by Noemi Capoccia 23/10/2026
Catégories: Interviews / Avis de non-responsabilité
Dans un atelier de Carrare, la sculptrice Mariaelena Mariotti, également connue sous le nom de « Mother of the Dinosaurs », façonne des dinosaures si réalistes qu’ils semblent vivants, mais qui remettent également en question l’idée que l’on se fait de leur férocité. Un parcours où se mêlent sculpture, étude anatomique et sensibilité envers le monde animal. Et dans sa ville, elle rêve d’un musée d’histoire naturelle. L’interview de Noemi Capoccia.
Née et ayant grandi à Carrare, Mariaelena Mariotti, connue sous le nom d’artiste « Mother of the Dinosaurs », connaît un succès grandissant grâce à ses dinosaures réalistes, d’incroyables sculptures qui voient le jour dans son atelier au pied des Apuanes et sont ensuite expédiées aux quatre coins du monde. Elle a commencé à modeler des dinosaures alors qu’elle ne savait pas encore que cette passion deviendrait le cœur de sa recherche artistique. De la pâte à modeler de la maternelle à l’argile du lycée artistique, jusqu’aux grandes sculptures réalisées pendant ses années à l’Académie des Beaux-Arts de Carrare, sa relation avec ces créatures est restée une constante, se transformant progressivement d’un jeu d’enfant en un langage capable d’allier sculpture, anatomie, paléontologie et attention portée au monde animal. Son parcours passe également par le cinéma, où il a travaillé pendant deux ans comme assistant costumier à Turin, avant de revenir à Carrare et de rencontrer le sculpteur Franco Mauro Franchi, alors professeur à l’Académie. C’est précisément là que Mariotti trouve l’occasion de se mesurer à la grande échelle : c’est ainsi que naît le premier vélociraptor grandeur nature, suivi du tyrannosaure rex de treize mètres, réalisé en cire de récupération et en papier mâché, recroquevillé sous une couverture et dont le ventre bouge pour simuler la respiration.
Au fil du temps, la recherche est devenue de plus en plus rigoureuse : de l’argile au bronze, de la résine au polyuréthane et aux matériaux de récupération, Mariotti a développé différentes techniques pour fabriquer des créatures monumentales, en étudiant leur anatomie et en se référant à des fossiles et à des numérisations réelles. Derrière le nom de « Mother of the Dinosaurs » se cache ainsi une recherche qui part de l’émerveillement face à la vie préhistorique pour s’interroger sur notre place sur la planète. Une recherche qui se tourne aujourd’hui également vers l’avenir, avec le rêve de créer à Carrare même un musée dédié à la géologie, à l’histoire naturelle et à la paléontologie, où sculptures, vestiges et activités pédagogiques pourraient offrir au public une perception différente de la profondeur du temps et de la fragilité des écosystèmes. Mariaelena Mariotti nous raconte tout cela dans cet entretien avec Noemi Capoccia.
NC. Quand ta relation avec les dinosaures a-t-elle commencé ? Y a-t-il eu un moment précis où cette passion d’enfance s’est transformée en vocation artistique ?
