值此第27届欧洲犹太文化日之际——今年以“爱”为主题， 艺术家芭芭拉·纳哈马德将呈现由维多利亚 ·科恩策划的展览《伊甸园，无尽的爱》，该展览聚焦于二战后为以色列国建设新社会作出贡献的人们的记忆与生活。该展览将于9月6日（周日）向公众开放。 展览发布会定于当天15:00在米兰 弗朗科·帕伦蒂剧院举行，届时艺术家将亲临现场，并与策展人科恩进行对谈。
该项目源于将“伊甸园”视为一个民族童年的发源地这一理念：这是一个与希望、梦想、理想以及与重获之地的纽带紧密相连的空间，被视为犹太历史与记忆中身份认同的核心要素。 该展览于2014年在特拉维夫首展，随后开启了国际巡展之旅，历经多站后，在“欧洲博物馆之夜”期间来到博洛尼亚犹太博物馆。 纳哈马德的作品聚焦于一个充满物质困境却又凝聚着强烈集体奉献精神的复兴时期——那些在田间劳作的同时坚持学习、致力于构建全新社会现实的先驱者们。
这些作品通过一缕斜射而悬停的光线，将这一背景呈现出来，置于一种融合了记忆与梦境意境的视觉维度之中。作品的核心不仅在于历史事件，更在于人们及其日常生活的点滴：城市、学校、街道，以及沙漠边缘的基布兹。 这些图像记录了一个尚显稚嫩的世界，其特征在于强大的社会凝聚力、建设新社会的渴望，以及作为延续要素的文化、宗教、传统和历史。
展览图录收录了马蒂娜·科尔尼亚蒂（Martina Corgnati）和阿维·帕兹纳（Avi Pazner）大使的撰文，而维多利亚·科恩（Vittoria Coen）则为该项目撰写了题为《沙画》（Pitture di Sabbia）的专文。
正如策展人科恩所写，芭芭拉·纳哈姆德的艺术历程长期以来始终围绕绘画与记忆之间的关系展开。这位艺术家过去曾创作过历史文化人物及国际影坛巨星的肖像，她既从美学角度出发，又通过心理探索来诠释这些主题。 创作的起点往往是一张源自新旧杂志的照片，这些照片通过绘画被重新激活。由此，从摄影图像到绘画作品的转化，便成为一种介入记忆的工具，使那些已被媒体视角过滤过的图像重获生机。
这一创作过程同样体现在纳哈马德献给皮埃尔·保罗·帕索里尼、普里莫·莱维、毛泽东、猫王埃尔维斯·普雷斯利和玛丽莲·梦露的作品中——这些广为人知的形象经由纳哈马德的绘画重新诠释，从而超越了纯粹的纪实维度。 在《沙之画》一文中，策展人将记忆视为这位艺术家创作经验的主线。摄影作品在初次凝视中已被解读，随后又被绘画重新穿透，这一过程融合了疏离与重新占有。
然而，在《伊甸园》中，主题发生了变化。图像不再仅涉及公众人物和可辨识的历史人物，而是普通人——他们或是出自艺术家的家庭记忆，或是从杂志页面上邂逅的。 纳哈马德重构了以色列建国后回归故土的那段时期，着重展现了通过充满艰辛、牺牲和集体动员的日常劳动，所迸发出的对生活的热忱以及建设社会的动力。
在这个叙事中，艺术家的家人——父亲、母亲和祖父——与那些怀揣相同期待的无名男女、儿童和老人共同出现。私人维度由此与集体维度相互交织。 这些场景展现了简朴而艰辛的生活，同时也传递出对未来建设的憧憬：笑容、动作、习惯、童年瞬间、夫妻关系、工作与社区生活，都成为这段宏大历史的片段。
在技法和色彩运用方面也发生了一项重要转变。在克里斯蒂安娜·库尔蒂（Cristiana Curti）早前为《ArtsLife》杂志进行的一次采访中，纳哈马德曾将自己的创作过程描述为一种渐进式的“减法”，旨在追求更纯粹的本质。
