große Resonanz und beeinflusste die nachfolgenden Forschungen zu Farbe und Licht, die von Persönlichkeiten wie Kees van Dongen und Jan Sluijters, den Protagonisten des sogenannten Luminismus, sowie die Entwicklungen der Fauvisten-Bewegung in Frankreich, vertreten durch Henri Matisse und Albert Marquet, sowie das Werk des Belgiers Théo van Rysselberghe. In Italien entwickelte sich die divisionistische Strömung eigenständig und mit einer starken symbolischen und sozialen Prägung. Der Wendepunkt für die Etablierung der Bewegung war die erste Triennale von Brera im Jahr 1891, eine Veranstaltung, bei der die neuen theoretischen und stilistischen Ansätze auch dank der fördernden und kritischen Tätigkeit des Kunsthändlers und Galeristen Vittore Grubicy de Dragon ihre offizielle Anerkennung fanden. Die bedeutendsten Vertreter des italienischen Divisionismus waren Giovanni Segantini, Gaetano Previati und Giuseppe Pellizza da Volpedo. In ihren Werken verband sich die Zerlegung des Pinselstrichs in übereinanderliegende Farbstreifen mit einer tiefgründigen Auseinandersetzung mit den Themen Natur, Spiritualität und den Forderungen der Arbeitswelt und markierte damit einen entscheidenden Moment in der italienischen Malerei der Jahrhundertwende.

Eine weitere grundlegende Richtung lenkt den Blick auf die urbane Dimension und betrachtet die Metropole als neue Landschaft der Moderne. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts etablierte sich Paris als künstlerisches und kulturelles Zentrum Europas, was nicht zuletzt auf den radikalen städtebaulichen Umbau zurückzuführen war, den Baron Georges-Eugène Haussmann vorangetrieben hatte, der die Struktur der französischen Hauptstadt durchdie Schaffung großer Boulevards und Plätze neu gestaltete. Die Künstler jener Zeit fanden in den symbolträchtigen Vierteln des Nachtlebens wie Montmartre und an den Orten des bürgerlichen Vergnügens neue Motive, die es zu erforschen galt. Maler wie Pablo Picasso, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard und Mary Cassatt hielten die Welt der Café-Concerts, Theater, Zirkusse, Pferderennbahnen und häuslichen Interieurs fest und vermittelten so die soziale Komplexität und die Hektik des Großstadtlebens. In diesem Pariser Kontext zeichnete sich der aus Ferrara stammende Giovanni Boldini aus, der zu einem der gefragtesten und gefeiertsten Porträtmaler der Belle Époque wurde. Boldini entwickelte eine Bildsprache, die sich durch schnelle, fließende Pinselstriche und farbliche Schwünge auszeichnete und es ihm ermöglichte, die Eleganz der damaligen Gesellschaft wiederzugeben sowie die Dynamik, die Geschwindigkeit und die Zerbrechlichkeit des modernen Lebens einzufangen.

Die kritische Betrachtung befasst sich anschließend mit den Veränderungen der Landschaft im Zeitalter der historischen Avantgarden und analysiert den Werdegang, der vom Futurismus zur „Rückkehr zur Ordnung“ führt. Der Futurismus, der 1909 mit der Veröffentlichung des von Filippo Tommaso Marinetti verfassten Manifests begründet und 1910 im Bereich der Malerei konkretisiert wurde, schlug der Futurismus eine radikale Ablehnung der Vergangenheit und der akademischen Tradition vor und verherrlichte Geschwindigkeit, Maschine, Technologie und die Ausdehnung der Industriestadt. Zu den wichtigsten Protagonisten dieser Epoche gehörte Umberto Boccioni, dessen Gemälde „Meriggio. „Officine a Porta Romana“ den Übergang von der divisionistischen Zerlegung zur Darstellung der sich ständig wandelnden städtischen Peripherie dokumentiert. Neben Boccioni werden die Arbeiten von Aroldo Bonzagni und die nachfolgenden Entwicklungen der Bewegung dokumentiert, wie beispielsweise die von Tullio Crali theoretisierte und umgesetzte „Aeropittura“ sowie die Beiträge von Anselmo Bucci.

Die Auseinandersetzung mit der Stadtlandschaft der Zukunft fand auch in den utopischen Visionen und theoretischen Entwürfen der Architekten Antonio Sant’Elia und Mario Chiattone großen Niederschlag, deren Zeichnungen mehrstufige Metropolen zeigten, die von Türmen, Kraftwerken und Verkehrsknotenpunkten dominiert wurden. Nach den Verwüstungen des Ersten Weltkriegs vollzog sich im europäischen Kulturklima jedoch ein tiefgreifender Wandel: Der ikonoklastische Elan der Avantgarden wich dem Phänomen der „Rückkehr zur Ordnung“. Die Künstler verspürten das Bedürfnis, die Solidität der Form, das kompositorische Gleichgewicht, das Maß und einen erneuerten figurativen Humanismus wiederzugewinnen, indem sie an die große Tradition der Klassik und der Renaissance anknüpften.