MM. J’ai eu la chance, du moins de mon point de vue, de naître justement l’année de la sortie de Jurassic Park. J’ai grandi en plein boom des dinosaures, mais ma passion pour ces créatures est apparue avant même que je puisse vraiment la nommer. J’ai des souvenirs très nets qui remontent déjà à la maternelle et, dès mon plus jeune âge, j’étais passionnée par les dinosaures. À cette époque, je regardais sans cesse « Jurassic Park », mais surtout les documentaires de Piero Angela, qu’on m’avait offerts et qui ont joué un rôle fondamental dans ma formation. Aujourd’hui encore, je pense que c’est davantage le making-of de Jurassic Park que le film lui-même qui m’a le plus influencée : voir comment les dinosaures étaient conçus et réalisés, en partant de la pâte à modeler pour aboutir à des créatures extrêmement réalistes, me fascinait profondément. Ma famille a toujours soutenu ma passion, en mettant à ma disposition du matériel avec lequel je pouvais construire, modeler et dessiner. La pâte à modeler, les LEGO et tout ce qui permettait de travailler de mes mains ont accompagné mon enfance et, d’une certaine manière, ont préfiguré ce que j’allais faire par la suite. C’est une passion qui n’a jamais vraiment connu d’interruption. Aujourd’hui encore, la pâte à modeler est l’un des matériaux que j’utilise le plus. Il y a aussi une dimension liée à la mémoire : son odeur, tout comme celle des crayons de couleur et des fournitures scolaires, me ramène immédiatement à mon enfance. Les dinosaures représentent donc également un élément profondément lié à ma formation et à ma façon de travailler. Ces dernières années, en revanche, il s’est passé quelque chose qui a revêtu pour moi une signification particulière : j’ai rencontré certaines des personnes qui ont travaillé à la réalisation des dinosaures de Jurassic Park. Un membre de l’équipe des deux premiers films, qui s’occupait de la robotique et plus particulièrement du Dilophosaure, m’a contactée pour faire ma connaissance et me féliciter pour mon travail. Par la suite, j’ai également pris contact avec le sculpteur qui avait réalisé le modèle du Dilophosaure : pour moi, ce fut une rencontre importante, car ces personnes appartiennent exactement à l’univers que j’avais observé enfant dans les documentaires sur la réalisation du film. Aujourd’hui, j’envisage également un projet photographique qui reprendrait certaines de leurs méthodes de travail et de leurs poses, en guise d’hommage à cette période de ma formation. Lorsque j’ai réalisé le vélociraptor en bronze en 2017, j’avais également confié au fils de Stan Winston (spécialiste des effets spéciaux du film) à quel point le travail de son père avait été important pour moi. C’est précisément ce fil conducteur qui relie mon enfance à la recherche que je mène aujourd’hui : non pas tant le dinosaure en tant que sujet, mais plutôt l’intérêt pour le processus par lequel une image prend forme et devient matière. Ma collection de maquettes, qui s’est considérablement enrichie au fil des ans, est également liée à cette histoire. J’en possède des milliers, certains exposés et d’autres conservés et catalogués. Ce sont des objets qui appartiennent à différentes époques de l’histoire de Jurassic Park et que je continue à rechercher et à étudier. Au fond, cette collection est la trace la plus évidente d’une passion née dans l’enfance et qui, loin de s’éteindre, s’est progressivement transformée en une partie intégrante de mon parcours artistique.
Tu es née et tu vis à Carrare, une ville profondément liée à la sculpture. Dans quelle mesure ce territoire a-t-il influencé ta formation et ta façon de concevoir la matière ?
J’aime beaucoup Carrare et je pense que c’est une ville souvent sous-estimée, surtout lorsqu’on la regarde de manière superficielle. Pour moi, elle a toujours été un véritable trésor, un lieu où l’on ne cesse de découvrir de nouvelles choses. Enfant, j’étais surtout frappée par les grands blocs de marbre transportés par les camions : cette sensation de me trouver face à quelque chose d’énormément plus grand que moi est restée et je crois qu’elle a contribué à ma relation avec la matière et avec l’échelle de la sculpture. Mon parcours artistique n’a pas toujours été simple : à l’école, j’ai également vécu des moments d’isolement liés à mes passions, au point d’en venir à mettre temporairement de côté ma collection de dinosaures pour tenter de m’intégrer. Ce fut une phase de courte durée, car j’ai compris qu’il était absurde de renoncer à ce qui me représentait. L’Académie des Beaux-Arts de Carrare a en revanche été déterminante, surtout sur le plan technique. C’est là que Franco Mauro Franchi, après avoir vu mon portfolio, m’a proposé de réaliser une sculpture grandeur nature. C’est ainsi qu’est né le premier vélociraptor, qui m’a permis de me familiariser avec l’argile, les armatures, les moules et la fonte. L’année suivante, j’ai réalisé un T-Rex, encore très influencé par l’univers de Jurassic Park. Aujourd’hui, mon approche est différente : la précision scientifique est devenue fondamentale et je travaille sur de nouvelles sculptures en m’appuyant sur une étude beaucoup plus rigoureuse de l’anatomie et des fossiles. À l’Académie aussi, j’ai connu des moments d’isolement et de préjugés, liés surtout à l’idée que j’aurais bénéficié de privilèges ou d’aides de la part des professeurs. Ce fut une expérience difficile, mais elle m’a appris à ne pas me laisser influencer par le jugement des autres et à continuer à tracer mon chemin en toute autonomie.