“我开始‘减法’，以寻求我所需的纯净与本质：我放弃了曾是我的艺术标志的釉彩，”纳哈马德表示。“我删除了那些曾是我的另一大特色的利落线条。 我削减了完美形态的犀利感。我简化了主题，减轻了画布的负担——它已变得多余。但我却让画面变得更加复杂而错综，因为如今我的创作源头是上世纪五十年代以色列政府为促进新家庭移民而分发的旧杂志。”
这一选择体现在作品的外观上。曾是其他作品标志性特征的潘通色系——红色和绿色——如今主要让位于赭石色，某些情况下穿插着黑白两色。 专门为本次展览创作的一组小型作品，其基调几乎是单色的。科恩提到，他在展览开幕前几天，曾在艺术家位于米兰纳维利区的画室里见过这些作品。
绘画保留了图像的完整性，但通过有限的色域对其进行了转化，由此诞生的作品仿佛由沙粒构成。图像被分解为碎片，并通过嵌入来自一条对艺术家尤为重要的项链上的小珍珠而得以丰富——这条项链与她的童年记忆紧密相连。 笔触、叠加与层叠的效果，赋予这些小幅作品一种历经岁月淬炼的质感，宛如历经时光沉淀的家族传家宝。
在画布上，色彩仿佛将描绘的面孔和场景包裹其中。嬉戏的孩童、上学的学生、一位额头倚在手背上的老人、坐在装甲车上的少年、摆姿势的少女、母亲的拥抱以及辛勤工作的男子，共同构成了日常场景的图集。 背景中隐约可见家具、洗手盆、装甲车和若隐若现的风景，刻意留白的空间让人联想到儿童画的质朴。
历史与时事虽始终在场，却退居于画面中人性维度的次要位置。核心在于一个社区的生活——他们通过集体动员致力于国家建设。 这些作品试图通过面孔、神情、阴影以及突如其来的光影透射，同时呈现出那些经历中蕴含的真实感与参与感。赭色与灰色的色调，伴随着一段既受艰苦生活条件影响，又充满对未来憧憬的叙事。
空间与时间的关系是纳哈马德艺术探索的核心要素之一。所谓“减法”，即去除多余元素，从而让符号和形象凸显出来；而身体的阴影在地面上勾勒出轮廓，共同构筑出一种悬浮的维度。 绘画语言的转变标志着其艺术风格的又一阶段，这种风格随着时间的推移不断演变并日益丰富。
《伊甸园，无尽的爱》实际上隶属于一条贯穿不同主题与多种语言的创作脉络，从为装置作品《警报》创作的作品，到《抗议之板》和《诗意纪实》，乃至电影明星以及历史与文化界重要人物的肖像画。 然而，该项目标志着视角向那些鲜为人知的人物转移，将杂志页面上邂逅的面孔转化为生活片段的主角。 即使无法辨认，这些形象仍可能显得亲切，仿佛早已存在于观者的记忆之中。这种亲切感源于那些朴素而普遍的情境：游戏、学校、工作、亲情、等待。
“伊甸园”项目始于特拉维夫，延续至米兰，随后落户博洛尼亚，对纳哈马德而言，这是对其关于起源与记忆的研究进行深入探索的重要契机。个人与集体的过去通过老照片、家庭影像以及最初旨在讲述一个崭新国家现实的文献得以重构。 艺术家对这些图像进行再创作，不仅旨在重现一个历史时期，更致力于展现身处其中之人的日常生活维度。
据科恩（Coen）的解读，艺术家在其作品中通过一种融合艺术、历史、政治与思想的重建方式来面对时间，从而避免将图像归结为刻板的表征。 因此，记忆便成为一个平台，让我们得以在其中对比：那些被记录下来的、那些亲身经历过的，以及绘画所能重新呈现的。《伊甸园，无尽之爱》正是基于这种时间与视角的交叠而展开，将集体历史的碎片转化为聚焦于个体存在及其经历所留痕迹的图像。
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| 在米兰，芭芭拉·纳哈姆德通过“伊甸园，无尽的爱”展览展现以色列社会 |
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