by Gabriele Landi 18/04/2024
Cesare Biratoni 是一位将绘画、拼贴画和摄影融为一体的艺术家，他从艺术史的各种来源和传统主题中汲取素材，并通过这些素材讲述了一个往往由偶然相遇构成的现实。
切萨雷-比拉托尼 1969 年出生于西班牙巴塞罗那，在布斯托-阿尔西齐奥生活和工作。在他的作品中，拼贴与绘画、素描与经过处理和重新组合的摄影之间没有任何区别。Biratoni 的绘画作品充满张力，使用不同的材料，其工作方法旨在使作品表面的凝视每天都在沉淀和重复。根据 Biratoni 的说法，“作品 ”的概念似乎与绘画被他人观察的可能性有关，而他人的目光并不理解创作过程开始时的破坏感。为了弥补这种破坏感，艺术家使用了一些历史题材，如画家和模特、沐浴者或画家本人，试图将它们放置在尽可能清晰、平整和切割的表面上，尽管它们是作品表面下一系列碰撞的未完成结果。在与 Gabriele Landi 的对话中，Biratoni 谈论了他的艺术。
GL.切萨雷，在采访艺术家的过程中，我自己也是一名艺术家，我意识到，如果你想更深入地谈论一件作品，就有必要做一个铺垫，比如让受访者告诉我，在他的童年时期，他是否在不知不觉中看到了自己艺术倾向的最初 “症状”......
CB.加布里埃尔，我喜欢你称它们为 “症状”，因为你似乎赋予了它们临床意义。事实上，我小时候就被图像所吸引。我会一直盯着书中的插图，我想看看它们背后是否有什么东西；我会看到一种深度，一种物质的振动。这些图像、形状和颜色让我回到了它们之外的东西。因此，如果让我判断这种倾向或痴迷的最初症状是什么，那么我会回答说，这是一种固定凝视的倾向，试图用视觉来恢复最吸引我的图像的生命和身体。
那么艺术对你来说有 “神奇 ”的力量吗？
我不知道，我很少用这个词。如果你说的 “魔力 ”指的是一种可以转化成其他东西的力量，那么我想你可以说是的，在某种程度上。但也许回想一下我跟你说过的那些固着，这更多的是一个欲望的问题。
你说的是哪种欲望-- 情欲？
对图像的占有欲，对图像的理解欲，以及对图像的兴趣。需要观察它们、借鉴它们、复制它们，了解它们是如何制作出来的。
在您成长的岁月里，您进行过哪些学习，有过哪些重要的邂逅？
我在布雷拉（Brera）师从贝佩-德瓦尔（Beppe Devalle），这无疑是一次重要的邂逅。在他的课堂上，与其他绘画流派相比，我们用一种更加精神化的方法画了很多画，对绘画媒介进行了概念性的思考。当时在学院里，人们可以去听法布罗的讲座，或者参加莱昂内蒂的美学课程，报名参加教育学课程，然后发现课程是由萨内西教的，而他读的是威廉-布莱克的英文。然后，多年来，重要的邂逅以及由此产生的刺激有很多：艺术家朋友、学校同事，甚至展览；其中之一是 1991 年在巴黎大皇宫举办的修拉选集展。
修拉的作品给您留下了什么印象？
尤其是用康泰铅笔画的小型预备画。我非常喜欢这样一个事实：在以细致的明度和耐心完成色彩并置的构图之前，先对光线、体积进行研究......但最重要的是，光尘笼罩着形式，在观者和主题之间形成了一种雾。我感到好奇的是，尽管画作使用了色彩，但从一定距离看去，画作就像是笼罩在珍珠母般的灰暗之中。在某种程度上，这又回到了小幅素描，但所有的色彩都在里面。
您的浴女作品是否源于与修拉作品的相遇？
我想是的。这是我作品中反复出现的主题。
在您的作品中，您经常使用摄影，并将其与绘画相结合。这些照片是您自己制作的，还是从其他来源获得的？
我的作品来源多种多样；一开始，我剪下自己印制的图像，作为绘画的主题或部分主题。然后我开始摄影，有时也自己摄影。我对摄影的迷恋可以从我的工作方式中看出。我将其视为图标材料，它所包含的所有含义（通常是无意的）......但在某些情况下，也包括调色板、形式和符号。在某一点上，或者至少我认为在某一点上，摄影不再 “只是 ”摄影，就像物质在某一瞬间不再 “只是 ”物质，而变成了形式、绘画或其他东西。
您在作品中收集和使用的材料会不断积累和分层，直到失去可识别性，就像您将其缓慢转化的过程。当你创作时，是你组装和绘画的各种作品向你暗示了它们的位置，还是它们遵循了精确的设计意图？
两者都是。我脑海中有一些模糊的模型，我事先想象过......然后在工作最紧张的阶段，我想任何参与此类活动的人都知道，建议、建议、图像会重叠在一起；这就好像，尽管我知道它们的位置，但我不知道它们在哪里。这就好像，尽管我曾试图进行规划，但在那个特定的时刻，就在事情逐渐成形的时候，看似明确的意愿却消失了，就像你说的那样，是一些事情提出了解决方案、路径和结果，而这些解决方案、路径和结果可能与最初的前提大相径庭，甚至截然相反。