Die konzeptuelle Ausstellung schließt mit einer Analyse der Auflösung der Form und der Entstehungder reinen Abstraktion. Zwischen dem ersten und dem zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts erreichte die jahrhundertealte Tradition der figurativen Landschaftsmalerei einen radikalen Wendepunkt. Künstler wie Wassily Kandinsky und Piet Mondrian trieben den Prozess der Vereinfachung und Synthese der natürlichen Realität auf die Spitze. Kandinsky gelangte, ausgehend von den farbenfrohen Impulsen des Fauvismus und der Entsprechung zwischen Malerei und Musik, zur Beseitigung jeglichen figurativen Bezugs und verwandelte die Landschaft in eine Orchestrierung aus Linien, Formen und Farbfeldern, die direkt auf die Empfindsamkeit des Betrachters einwirken.

Gleichzeitig schlug Piet Mondrian einen Weg der fortschreitenden analytischen Abstraktion ein, ausgehend von der Untersuchung von Bäumen, Gebäudefassaden und dem Meer. Durch eine strenge Reduktion der Realität auf orthogonale Raster und Farbfelder aus Primärfarben gelangte Mondrian zum Neoplastizismus und erkannte in der geometrischen Struktur die der Natur zugrunde liegende universelle Ordnung.

Die konzeptuelle Ausstellung schließt mit einer Analyse der Auflösung der Form und der Entstehung der reinen Abstraktion. Zwischen dem ersten und dem zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts erreichte die jahrhundertealte Tradition der figurativen Landschaftsmalerei einen radikalen Wendepunkt. Künstler wie Wassily Kandinsky und Piet Mondrian trieben den Prozess der Vereinfachung und Synthese der natürlichen Realität auf die Spitze. Kandinsky gelangte, ausgehend von den farbenkünstlerischen Anregungen des Fauvismus und der Entsprechung zwischen Malerei und Musik, zur Eliminierung jeglichen figurativen Bezugs und verwandelte die Landschaft in eine Orchestrierung aus Linien, Formen und Farbfeldern, die direkt auf die Empfindsamkeit des Betrachters einwirken. Gleichzeitig schlug Piet Mondrian einen Weg der fortschreitenden analytischen Abstraktion ein, ausgehend von der Untersuchung von Bäumen, Gebäudefassaden und dem Meer der Niederlande. Durch eine konsequente Reduktion der Realität auf orthogonale Raster und Farbfelder aus Primärfarben gelangte Mondrian zum Neoplastizismus und erkannte in der geometrischen Struktur die der Natur zugrunde liegende universelle Ordnung.

Das Erlebnis im Palazzo dei Diamanti wird durch ein multisensorisches Projekt aus Klängen, Düften und Inszenierungen ergänzt, das die Veränderung des Blicks begleitet. Die Figuren von Monet, Van Gogh und Kandinsky markieren den Übergang von der Beobachtung des Realen zur Abstraktion und spiegeln wider, wie die Malerei in weniger als achtzig Jahren die Natur von einem darzustellenden Objekt zu einer gelebten Erfahrung und einer mentalen Konstruktion verwandelt hat. Der Klang- und Geruchsparcours gliedert sich in vier Abschnitte, die eher die Sichtweise der Künstler als das gemalte Objekt heraufbeschwören.

Im Saal der Macchiaioli sollen der Wind im Gras, die Möwen, die Schritte auf dem Boden, das Meer sowie mineralische und feuchte Erdduftnoten die Greifbarkeit der Natur und der Freilichtmalerei wiedergeben. Für die Haager Schule schaffen der Wind über den Ebenen, die Flügel der Windmühlen, die Bewegung des Wassers und Noten von nassem Gras eine kontemplative und feuchte Atmosphäre, wie sie für die niederländischen Polder typisch ist. Im Abschnitt über das städtische Leben beschwören Gemurmel, Klirren, das Rascheln von Kleidern, Schritte auf Parkett, Klaviermusik und der Duft von Puder die mondäne, großstädtische und feminine Welt herauf. Schließlich stehen im Abschnitt über die Abstraktion Auszüge aus Schönbergs „Drei Klavierstücke op. 11“ im Dialog mit Kandinskys „Lirico“ und den Werken von Feininger, Marc, Gestel und van Heemskerck und unterstreichen die Autonomie von Form und Farbe, während synthetische und irisartige Noten jeden naturalistischen Bezug ersetzen.

Die szenografische Gestaltung begleitet diesen Rundgang mit Farbverläufen von Brauntönen bis hin zum Weiß des letzten Saals. Fünf lichtdurchflutete Portale fungieren als architektonische Blenden und Wahrnehmungsschwellen, um den Blick neu auszurichten: das erste am Eingang für Barbizon und die Macchiaioli; das zweite vor dem immersiven Raum zu Impressionismus, Haager Schule, Postimpressionismus und Divisionismus; das dritte für die urbane Moderne zwischen Futurismus und „Rückkehr zur Ordnung“; das vierte in Richtung Abstraktion; das fünfte vor dem Epilog, einem weißen Raum, der dem einzelnen Gemälde von Mondrian vorbehalten ist.

Praktische Informationen

Werke aus dem Boijmans in Rotterdam werden in Ferrara ausgestellt, um die Revolution der Landschaft zu beleuchten

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.