Comment naît l’une de tes sculptures, de l’idée initiale à la forme définitive ? Quels matériaux utilises-tu et combien de temps peut prendre la création d’une créature de cette taille ?
Les matériaux ont beaucoup évolué au fil du temps, suivant également l’évolution de mes besoins. Au début, je travaillais surtout avec de l’argile et du plâtre, puis je suis passée à la résine et au bronze. Le T-Rex, par exemple, était réalisé avec une armature en fer, du papier mâché et de la cire. Pendant un certain temps, j’ai également travaillé exclusivement avec de la cire, surtout pour les sculptures plus petites. Par la suite, après une exposition au cours de laquelle une grande sculpture a été endommagée pendant le transport, j’ai commencé à réfléchir davantage au problème du poids et à la nécessité d’utiliser des matériaux plus légers. C’est ainsi que j’ai découvert le polyuréthane, qui est devenu pendant plusieurs années l’un des principaux matériaux de mon travail. Les grandes sculptures étaient réalisées avec des armatures internes en fer, du polyuréthane sculpté et des résines bicomposantes, puis travaillées à l’aide de cutters, de gouges et de râpes. Pour certaines œuvres, j’utilise également des fourrures synthétiques, que je peins ensuite, tandis que les sculptures plus petites sont réalisées par assemblage et stratification de résine. Depuis cette année, j’ai adopté une technique différente, qui me permet de travailler plus rapidement et sans avoir recours à la soudure. Je réalise des gabarits en bois déjà dimensionnés en fonction de la structure qu’ils doivent soutenir, j’ajoute le fer en le fixant et en l’enrobant de résine aux endroits nécessaires, puis je construis le volume avec de la mousse de polyuréthane et des matériaux de récupération, comme le polystyrène issu des emballages. La forme est enfin définie à la main, comme auparavant, puis recouverte de résine. C’est une technique plus rapide, plus légère et plus facile à transporter, mais qui me permet de conserver le même contrôle sur la définition anatomique de la sculpture.
Qu’est-ce qui a changé dans ta façon de travailler lorsque tu t’es lancée dans la sculpture de grande taille ?
La plus grande satisfaction ne dépend pas nécessairement de la taille de la sculpture. Parfois, même un petit sujet peut acquérir une vitalité surprenante : lorsqu’un œil semble vraiment te regarder ou lorsque la lumière et la chaleur du soleil donnent l’impression, l’espace d’un instant, d’avoir devant soi quelque chose de vivant, c’est une sensation difficile à expliquer. Les grandes dimensions, en revanche, suscitent un autre type d’émotion. Elles restituent la magnificence de l’animal et, d’une certaine manière, nous font prendre conscience de notre infériorité face à la vie qui nous entoure. C’est un sentiment d’humilité qui, je crois, devrait animer toute personne s’intéressant à la biologie, à la zoologie ou à la paléontologie. En effet, lorsque l’on commence à se confronter à des échelles de temps de plusieurs centaines de millions d’années, notre perception de notre propre histoire s’en trouve également modifiée. Découvrir que les requins existaient avant les arbres ou comprendre l’écart temporel qui sépare des animaux tels que le stégosaure et le tyrannosaure nous amène inévitablement à relativiser notre présence sur la planète. C’est l’un des aspects que j’essaie de restituer à travers le réalisme de mes sculptures. Bien sûr, nous ne pouvons pas savoir exactement à quoi ressemblait un animal disparu, mais lorsque je reconstitue une anatomie à partir de fossiles et de scans réels, puis que je vois la lumière du soleil frapper cette forme, je ressens une sensation particulière : c’est comme si, l’espace d’un instant, cette créature retrouvait la lumière après des millions d’années. C’est l’un des aspects les plus fascinants de mon travail.