您在工作时，是否给偶然性留有余地？
我非常肯定，围绕作品所做的准备和创造的条件也会产生一定的偶然性。在我的作品中，不同事物（画纸、照片、版画或其他）之间的相遇大多是偶然的。
布兰库西说过，最困难的事情不是做事情，而是让自己处于能够做事情的状态：你是如何做到这一点的？
我几乎不可能把 “想做 ”和 “做 ”本身分开。当我想到要做的事情，想象它们，推理它们，准备去做的时候，我就好像已经在工作了。当我离开工作室走回家的那一刻，我感觉自己与作品非常接近，并想象着作品的非凡发展；对我来说，那是一个绝对自由的时刻，摆脱了对偶然成就的需求。
您会在一段时间后修改作品吗？
是的，尤其是在绘画方面，因为有些东西即使在工作室里放置多年也无法解决。
你是否对不稳定的、临时的、充满可能性和变化的作品感兴趣？
我认为作品在某一点上是确定的。但在我们了解如何和何时之前......是的，整件事情是开放和可修改的。但在某些时候，你必须结束这个过程，这也是事实。我不认为 “无常 ”是一种价值......对悬而未决的事物着迷。我无法将我所使用的某些材料......例如纸张，与不稳定的概念联系起来。如果有的话，问题肯定不小，那就是作品的保存和耐久性。
是否因为这种保存的本能，您有时会在画布上作画，用颜料来模拟您在纸上所做的事情？
在我看来，我并没有这样做；我认为这是两种完全不同的过程。也许有相似之处，但只是从构图的角度来看。保存的问题尤其出现在纸张上；我们知道纸张的寿命有多短，随着时间的推移会如何变质，但这并没有给我带来太大的困扰，我见过一些七八十年代的拼贴画，例如胶带已经完全变黄，这给作品增添了一种光环，一种我喜欢的岁月痕迹。
在您的作品中，您如何看待绘画的重要性？
我一直认为绘画和剪纸是两个非常相似的过程。我还认为绘画与素描有一定的关系。德加说过，绘画不是形式，而是观察形式的方法。
马蒂斯也有类似的观点，他将绘画等同于切割，在他看来，切割接近于雕塑。您是否也对三维空间感兴趣？
我对事物的厚度非常感兴趣，尤其是在近代。我发现构图、重量和厚度之间存在对应关系。不过，我总是让我的拼贴画的层次具有一定的流动性，它们在平面上投下轻微的阴影....，这有点像我一直想画的静物照片。所以也许是的，我对三度空间很感兴趣。我认为图层的厚度也与时间有关；我喜欢它可以被 “看见”。
借此机会，我想请您深入探讨一下时间问题，在我看来，时间是您作品的基础之一。
这取决于你对时间的理解。有一个与记忆有关的问题......但我多年来一直不太重视这个问题，我不从档案和收集的意义上考虑这个问题。我喜欢积累剪报、照片、纸张，这没错；但没有任何真正的档案学严谨性，甚至没有文字学严谨性，事实上，我将家庭照片与找到的图像、彩色纸或纸张、回收品等混合在一起。当我绘制图像时，我的意图始终是图像性的。我想你可以从我经常擦除图像上的其他颜色层这一事实中看出来：在我看来，当照片或主题被描述得太好时，就会失去一些东西。比起时间的维度（在记忆的意义上），例如在静物照片中，我更感兴趣的是照片本身。引用 Fontcuberta 的一个很好的定义：“......摄影，在成为与现实相关的文件之前，是与自身模糊性质相关的文件”。
您拍摄照片的初衷是将其用于艺术创作，还是这些照片只是偶然出现在您的作品中？
我更倾向于你说的第二种情况，因为我喜欢并享受寻找素材的过程。我也拍摄过一些（糟糕的）照片，它们对我很有帮助，尤其是在创作拼贴画或以我自己为主题的画作时，与其说是肖像画，不如说是人物画。
在之前的一次谈话中，您告诉我您的无国籍状态，我认为这与 “模糊性 ”这一概念有某种联系。在你的作品中，艺术和生活是否紧密相连？
我认为对于任何从事艺术的人来说都是如此；很难成为艺术的 “技术人员”。例如，专业性的概念离我很远，我尝试再尝试，混合各种东西，看看会发生什么。这就是为什么我认为艺术创作是一种倾向，它涉及到艺术实践者生活的方方面面。
您对诗歌感兴趣吗？
我非常感兴趣。对我来说，艺术和诗歌密切相关；在这两种情况下，描述或讲述什么并不重要（至少不是最重要的），重要的是用什么形式从其他事物中定义出某种事物。我不认为为有抱负的诗人开设的课程与美术学院的绘画（或视觉艺术）课程有什么区别。
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