by Federica Schneck 24/10/2026
“AURA”展览将埃娃·尤什基维奇（Ewa Juszkiewicz）的画作与瓦伦蒂诺·加拉瓦尼（Valentino Garavani）的历史服饰相融合，以此审视“辨识度崇拜”这一现象。 在罗马，尤什基耶维奇画作中被抽离面容的女性形象，成为一种独立的存在，能够逃脱他人的凝视与定义。费德里卡·施内克的评论。
在罗马米尼亚内利广场的PM23展厅——瓦伦蒂诺·加拉瓦尼与詹卡洛·贾梅蒂基金会在此举办其文化活动——“AURA：瓦伦蒂诺·加拉瓦尼与埃娃·尤什基耶维奇”展览从“缺席”开始。展墙上陈列着波兰画家埃娃·尤什基耶维奇的二十六幅画作，这些作品重新诠释了过去几个世纪的女性肖像，却刻意遮掩了面容。在原本应有目光与嘴唇的位置，取而代之的是打结的织物、发丝、果实、叶片与花朵。 四周陈列着从瓦伦蒂诺时装屋档案中精选出的三十八件服装，涵盖高级定制与成衣系列，跨越了从1963年至2008年近半个世纪的创作历程。
这种搭配看似有些大胆。 一方面，是一位将女性的舞台表现力视为自身美学标尺的大师，通过雕塑般的线条、精准的剪裁以及一眼即可辨识的色彩，赋予女性视觉上的尊贵气度；另一方面，是一位画家，她一幅接一幅地有条不紊地抹去人物的面部特征。 然而，当你穿行于各个展厅时，便会明白这两组作品其实围绕着同一个核心：布料、褶裥与形态，作为呈现自我与重新占有自我的工具。这是一个关乎权力与凝视的议题，其渊源久远，深深铭刻在艺术表现的历史之中。
在17世纪至19世纪之间，为肖像画摆姿势是一份全职工作：贵妇人需静坐数小时，微笑得恰到好处，目光温和而不挑衅，展现出一种令委托人、家族及社会都认可为“恰当”的神情。 得体、谦逊、理想化：面容被塑造成一块画布，供那个时代在其上书写自身的期待。那看似自然的神情，实则是一副面具，戴着它需要像雕像般保持僵直。作为补偿，画作的其他部分却享有令人惊讶的自由。 在织物的描绘中，画家展现了自己的技艺，委托人则彰显了自己的财富，以至于有些画室里甚至有专门负责绘制衣褶的专家。面容必须循规蹈矩，而丝绸却可以肆意渲染。
尤什基耶维奇以此种不对称性为出发点，并通过一种无可挑剔的“颠覆”手法将其彻底颠覆。 正如艺术家本人所解释的，隐藏面容并非一种防御或隐匿的行为，而是一种彻底的解放之举：去除面部特征，意味着打破那个将女性形象束缚了数个世纪的历史与美学期待之牢笼。 这一创作过程得到了明确的阐释：二十六幅画作中有十五幅，其标题已揭示了它们所源自的原作，涉及维热·勒布伦、赖特、热拉尔、博伊利或苏利等大师。正是如此，展厅说明才在参观者眼前变得具体可感。 失去了那张令人安心的面部轮廓，人物形象不再是供观者凝视的被动对象，也摆脱了任何单一的解读。没有人再需要取悦任何人。
面对这样的断裂，最初的反应几乎是一种防御。 人们本能地会联想到一种抹除、一种具象的暴力，或是某种被剥夺的东西。而尤什基耶维奇的绘画却走向了相反的方向：当过去那种千篇一律的面容特征消失时，一种有机且三维的生机便蓬勃绽放。 纠缠的织物、宏伟的发髻、丝绸构成的球体、果实与植物元素——它们既不需微笑，也不必垂目，更无需表现得谦逊。它们就那样静静伫立，巨大而光泽，而它们的存在本身便是答案。
《龟背竹》（2024）那巨大的叶片与《牡丹肖像》（2025）中错综复杂的构图，由此完全取代了面孔的位置，将这种缺席转化为新的视觉重心。至此，与瓦伦蒂诺（Valentino）的对话便清晰地显现出来。 在高级时装中，面料如同雕刻刀一般：从2007/2008秋冬高级定制系列中的红色公爵夫人缎，到八十年代的丝绒和塔夫绸， 这位时装大师设计的晚礼服雕琢着身体曲线，赋予其近乎纪念碑般的庄严感。 每一道线条背后，都隐藏着一座由剪裁、试穿、反复推敲构成的耐心工坊，那里有深谙丝绸何处柔韧、何处坚韧的巧手。高级时装的裁剪是一门关于表面的科学，而尤斯基维奇对此了然于心。
凭借精湛的技法——这种技法呼应了其创作源头的绘画美学——这位画家从裁缝工艺中汲取了对细节的执着、丝绸的光泽、天鹅绒的柔软，以及光线如何穿透塔夫绸褶皱的韵味。 她借用他人的手艺，并将其以绘画的形式呈现出来。正是在这种呈现过程中，各种符号体系发生了颠倒与碰撞。 一个世纪以来，高级时装一直塑造着属于自己的女性形象——庄重、雕塑感强、极具辨识度，而这也是一种符号。一家时装屋在其空间内邀请一位拆解肖像画符号的画家进行创作，这表明这两种语言都足够成熟，足以引发直接的对话。
《瓦伦蒂诺红肖像》（2026）正是置身于这种交流关系之中，这件作品专为本次展览创作，灵感源自2007–08秋冬高级定制系列档案。 在此，瓦伦蒂诺红摒弃了装饰功能，构成了独立的建筑结构：人物面容让位于缎面与绚丽织物之间复杂而奔放的变奏，这种变奏既保留了裁缝褶皱的严谨，又蕴含着有机形态的张力。 通过精雕细琢的绘画表现，褶裥不再是遮掩或朦胧的手段，而是构成了主体真正的解剖结构。
然而，尽管解开了形式之谜，标题中所蕴含的承诺仍待揭示：归根结底，“光环”究竟存在于何处？瓦尔特·本雅明曾用这个词来描述一种呈现的独特性——那种技术复制往往会消磨殆尽的、不可复现的存在感。 在此，“光环”肩负着另一重使命，它需在打破常规后所留下的视觉与情感共鸣中被寻觅。当面容被剥离，却并未陷入虚无。 留下的，是颈部的张力、肩头的凛然姿态、颜料的力量、物质的分量，以及一种拒绝被归类的存在所蕴含的神秘能量。
毕竟，面孔是一个人被复制最多的部分，是第一个被拍摄、被归档的部分，既是捍卫我们身份的堡垒，同时也为我们数字秘密敞开了大门。 将其移除这一举动比表面看起来更为激进，因为它剥夺了我们习惯于从肖像中获取的唯一信息：此人究竟是谁。
在这个被对即时影像的痴迷、对面孔的持续展示以及数字可识别性所充斥的时代，展览《AURA. 瓦伦蒂诺·加拉瓦尼与埃娃·尤什基维奇》则提出了一种逆流而行的另类视角，暗示着：要找回人物的真实本质，有时必须学会观察其蜕变的过程。
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