Tes dinosaures semblent presque être des créatures capables de raconter le présent. Quel sens souhaites-tu confier à tes œuvres ? Pourquoi sont-ils précisément devenus ton langage artistique ?
L’un de mes rêves est d’ouvrir un musée qui allie la paléontologie à mes œuvres, avec des espaces dédiés également à des ateliers. Je voudrais que ce soit avant tout un lieu d’éducation, capable de transmettre une meilleure prise de conscience de notre relation avec la planète. J’aimerais surtout apprendre aux enfants à se confronter à la dimension du temps géologique et à l’histoire de la vie sur Terre. Les dinosaures peuvent constituer un moyen immédiat de les initier à ces thèmes, mais l’objectif serait de leur faire comprendre quelque chose de plus vaste : à quel point nous sommes récents par rapport à l’histoire de la planète et à quel point les équilibres des écosystèmes sont fragiles. Je pense que nous avons souvent une perception très anthropocentrique du monde, comme si la planète, les animaux et ses ressources étaient simplement à notre disposition. Se confronter à des centaines de millions d’années d’évolution aide en revanche à relativiser notre présence et à comprendre que nous ne sommes qu’une partie, et très récente, d’une histoire infiniment plus longue. C’est pourquoi j’imagine le musée presque comme un lieu où l’on aide les gens à mieux comprendre où ils se trouvent et à quelle époque ils vivent. C’est une prise de conscience que je considère comme fondamentale et qui, selon moi, devrait occuper une place plus importante dans l’enseignement scolaire. Les dinosaures constituent un élément essentiel de l’histoire de la planète et je trouve emblématique qu’ils soient souvent si peu abordés.
L’une de tes œuvres les plus surprenantes est ce tyrannosaure de 13 mètres réalisé en cire de récupération, blotti sous une couverture et dont le ventre semble respirer. D’où te vient l’idée de donner une dimension humaine à une créature que l’on associe généralement à la férocité ?
L’intention est de créer une sorte d’oxymore, car les dinosaures sont souvent associés au bruit, à la violence et au sang. J’essaie au contraire d’en montrer également le côté animal, plus vulnérable et quotidien. Il en va de même pour les autres sujets que je représente. Un requin, par exemple, n’est pas seulement celui que le cinéma nous a appris à connaître : c’est un animal qui peut être curieux, effrayé, calme. J’essaie justement de restituer cette dimension, même si, bien sûr, lorsqu’on parle d’animaux disparus, il s’agit toujours d’une reconstruction interprétative. Cette approche s’applique également à la photographie. Pour moi, la sculpture ne se limite pas à l’œuvre physique. J’essaie également de faire des photographies une partie intégrante de mon travail, en construisant chaque image comme si elle était elle-même une œuvre. Je crois qu’il y a aussi besoin de cette dimension plus délicate. Au fil des ans, j’ai reçu des messages de personnes de différents pays qui me disent attendre mes œuvres pour sourire ou simplement pour se sentir mieux. C’est quelque chose qui me touche beaucoup, car cela signifie qu’à travers des animaux préhistoriques, apparemment si lointains et imposants, on peut aussi transmettre un sentiment de tendresse et de réconfort. C’est précisément ce contraste qui m’intéresse : utiliser des sujets associés à la force et à la férocité pour en raconter au contraire la partie la plus fragile, la plus curieuse et la plus vivante.
Tes œuvres ont une dimension monumentale et spectaculaire. Sont-elles également conçues pour sortir des espaces traditionnels de l’art et toucher un public différent ? As-tu déjà exposé tes œuvres hors d’Italie ou aimerais-tu le faire ?
Mon public, heureusement, est déjà très international. La plupart de mes œuvres de plus petite taille sont principalement achetées aux États-Unis, en Europe du Nord, au Japon, en Inde et en Amérique latine. C’est un aspect qui m’amène également à réfléchir à la perception différente de mon travail selon les pays. En Italie, le dinosaure est encore très souvent associé à l’enfance ou au divertissement. À l’étranger, en revanche, il est davantage reconnu comme un sujet scientifique et artistique. Cela m’a permis de toucher un public qui aborde mon travail sous un angle différent et qui reconnaît la valeur de la recherche qui se cache derrière chaque reconstitution. C’est aussi pour cette raison que j’aimerais beaucoup présenter mes œuvres hors d’Italie. Jusqu’à présent, j’ai surtout exposé ici et l’un de mes rêves serait d’organiser une exposition à l’étranger, notamment en Angleterre ou en Allemagne, où il existe une très forte tradition liée à la paléontologie et à la vulgarisation scientifique. Je pense que le fait d’avoir constitué une grande partie de mon public en dehors de l’Italie démontre également qu’il existe une place pour ce type de recherche. Mon objectif est de faire reconnaître cette activité pour ce qu’elle est : un travail qui allie art, reconstitution anatomique, étude scientifique et vulgarisation.
Après des années consacrées à la recherche et à la construction de ton univers de créatures, quels sont aujourd’hui les objectifs de « Mother of the Dinosaurs » ? Y a-t-il un dinosaure que tu n’as pas encore réalisé et que tu rêves de créer ?
Ce qui me tient vraiment à cœur, c’est de créer ce musée, et j’aimerais le faire à Carrare, une ville qui m’est particulièrement chère. Je voudrais que ce soit un musée consacré avant tout à la géologie du territoire, donc aux roches et aux matériaux de nos montagnes, mais avec un regard sur l’histoire géologique et naturelle de la planète. Je dispose déjà d’une collection de reconstitutions et de vestiges qui pourrait constituer une première base : outre les sculptures, je possède des ammonites, des empreintes de dinosaures, des dents et d’autres fossiles. Il est également important de rappeler que, dans les grands musées d’histoire naturelle, tous les squelettes exposés ne sont pas des originaux : beaucoup sont des moulages ou des répliques réalisés à partir de vestiges authentiques. C’est pourquoi je pense que le matériel que j’ai rassemblé au fil des ans peut d’ores et déjà contribuer à la construction d’un grand projet. En ce qui concerne les expositions, en revanche, je suis devenue beaucoup plus sélective. J’ai vécu des expériences où les œuvres n’ont pas été traitées avec le respect qu’elles méritaient et, aujourd’hui, je considère qu’il est fondamental qu’une collaboration reconnaisse l’artiste en tant que professionnelle, en garantissant des conditions, une assistance et des accords clairs. L’une des expériences les plus positives a été celle avec Lucca Comics, où, bien que je n’en sois encore qu’au début de mon parcours, j’ai été traitée de manière professionnelle à tous les égards. C’est une différence que j’ai appris à considérer comme essentielle. En ce qui concerne le public international, je pense que le succès des sculptures plus petites peut également s’expliquer par le concept japonais de « kawaii », c’est-à-dire l’idée de quelque chose de mignon et d’agréable. Mes petites créatures naissent justement de la rencontre entre la rigueur scientifique et une certaine tendresse : leurs proportions et leurs caractéristiques anatomiques sont étudiées, mais elles ont aussi des yeux plus grands et certains traits délibérément accentués pour les rendre expressives. Ce qui me frappe le plus, c’est qu’une grande partie de ces œuvres est achetée pour être offerte en cadeau. Il m’est arrivé, par exemple, que des filles les offrent à leur mère qui avait rêvé d’étudier la paléontologie, ou que des parents les offrent à leurs enfants, à des couples ou à des grands-parents. Cet aspect me motive tout particulièrement : savoir qu’une de mes sculptures traverse le monde et parvient à quelqu’un qui l’a choisie pour une raison personnelle me rappelle que, au-delà des efforts quotidiens du travail, il y a de l’autre côté une personne qui a vu ce que je fais, l’a apprécié et a décidé d’emporter avec elle une partie de mon œuvre.
Avertissement : la traduction en français de l'article original italien a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.